美の巨人たち

 

 BSジャパンで放送されているこの番組は、テレ東での番組の再放送である(半年ほど遅れているとのことである)。残念ながら現在の私が居住している地域では、テレ東系の放送局が存在しないため、BSジャパンでの視聴になる。

 名画などの美術品の背景を、独自の視点から説明していっていることがこの番組の最大の特徴。途中で入るミニドラマは少々うるさく感じるむきもあるが、NHKのこの手の番組とは違った、少々斜に構えた視点はなかなか興味深いものがある。NHKと違って民報は数字をとる必要があるので、そのために番組が地味になりすぎないための工夫であろう。

 

3/20 ケーブルテレビ加入により念願のテレ東系テレビ局の放送を見ることが出来るようになりました。そういうわけで、本日よりテレ東と同スケジュールでコメントしていくことにします。

 

エンターティーメント度 C

情報信頼度 B

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2015/6/13 美の巨人たち「山下清作 長崎風景」

 今回のテーマは昭和にもっとも愛された画家・山下清。表題作は長崎の銀行の内部の重役室の廊下に架けられていて、一般には公開されていないという。貼り絵で長崎の風景を描いた大作である。

 この絵は山下清が40代の最も充実した時期に描かれた作品であり、技術的にもかなり完成度が高いという。紙片の断片の色彩の組み合わせから紙片の大きさまですべて考えられており、海の表現などは手前の紙片は大きく、奥の紙片は小さくということでキラキラと煌めく海面の奥行きまでが現れているという。

 全国を放浪しては、戻ってきてからその記憶にある風景を作品に描いていた山下清だが、この長崎の風景についても現実の風景とは微妙に異なる部分があるという。それは彼の心の中にある理想の世界の表現なのかも知れないとのこと。

 山下清についてはこの番組では何度も紹介されているので、今更感はある。ただこの作品については貼り絵での表現が、まさに印象派の点描のような効果を上げており、非常に心惹かれる作品となっている。

 ところでこの番組自体について言うと、やはり一番の問題は蒼井優のナレーション。どうしてもこれが聞こえてくると視聴意欲を大幅に削がれる。最早これは早急なる根本的解決に期待したい。

 

2015/6/6 美の巨人たち「フィンセント・ファン・ゴッホ作 星月夜」

 ゴッホの有名な空がなぜかうねっているインパクトの強い絵が今回のテーマ。

 誰もが感じる疑問が、この空でうねっているのは何だ?ということだが、それが何を現しているのかはともかくとして、番組ではこの絵は明らかに葛飾北斎の「神奈川沖浪裏」の影響を受けているのではないかとしている。実際に二つの絵を重ねてみると、空のうねりと波のうねりが見事に重なるのだという。

 なお番組では架空の観光ガイドを登場させてゴッホの絵のモデルになった場所を巡っているが、要はここでのポイントは、この絵のモデルなった場所にはこの絵の重要モチーフである巨大な糸杉と教会の塔は実在しないのだということ。これはゴッホが意図的に書き足したものだという。

 北斎の神奈川沖浪裏には画面の奥行きを表現するために複数の遠近法が導入されており、その一つは手前の波の形と奥の富士の形の相似性から来る線遠近法という手法だという。そしてゴッホが描き込んだ糸杉と教会の塔はまさにこの線遠近法になっているのだとか。

 ゴッホが日本の浮世絵の影響を強烈に受けていたというのはよく知られていることだから、この絵のネタが北斎から来ているという可能性は十分にあり得ることのように感じられる。どちらの絵もとにかく一度見たら忘れないぐらいの強烈なインパクトのある絵である。

 さて番組の内容はともかく、やはり気になって仕方ないのが蒼井優のナレーション。声があまり良くない上にベタベタとした喋りだからハッキリ言って極めて耳障り。この耳障りさにつかえて、彼女が語る内容は見事なまでに頭に入ってこない。しかも回を重ねるごとに慣れるよりもむしろ不快さが増してきている。やっぱりこの起用は明らかな失敗。小林薫のしっとりしたナレーションだから、落ち着いて番組を楽しむことが出来たのに、これでは番組を見る気までが落ちてくる。

 

2015/5/16 美の巨人たち「フェルメール作 天文学者」

 ルーブルに収蔵されている表題作は、現在日本で公開中である。

 この作品は「地理学者」とセットと言われている作品で、明らかにモデルが同一人物である。しかしなぜ天文学者を描くかと言えば、当時のオランダを支えたのは海外との交易であり、そのような貿易船に必需だったのが天文学者や地理学者だというのである。彼らは天文を見て現在地を判断し、船が迷わずに進めるようにするのが仕事である。

 また天文学者の元祖と言えるのがユダヤの民を率いたモーゼであり、彼は星を見て人々を導いたとされている。天文学とは旧約聖書の時代から連なっているということもこの絵は暗示しているのだとか。

 なおこの絵は独特のソフトフォーカスなタッチで描いているが、これは当時のカメラオブスクラの影響があると考えられるという。カメラオブススクラとはレンズのついた暗箱でガラスの板に画像が映るのだという。当時の多くの画家は正確な遠近法を描くために、この画像をなぞって描いたという。しかしフェルメールのアトリエにはこの装置は入らないことが分かっており、彼はあくまで自分の手によってカメラオブスクラを通したようなソフトフォーカスな光の表現をとったのだという。この辺りが彼の天才たる所以。

 国立新美術館で開催中のルーブル美術館展との連携企画なのは明らかだが、さらにフェルメールの複製画を集めた「フェルメール光の王国展」の宣伝も兼ねているというダブル連携企画になっていた。まあ別にいいけど・・・。

 ところでこの春からナレーターに加わった蒼井優の出番が回ごとに増えていっているようですが、どうも彼女のナレーションは好きになれない。ベチャベチャした喋りなのに声があまり良くない(基本的にかすれ声である)というのが引っかかって、どうも言葉の中身が頭に入ってこない。やはり彼女はナレーター向きとは思えない。正直なところ私は蒼井優という役者は好きでも嫌いでもないのだが、このままだと嫌いになりそうだ。

 

2015/4/25 美の巨人たち「葛飾北斎作 美人愛猫図」

 今回は大阪市立美術館で開催中の「肉筆浮世絵展」に連動した企画。この展覧会で公開されている北斎の作品で、私も先日実際に見てきたものである。

 北斎は雅号をいくつか変えているが、この作品の頃から北斎の雅号を使い始めたという。以前宗理と名乗っていた頃にはかなり繊細な絵を描いていたが、この作品では太さの様々な大胆な線を用いている。全く別物と言っていいぐらいに変わっているという。この大胆な線で動きを現しているのだという。実際に私がこの作品を目にした時も、その大胆な線が非常に印象に残った。

 またこの絵を実際に目にした時、やけに猫がかわいくない(というよりも不気味でさえある)のが印象に残るのだが、この猫には源氏物語の「若菜」の上巻の物語が埋め込まれているのだとか。北斎の描く美人画は単純に美しさを描くというものではないのだという。

 以上、大阪市立美術館との連動企画。しかしこの展覧会は実際に出かける価値はあるものなので、関西在住の方にはお勧めである。なお北斎の作品は実はこの一点なので、北斎だけに興味があるという人にはつらいか。

 この春に新装開店なってからナレーターに蒼井優が加わったが、どうも彼女のベチャベチャした声としゃべりはしっくりこない。絵画の解説という硬派な部分はさすがに彼女の声ではキツいので相変わらず小林薫を起用しており、番組の観光案内的な部分やよくある寸劇などの部分のナレーターが蒼井優担当の模様だが、彼女のナレーションはどうも浮ついており、そうなるとこういった部分の不要さが際立ってしまっている。また声質としゃべりの不快さが引っかかって中身が頭に入ってこない。私は蒼井優という女優は特に好きでも嫌いでもないが(というかよく知らないというのが正しい)女優でもナレーションに向いている人と向いていない人がおり、明らかに蒼井優は向いていない方だ。

 

 

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4/25 ラファエロ・サンツォ作「小椅子の聖母」

 多くの聖母像を描いており「聖母の画家」とも言われるラファエロの代表作。ただ他の聖母像と違って種々の仕掛けがあるという。

 まずは聖母の服装。聖母の衣服は赤と青というのが約束事なのだそうだが、この聖母は緑色をまとっている。これはイエスの黄色の服と共に、画面の人物に溌剌とした生気を感じさせるための色彩であるという。

 また円形の画面に描かれているのが非常に印象的な作品であるが、実際に画面の構図の中に多くの円が隠されている。マリアの身体の線からイエスの身体の線など、ざっと調べても10以上の円形の配置があり、これが見るものの目線を惹きつける効果を持っているという。

 そして聖母の視線がこっちを向いていること。確かに他の絵では聖母の視線は絵の中を向いていることが多い。これはかなり効果的で、確かに私もこの絵を見た時に、聖母が語りかけてくるような印象を持ったのは事実。

 このラファエロの卓越した作品は多くの画家を魅了しており、ルノワールや下村観山もその中に含まれるとか。かく言う私もこの絵は好きである。

 

2/6 アルフォンス・ミュシャ作「ジスモンダ」

 表題作は、無名の画家ミュシャを一躍アールヌーヴォーの旗手に押し上げた出世作である。しかしこの作品の登場には大きな偶然があった。チェコ出身のミュシャは絵画の修行のためにフランスにやってくるが、スポンサーを失ったりなどで困窮を極め、ポスター製作や挿絵の仕事をしていた。そんな彼のところに突然に舞い込んだのが大女優サラ・ベルナールのジスモンダのポスター製作だった。既に落ち目になりつつあった彼女は、この作品に復活のための意気込みをかけており、既に多くのポスターが彼女によってだめ出しされていたという。彼に与えられたのはたったの6日。しかし彼はその6日でこの大作を仕上げ、またサラもこのポスターを大いに気に入り、それ以降、彼女のポスターは彼が手がけることになる。

 この頃のパリではロートレックなどの活躍によって既にポスターは芸術として認識されていたが、ミュシャのそれまでとは全く異なるポスターは大評判となる。彼の作品は様式的でありそれでいて人物は柔らかく活き活きとしていて魅力的である。またビザンチン様式が得意な彼にとっては、作品が「ジスモンダ」であったことも幸運であったという。

 パリで名声を得た彼は、やがて祖国の独立のために尽くすことになり、大作「スラブ叙事詩」を仕上げる。

 ミュシャは私の好きな画家の一人であり、実を言うと私の部屋には彼の作品のポスターがかけてある。とにかく女性を美しく描く画家であり、サラ・ベルナールが彼を気に入ったのもよく分かる。ある意味では彼は元祖「萌え」画家だったのかもしれない。彼と対照的なのはロートレックで、これでもかとばかりに特徴をデフォルメするので、女優には嫌われたというエピソードも残っている(実際、ロートレックの手によるサラ・ベルナールのポスターもあるのだが、ミュシャの作品と同一人物と思えないほど違っている)。

 なお今回の番組ではミュシャの初期のエピソードばかりで晩年にはほとんど触れられていないのだが、実際には「スラブ叙事詩」を作成した頃には、既に彼は「過去の画家」扱いで、この彼の大作自体はあまり注目を浴びなかったという話も聞いている。ただ彼自身は単なる流行画家ではなく、古典的技法をしっかりと習得している画家であるので(そのことがかえって「過去の画家」のイメージを強くした感もあるが)、スラブ叙事詩はかなりすごい作品である。私はこの作品も見てみたいと思っているのだが、多分その機会はないだろうな・・・。

 

'10/1/27 熊谷守一作「雨滴」

 熊谷守一は「視る」ことにこだわった画家だという。彼は幼い頃から画才を示し、上京して東京美術学校に入学してからは教授の黒田清輝にも高く評価されたが、自分が見たものを絵にするということに悩んでしばらく絵を描かない時期が続いたという。

 肉体労働などをしながら数年を過ごし、再び彼が絵筆を取った時にはその画風は一変していた。「絵は絵」だと割り切ったのではないかという。実際にこれからの彼の絵は極めて簡潔でありながら、対象の本質を捕らえたかのようなものに変わる。

 表題作はなんとも奇妙な絵であるが、これは滴り落ちる雨滴を高速度撮影で捕らえたような絵になっている。通常は肉眼でとても見えるようなものではないのだが、熊谷の目には雨滴はこう映っていたらしい。そう言う意味では超人的な視覚をもった人物だったのか。

 正直なところあまりにさっくりとした彼の絵はあまり好みではありません。まあ味のある絵という表現も出来るのですが、あまりに簡潔すぎて「はあ、そうですか」で終わってしまうので。

 

1/24 ハンス・ホルバイン作「大使たち」

 16世紀に活躍した肖像画家ホルバインは、その圧倒的な描写力でイングランドの宮廷画家にまで上り詰めた人物である。しかし彼が仕えた王は、イギリス史上最悪の暴君と言われるヘンリー8世だった。彼もまたその暴君に振り回されることになるのだという。

 ホルバインはドイツの画家一家に生まれた。彼は幼少時より徹底した技術を仕込まれると共に、天性の才能を示して宗教画家としての頭角を現した。しかし時はあたかも宗教改革の時代。ドイツでは宗教改革によって多くの宗教画が廃棄されて宗教画家の仕事はなくなったという。そこでホルバインは食べるためにイングランドに渡り、そこでヘンリー8世に見込まれたのだとか。

 この暴君ヘンリー8世が起こした一番の事件は、自らが離婚するために離婚を禁じたローマカトリックから離反し、自らを中心としたイギリス国教会を制定したことである。表題作の大使とは、ヘンリー8世の元にローマカトリックへの復帰を促すために送られたフランス大使だという。しかしこの画に込められた数々の寓意は、その交渉がほぼ絶望的であることも示している。

 またこの肖像画を有名にしている一つのトリックが、絵の下部にある奇妙な歪んだ物体。これは実は斜め横から見ると骸骨であることが分かるようになっている。これの意味については、人はいつか死ぬという寓意を込めたという説から、ホルバインのサイン(ドイツ語でホルバインとは空っぽの骨という意味だとか)という説まであるが、その真相は誰も分からない。

 なおホルバインはその後、ヘンリー8世の信用を失って仕事も来なくなるようになったという。その原因とは彼が描いた肖像画を元に后候補を決めたヘンリー8世が、本人に対面していたく幻滅したことだそうな。彼の肖像画が良くできすぎていたのだそうな。まあ今でも、写真写りだけは良いという人もいるのであるが(また写真は性格を写さないとも言う)。

 

7/13 片岡球子作「山 富士山」

 北海道出身の画家・片岡球子の原色ギラギラの作品である。

 画学校を卒業後、絵の道を選ぶか、故郷に帰って結婚するかの二者択一を迫られた彼女は絵の道を選ぶ。学校の教師をしながら絵を描きつづるが、院展に応募しては落選を繰り返し、落選の神様とまで呼ばれる羽目に陥ったとのこと。彼女が師と仰いでいたのは、前田青邨、安田靫彦、小林古径などだというが、不思議なことはいずれもが繊細な線を特徴とする画風の画家であるのに対し、彼女の作品は力強くてその分デリカシーのない線が特徴になっているということ。彼女の絵をゲテモノと呼ぶ者もいたが、小林古径などは彼女がそこを突き抜けると大化けすると読んでいたという。

 その後、彼女は各地の火山を巡ってスケッチをしまくり、やがて富士山に行き当たったのだという。内面から吹き上がるかのような荒々しさのある絵は、彼女にしか描けない富士である。

 とは言うものの、どうも彼女の絵は私は苦手です。そして不思議なことに、彼女が師と仰いでいたという前田青邨、安田靫彦、小林古径の3人も私的にはイマイチなんですよね。これはどうやら好みの問題だ。

 

7/6 カミーユ・コロー作「モルトフォンテーヌの想い出」

 森の画家として知られ、愛されているコローの作品。幻想的な森の風景を柔らかく描いた作品である。当時はアカデミズム絵画の世界では、森の風景は神話などと組み合わせないと画題として成立しないと考えられていたのに、彼は単なる森の絵を芸術として完成させてしまったのである。

 幼い頃から絵が好きで、ついには父親の許しを得て画家として修行を開始したコローは、当初は当時の絵画に良くあるような明瞭な色彩での風景画を描いていたという。しかしそのような描き方で森を描くとどうしても平凡すぎる日常の光景になってしまう。そんな彼が出会ったのは、当時新技術として登場していた写真だったという。露光時間も長くて粒子も粗かった当時の写真は、すぐに輪郭がぼけたり、白飛びで画面がかすんでしまったりなどがあったのだという。しかしそこに自らがめざしていた幻想性を見いだした彼は、その時から画風が一変したのだとか。

 なお表題作は、モルトフォンテーヌの「想い出」とあるように、実は現実の風景をスケッチしたものではなく、彼の頭の中にイメージとしてある森の風景を描いたものだという。だからよく見ると、季節に矛盾があったりするし、モルトフォンテーヌの森を散策しても、似た雰囲気のところはあっても、絵と合致する風景は存在しないのだという。つまりはこの絵は心象風景の作品であり、そのことが逆に当時のフランス人に熱狂的に受け入れられた理由にもなるのだとか。

 何やら日本の山水画のことを連想してしまった。あれも現実の風景ではない心象風景を描くもので、だからこそ逆に精神に訴えてくるのであるが。ところでコローについては現在、東京でコロー展が開催中であり(その後、神戸に巡回予定)、例によっての連携企画のようである。なお写真については、非常に敵視した画家もいた一方で、積極的に取り入れた画家もいたようで、その対応は二分されたようである(ユトリロなどは絵はがきを元にして風景画を描いていたことで有名)。コローもまさか写真の影響を受けていたとは知らなかった。 

 

6/28 甲斐庄楠音作「横櫛」

 今回の表題作は広島県立美術館に所蔵されている作品。妙なインパクトのある作品である。

 京都に生まれた彼は、美術工芸学校で日本画を学ぶが、ダビンチやミケランジェロに傾倒して西洋画の影響を大きく受けたという。表題作は彼が美術学校の卒業を前にして、出席日数の不足からこのままでは卒業が出来ないから直ちに完成した絵を提出するように言われて制作したものだとか。モデルになったのは彼の兄嫁だが、実はそのスケッチは1年前のものであり、この絵を完成させた時には既に彼女は亡くなっていたという。

 その後の彼は、かなりインパクトの強い退廃色の濃い作品(グロテスクでさえある。番組では大正デカダンスと表現していたが)を描き続けるのであるが、国画創作協会の土田麦僊から「穢い絵」と言われて出展を拒否されたのだという。それ以来、彼の絵はおとなしいオーソドックスなものになるのだが、かつての輝きを失っていくのだという(私からすると、汚いというよりは悪趣味というのが正しい気がするが)。結局彼は、映画の衣装デザインの世界に転進して、そちらで評価を高めていくことになったという。

 なるほど、表題作を以前に見た時に、美しくてうまいにもかかわらず、どことなく不気味な絵であると感じたのは、彼のそういう経緯があるからか。実際に表題作も後で直されたもので、当初はもっとイメージが異なったらしい。やはりその片鱗が残っているのだろう。なお彼は女装したりなどの奇癖もあったそうで、やはり精神的に少し妙な点があったようである。

 

6/7 エミリー・カーメ・ウングワレー作「無題(アルハルクラ)」

 今回登場するのは80才を過ぎてから絵を描き始めたアボリジニ(オーストラリア原住民)の画家、エミリー・カーメ・ウングワレーである。

 彼女が絵を描き始めたのは80才を過ぎてから、それからなくなるまでの間に数千点もの作品を描きあげたという。その一見抽象画に見える絵画に彼女が込めたもの。それは「ドリーミング」だという。これは狩猟採取で生きてきたアボリジニには重要な概念だという。文字を持たない彼らは、絵画によって数々の情報を伝え合ってきたのだという。

 オーストラリアではつい最近まで激しい人種差別政策をとられてきた。彼女も白人の移民達に土地を奪われ、そこで働かされていた。またアボリジニの子供達は同化政策のために親から引き離されて隔離されていた。そして彼女が絵を描き始めたのは、1970年に差別政策が撤廃されて、社会復帰のための教育の過程でのことだという。彼女が何を描いているのか理解できる者は少ないが、彼女によると「すべて」なのだそうな。オーストラリアの大地のすべてを彼女は描いているらしい。

 今回も展覧会連携企画です。と言うのは、現在ウングワレー展が国立新美術館で開催中なので。ちなみに私は大阪で開催されたおりに行っていますが、確かに彼女の絵からは様々な多重なイメージが浮かび上がってくるのですが(オーストラリアの赤茶けた大地の強烈なイメージもあった)、私は少々ついて行けませんでした。

 なおオーストラリアは人種差別の国で有名です。番組では言ってませんが、実際にアボリジニは農園で働かされたどころではなく、白人達の暇つぶしの狩りのための獲物にさえされました(彼らは動物扱いされており、人間と見られていなかった)。そんなひどい人種差別がついこの間までされていたわけですから、この国は未だに潜在的には差別意識は強いです。あの病的な反捕鯨運動の根底に流れているのは、この差別意識だったりするわけで。 

 

5/31 岡本帰一装丁挿絵「コドモノクニ」

 今回登場するのは大正時代の児童書「コドモノクニ」。この本で挿絵を描いているのは、洋画を学んだ岡本帰一。この絵は多くの子供に影響を与え、いわさきちひろもその一人だという。今回登場するのもいわさきちひろ美術館である。

 子供の頃にうちわの絵に魅せられた岡本帰一は、父の理解もあって18才で黒田清輝の洋画研究所に入る。彼の3才下には、あの岸田劉生がいたという。共に印象派にかぶれて新しい芸術を目指す独自の活動を始めるが、それが黒田清輝の怒りに触れて二人とも破門されてしまう。岸田が我が道を突っ走る一方、彼は自分が進むべき方向に迷っていたという。彼は結婚するが、破門を期に父からも絶縁されて困窮の底にいたという。そんな時に童画雑誌「金の船」の仕事が舞い込んできたのだという。野口雨情など蒼々たるメンバーがこの雑誌に参加していた。ここで岡本帰一は童画家として名前が上がったという。しかし彼としては油絵なども描きたいという想いがあり、このまま童画家で良いのかという迷いがあったという。そんな中、「コドモノクニ」の仕事が舞い込む。彼は多忙を極めていたにも関わらず、その仕事を引き受ける。結果としてそのことが彼の童画家としての名声を不動のものとする。そして二人目の子供が生まれたのを期に、彼は油絵を描きたいという想いを吹っ切り、多くの作品を出かける。しかし彼は42才で腸チフスでこの世を去ったという。

 彼の作品は美術館で飾られるような絵ではないと番組で言っていたが、私はまさに彼の作品に美術館で初めて出会っただが・・・。彼の作品は十二分に芸術だと思ったのである。子供向けだからこそインチキは許されず、本物である必要があるのである。にも関わらず、現代は子供向けを口実にしたインチキが多い。

 

5/24 フィンセント・ファン・ゴッホ作「古靴」

 表題作は、ゴッホが社会に適応できず、各地を放浪していた挙げ句に弟のテオを頼ってパリに戻って来た時に描いた作品だという。この時期のゴッホはミレーに傾倒しており、農民の絵を多く描いていた。

 この靴が誰の靴かというのは議論があり、農民の靴だとか、自分の靴だとか諸説紛々だったそうな。ただこの靴は一人のものではなく二人のものだという説もあるという。番組の解釈では彼を支援し続けたテオとゴッホのものではないかというもの。ありそうな話ではある。

 なおテオはゴッホを支援し続けたのであるが、ゴッホの絵は一向に売れず、そのことによってテオの経済的負担も大きいものになる。そしてテオが経済支援の厳しさをゴッホに語った後、ゴッホは何かが切れたように自殺してしまったのだという。そしてそれを後悔するかのようにテオもまもなく亡くなる。はっきり言って悲劇的な兄弟である。

 まあゴッホの絵であるが、当時は全く売れなかったのは分からないでもない。今でも個人的にはどうかと感じている者も少なくはないんだから。実際「高価な絵」だと言われているからありがたがっているだけの者も多いだろう。

 

5/17 与謝蕪村作「銀地山水図屏風」

 表題作は文人画の大家・与謝蕪村の最晩年の作品である。幽玄な風景の中でどことなく楽しげに見える人々。そしてどこかへと続いていく道。

 蕪村は独学で絵を学んだ人物である。若き日には俳人として芭蕉の足跡を追う旅に出たという彼だが、そんな彼が京に上ってそこに居を構えてから、本格的に画家を目指し始めたという。彼はもっぱら中国の絵画を模写し、それによって自身の技術を確立していったとか。この時の京都は円山応挙や長澤蘆雪、さらに池大雅に曾我瀟白など京都ルネサンスと言われる状態になっていた。その中で蕪村は独自のポジションを築くことになる。

 ただ番組の解釈としては、蕪村の作品の奥には帰ろうと思っても帰られない故郷に対する郷愁が最後まで籠もっていたのではとのもの。そこのところは私にはよく分からん。

 

5/10 アルフレッド・シスレー作「ポール・マルリ洪水と小舟」

 印象派の画家の一人・シスレー。しかし他の画家達が社会的名声を得ていく中で、彼だけはいつまでも絵が売れず、貧困に苦しんだという。そんな彼が洪水の風景を描いた一連の作品の中の一枚である。

 洪水の惨憺たる有様の絵のはずだが、絵からは暗い印象を全く受けない。それは青々とした空のせいである。シスレーは「空のシスレー」とも言われていたぐらい、とにかく空をよく描く画家だったという。彼は空を単なる背景ではなく、まさに画題そのものと捉えていたらしい。そして表題作は、実は洪水の水がだんだんと退いていく途中の状態であり、謂わばわずかな希望が見えているのだとか。

 もっともこの絵を描いた時のシスレーの状態はまさにどん底だったという。彼は結婚したが、その結婚を認めない父親が経済的支援を打ち切り、しかも戦争が勃発して実家は焼け出され、父親も間もなくこの世を去ってしまったのだという。絵が全く売れない彼は、貧困の底に沈んでいたという。そんな中でかすかな希望を見いだそうとしていたのか。しかしやがて彼の妻が癌で死に、翌年に彼も癌でこの世を去ったという。彼は死の前に友人であったモネに子供を託したとか。そのモネによって競売に出されたシスレーの作品が、破格の価格で売れたのは皮肉にも彼が亡くなった1年後だったという。

 シスレーの絵画は私も知っていますが、正直なところ、一癖ある画家が揃っている印象派の中では、あまりに個性が薄いんですよね。それが知名度などの点で彼が割を食っている最大の理由。私も悪い絵とは思わないのですが、印象に残っている作品が全くない。噛みしめれば噛みしめるほど味が出るという玄人好みタイプの画家みたいですが。

 

5/3 小林古径作「清姫日高川」

 今回の表題作は、日本画家・小林古径が道成寺の伝説を元にして描いた作品。一夜の宿を借りた若い僧・安珍に恋した清姫が、彼を追っていく途中で大蛇に変貌し、ついには恋する安珍を焼き殺してしまうという男女の愛憎を物語る悲劇である。

 小林古径は品のある絵で知られる画家。非常に寡黙な人で修行僧のようだと言われていたという。彼の絵はその繊細な線が特徴であるのだが、それは日本美術院の留学生としてヨーロッパに派遣された時に、ロンドンの大英博物館所蔵の中国の古画を模写した時に、「高古遊糸描」という細い強い線で描く手法を修得したことによっているとのこと。この線を描くにはとにかく無心で臨むことが重要であるとのことで、このことも古径が修行僧のようであったことと関係しているようだ。

 晩年の古径はパーキンソン病による手の震えに苦しめられたそうだが、「悲しい時には絵を描きなさい」と言っていた人物らしく、最後まで描き続けたとか。やはり修行僧の一生である。

 小林古径の絵は私もよく知っているし、表題作もつい先日に実物を山種美術館で見てきたところである。とにかく彼の絵は品がある。ただ私の好みから言うとあまりに繊細にすぎるという気がするのである。だから表題作のような愛憎劇を描いても、彼の絵はあくまで美しすぎてドロドロしたところがないのである。正直なところ、私の個人的な好みとしては、もう少し下品な絵の方が性に合う。私は修行僧とはかけ離れている人間ですので。

 

4/26 石田徹也作「飛べなくなった人」

 奇っ怪にしてインパクトの強い作品である。しかしなぜか共感を持ってしまう。

 静岡の焼津で生まれた石田徹也は、幼い頃から絵が好きな少年で、そのまま絵を描く道に進んだようである。しかし社会に出るにあたっての軋轢もあったのか、なんとなく作品自体に生きにくさを感じさせる空気が強い。

 彼の感性は認められ、いろいろ賞を取ったりなど、社会的にもそれなりに評価されたようだ。ただ彼の作品はイラストという捉えられ方をされていたのに対し、彼自身は画家を目指していたという。そして自分の作品の方向性に対する苦悩もあったようだ。

 そして彼は31才で事故死する。調べてみたところによると、踏切事故死とのことで、かぎなく自殺のようなにおいがプンプンしているようである。彼の作品は悪くいえばワンパターンであり、転機を図るにはかなりの迷いがあったことは想像に難くない。また彼の感性に破滅的空気を感じることからも、なんとなくなるべくしてなった結論のようにさえ見えてしまうのが本音なのであるが。

 

4/19 クロード=ニコラ・ルドゥー作「アルケ=スナンの王立製塩所」

 表題作は1982年に世界遺産に登録されたという。半円形に設計されたエリアに多くの建物が建造されている。

 設計したルドゥーは華美な装飾を排したシンプルな造形という独自の建築様式を確立した人物で、ルイ15世の愛人だったデュ・バリー夫人に注目され、多くの建物を手がけたという。ロイヤル建築アカデミーの会員となった彼には多くの依頼が来たが、当時のフランスは貴族の浪費で経済が傾いており、建築の段になると資金不足で頓挫というのが少なくなかったという。窮地の政府は塩の独占販売での巨額の税金に目を付け、製塩所を建設したのだという。

 ここでルドゥーが実現した理想は、産業を中心とした都市の設計だったという。実際にこの製塩所の中では労働者が快適に仕事できるように配慮されているのだとか。しかしフランス革命が勃発、王の建築家だった彼には一切仕事が来なくなる。それでも彼は、この製塩所を中心に円形の都市を建設する計画を考え、多くの図面を残したという。それは一種の理想都市の建設であり、中には当時の建築技術では建築不可能な建物のスケッチもあるという。

 建築については一切分からない私だが、彼の建物については幾何学的に厳密に設計しているせいか、私自身の嗜好と合致しており、理解しやすさを感じた。典型的な理系発想(合理主義)を感じる。

 ちなみに番組では強引にル・コルビジェに結びつけていたが、これはコルビジェの展覧会が開催されるから。本当に最近は見事にこういうイベントに連動している。

 

4/12 東山魁夷作「残照」

 日本の国民風景画かとも言われた東山魁夷の代表作が本作。山の風景を描いた幽玄にして荘厳な一品である。

 今では日本を代表する画家とも言われている東山魁夷だが、そこに至るには多くの苦悩があったという。彼が画家を志したのは学生だった頃だが、なかなか世間に認められなくて苦労しているようである。さらに戦争。彼は招集された熊本で、毎日爆弾を抱えて戦車に突進する訓練を繰り返しながら(まさしく人生の空費である)、行軍の最中に見た山の風景の美しさに感動したのだという。

 戦後、肉親が次々とこの世を去る悲しみの中、各地の山々をさまよう中で到達した風景が表題作だという。この作品は単なる風景の模写ではなく、彼の心象風景を再構成しているものであるという。実際、彼の作品はいずれも単なるスケッチではなく、精神的な再構成がある。

 例によって、現在東京で開催中(その後、長野に巡回予定)の東山魁夷展に連動しての企画である。この展覧会は是非とも私も行きたいと思っており、今月末に東京遠征を計画している(問題は体調の方なのだが)。

 東山魁夷の風景画は、日本人ならばその心に強烈に訴えてくるものがあるのだが、その理由の一つはやはり彼の精神が反映していることが大きいだろう。実際、単なる山岳風景の写真だと、ここまで大きな感動はないので。

 

4/5 横山大観作「夜桜」

 表題作は1930年にローマで開催された「日本美術展覧会」(ローマ展)のために製作された大作である。この展覧会はホテルオークラの創業者・大倉喜七郎が企画したもので、日本美術を通じて欧米人を日本に誘致しようという意図があったという。

 以前より日本画の変革に取り組んできた大観は、世界に通用する日本画を目指していたことから、流派を問わずにトップクラスの日本画家に出展を依頼すると共に(そのメンバーたるや、竹内栖鳳、川合玉堂、鏑木清方といった蒼々たるものである)、自身もこの作品に並々ならぬ精力をつぎ込んでおり、その製作に5ヶ月を費やしたという。なお番組によると、彼は2ヶ月後に完成した絵画を使用人に見せ、「これが満開の桜に見えるか」と聞いたところ、「ツツジに見える」と言われたので、最初から改めて一から制作をし直しているとのこと。

 とにかくすさまじい絵であるが、自身も桜の絵を多く描いている日本画家の中島千波氏によると、日本人の美意識などを考えての表現が行われているという。実際、すべての花が正面を向いて均一に散らされており、明らかに写実とはかけ離れた意図的なものであり、装飾的なものである。

 このローマ展は成功を収め、その後も大観は精力的に日本画の革新に取り組み続けたという。

 大観の作品についてはいろいろ見ているが、とにかく力の入っているものにはすさまじい迫力がある。ただその一方で、あまりに装飾的にすぎたり、簡略にすぎて首をかしげてしまうような作品もある。革新に取り組んでいたのは確かであるが。

 なお中島千波氏であるが、私は彼の作品を小布施の美術館で見ている(中島千波美術館がある)。その時も桜の絵が多かったのが印象に残っている。ただ彼の絵もやや装飾的で、私の好みとは今一つずれていたのだが。

 

3/15 河鍋暁斎作「大和美人図屏風」

 幕末から明治にかけての動乱の時期に活躍した日本画家・河鍋暁斎。表題作はその暁斎の代表作とも言われる作品である。またこの作品には一人の外国人が絡んでいる。

 狩野派の絵画を学び、動乱の時期にも風刺精神にあふれた絵画を描いて投獄までされたというのが暁斎(当時は狂斎と名乗っていたとか)。抜群の技倆を有して「画鬼」とも呼ばれたその暁斎に惚れ込んで熱烈に弟子入りを志願したのが、明治政府から嘱託として招かれた建築家のジョサイア・コンドルだった。彼は鹿鳴館やニコライ堂を手がけ、工部大学校教授として人材育成にも努めた日本近代建築の父と言われた人物である。日本文化にも傾倒していた彼は、暁斎の絵画に惚れ込んで熱烈に弟子入りを志願したのだという。

 そもそも画才があったようであるコンドルは、メキメキと腕を上げ、暁斎から暁英という雅号をもらって展覧会で優勝するまでになったとか。その祝いの品として暁斎が描いたのが表題作だという。またその描き上がるまでのプロセスはすべてコンドルによって記録されている。

 本作はコンドルの死後にその娘に引き継がれたが、彼女が各地を転々とする間に消息不明となってしまい、それと共に暁斎の名も世間から忘れられたという。しかし近年になって暁斎の子孫の必死の調査で、コンドルの子孫が大切に絵を保管していたことが判明、その後にオークションにかけられたが日本人が落札、現在は京都国立博物館に保管されている(寄託品ということだろう)。近年になって暁斎再評価の機運が盛り上がっている。

 暁斎再評価の機運に乗っかった一人が私です。一昨年に彼の絵を初めて展覧会で見て、その力量と独創性に「これは並の画家ではない」と注目しておりました。実際、これだけの衝撃を受けた日本画家は北斎・曾我蕭白以来。そして昨年、念願叶って埼玉の河鍋暁斎記念美術館も訪問しております。コンドルのエピソードも、その時に美術館で流していたDVDで知りました。彼が記録を残したことで、暁斎は日本よりもむしろ海外での方が評価が高いとか。

 で、今年は京都国立博物館で河鍋暁斎展が開催されます(4/8〜5/11)。これが機に暁斎は一気に再評価されるのではと私はにらんでいます。一度暁斎の作品を目にすれば分かるのですが、とにかく「とんでもなくうまく、そしてとんでもなく変」というのが暁斎なんです。

 

2/23 ジャン・ミッシェル・バスキア作「Untitled」

 バスキアは27才で早逝したニューヨークの画家だという。彼はアートの世界で成功した数少ない黒人だとのこと。「ブラックピカソ」とも呼ばれた彼の描く作品は奔放にして大胆、その強烈な線は原始的な意味を持っている。

 彼はそもそも80年代に町でグラフティ(要は落書き)をしていて、そのセンスが注目されて一躍時代の寵児となったという。彼の作品は価値を上げ、多くのコレクターが彼の作品を買い求めたとのこと。

 彼自身は最初から有名になることを目指して活動をしていたのだが、有名になるにつれて名声や富に対する興味を急速に失い、単純に絵画を描くことの楽しみと苦しみに取り込まれていったという。そして27歳の時、彼の恋人によってアトリエで冷たくなっているところが発見されたのだとか。死因は薬物の大量摂取だとのこと。

 なんだかよく分からんが、典型的な芸術家の自滅パターンにはまっているような気がする。正直、私は彼の作品には強烈なインパクトは受けるが、やっぱりあまり好きではない。はっきり言うと、ある種の天才は感じるのであるが、私の好みではないとしか言いようがない。

 で、来週はいよいよ河鍋暁斎が登場の模様。近く京都国立博物館で河鍋暁斎展が開催されるのでそれと連携した企画であろう。一般的な知名度はかなり低いのであるが、去年ぐらいから私が非常に注目している画家である。これは非常に楽しみである。

 

2/16 川端龍子作「鳴門」

 表題作は山種美術館に収蔵されている。六曲一双の屏風に豪快に渦潮の光景を描いた大作である。

 龍子は最初は洋画家を目指していたという。しかし日本で生活に追われる毎日に、このままでは画家として駄目になるとアメリカに留学に渡る。しかしすべての手配を頼んでいた友人が雲隠れし、彼は言葉も通じない異国で絵の勉強もままならず進退窮まってしまったという。失意のままアメリカをさまよう彼が、ボストン美術館を訪れ、そこの東洋部で平治物語絵巻に出会って日本芸術に目を向けることになったのだという。帰国後の彼は日本画に転じて独学で日本画を描いたのだという。彼はその後院展に加入したが、その頃からボストン市立図書館で見たシャバンヌの巨大な壁画への想いが強くなり、それが大画面に向かわせたのだという。

 彼の大画面志向は、当時「床の間芸術」と言われた日本画に対する批判もあり、展覧会を舞台にした会場芸術への志向だったという。彼のこの姿勢は院展の中でも反発を生み、結局彼は院展を脱退して独自の団体を旗揚げする。表題作はそのような時期に描かれており、最初は静かな入り江の船の絵だったのが、心の赴くところに従うと荒々しい渦潮の絵になってしまったのだとか。

 龍子は異端の画家と言われているが、実際に彼の絵を初めて展覧会で見た時に私は「すごいな」という印象を受けていた。とにかく迫力が桁違いなのである。彼が会場芸術を目指していたと言われると、改めて非常に納得する。確かに展覧会の場でかなり映えるのである。彼の作品は床の間に収まるようなものではなく、確かに展覧会の場にしか置きようがない。

 この彼の会場芸術を目指した流れは、明らかにその後の日本画に大きな影響を与えている。現に今の日本画作品はかなり大作志向が強くなっているようなので。ただ彼の場合、無意味に大作を描いたのではなく、そこに実は繊細な日本画技法も入り込んでいるのであるが。

 ところでこの番組って、山種美術館ネタが多いですね。スポンサーかなんか関係あるんでしょうか。まあ山種は私も好きな美術館なので、別にいいですけど。

 

2/9 ルイス・コンフォート・ティファニー作「百合と林檎の花」

 ルイス・ティファニーは宝石商チャールズ・ティファニーの御曹司として、まさに「銀のスプーンをくわえて産まれてきた」人物である。幼い頃から美しいものに触れて育ってきた彼は、やがて芸術家を目指し、ガラス作品でその名を残したのであるが、その彼の手によるステンドグラスが表題作である。

 17才になった彼は、店を継がずに画家になることを宣言し、ヨーロッパから北アフリカを旅し、画家として名を上げると共にアメリカにはあまりに美に対して遅れていることを感じ、室内装飾の会社を立ち上げる。その彼はパリ万博でガレの作品に出会ったのが転機になる。その後の彼はガラスの研究に打ち込み、当時のガラスの絵の具を塗ったステンドガラスでなく、光を通す魔法のガラスの研究をおこなったという。1892年に彼はガラス工場を設立、膨大な時間と資金を費やしてついに千幻万化の微妙なグラデーションを持つ魔法のガラスを開発する。彼はこのガラスを使ってステンドグラスを制作、これがアメリカ中を魅了する。

 父・チャールズ・ティファニーがこの世を去り、莫大な遺産を引き継いだルイスは、家族の反対を押し切ってすべての財産をつぎ込んだ広大な邸宅の建造を始める。それこそが彼が追究した美の世界の集大成だったという。しかしここで彼の人生の暗転が訪れる。屋敷の完成の1年前に彼の最愛の妻が死去、4人の娘も次々と嫁ぎ、広大な屋敷に彼一人が取り残されることになったという。さらに流行の変化によってアール・ヌーヴォーは時代遅れとなり、彼の作品は世の中に忘れられていく、そして彼のガラス会社も立ちゆかなくなり倒産の憂き目にあったのだという。どうも彼は寂しい晩年を迎えたようである。

 ティファニーのガラス製品は以前にガレ展などで見たことがあり、そのガラスの美しさに魅了されつつも、なぜティファニーがこんなものを作っているんだろうとの疑問を感じていたのだが、そこにこういう事情があったのは恥ずかしながら初めて知った。彼がそれだけ精力を注いだのであるから、道理であのガラスの光沢が異様に美しかったわけである。

 彼は非常に繊細な美意識を持っていたようだが、このようなタイプの人間は経営者には向かないのは歴史が証明している。芸術家肌の人間は経営と政治はするべきではないのである(政治の方は画家崩れだったヒトラーの存在がすべてを示している)。ちなみに私は自信のことを芸術家肌などと言うつもりはないが、経営と政治の世界がもっとも向いていないタイプであることは自覚しているつもりではある。

 なおティファニーの作品については、松江のティファニー美術館に見に行こうと思っていたのだが、残念ながら私が訪問する前に閉館になってしまった(どうも松江市と経営会社の間で様々な思惑の衝突があったようだ)。同館がその後どこかに移転するのかどうかが全く不明なのであるが、ファンも結構多かった美術館のようであるので、幸福な結論がつくことを祈るところである。それにしても日本全体が金のことばかりに窮々とし始めて、とかく芸術などの文化が軽視される時代になりつつあるのが気がかりだ。この国の精神が貧困化しつつある。

 

2/2 長谷川利行「岸田国士像」

 長谷川利行は、独学で絵を学び、金が無くなると絵を売って小金を手に入れるというその日暮らしをしていた画家だという。彼はとにかく早書きなのが有名で、例えば芝居小屋の客席で絵を描いたりなど、街中で多くの人物の絵を次々と描いていったという。

 そんな中で彼が4〜5日と比較的時間をかけて描いたのが表題作だという。長谷川が友人の矢野文夫を通して、新進気鋭の劇作家・岸田国士にたっての願いでモデルを頼んだのだという。しかしこれは岸田にとってはとんでもない災難になったのだという。この絵には二人の間の緊張感のようなものが現れており、これは長谷川が当時の有名人だった岸田に対しての敵愾心のようなものまで見えるという。この作品は二科展で好評を博するが、長谷川はその後に毎日のように岸田のところに金の無心に現れるようになったとか。後年、この絵がある画商に渡り、岸田の元に売り込まれたが、彼は引き取りを拒絶したとか。

 結局、長谷川は49才で野垂れ死にのような死に方をしたらしい。うーん、人間的にいろいろと問題のあった人物らしい。まあ芸術家には往々にしてそういうタイプがいると言うべきか、そういうタイプは芸術以外使えるところがないと言うべきか。

 

1/26 カイユボット作「床を削る人々」

 フランスの至宝オルセー美術館。表題作はそこに展示されている。カイユボットはモネやルノワールなどの他の画家達よりは知名度が劣るが、実は彼こそがこの美術館の設立に大いに貢献した人物なのだという。

 彼は線維商で成功した裕福なブルジョワジーの家庭に生まれたが、法律家になることを望んでいた父の意志に反して画家を目指したのだという。それならばと父は彼を名門のエコール・デ・ボザールに入れるが、彼はそこのアカデミズム絵画に失望していたという。そんな時に彼がたまたま目にしたのが「落選展」。いわゆる第一回印象派展である。彼はそこでするどく現実社会を描いたドガの絵画に感動し、彼に心酔するのだという。そんな時にカイユボットが描いたのが表題作。現実の風景の一コマを切り取った、今日のフォトジャーナリズム的な作品である。

 実際に、彼の作品は写真を元にしていると思われるものが多々あるという。彼は美しい絵画ではなく、現実を写すリアリスティックな絵画を望んだらしい。また彼は印象派を支えるために、当時は全く絵が売れていなかった彼らの絵を多く買い求めた。

 しかし彼にとって悲しい出来事が起こる。しかもその源は彼が心酔していたドガだった。ドガは印象派展に自分が気に入った画家を勝手に次々と加え、それに反発したルノワールやモネなどの画家達が印象派展から離脱することになった。そうしてカイユボット自身もついにドガと袂を分かつことになる。その後、彼は田舎に引きこもり、そこで10年後に亡くなったという。

 しかし彼の死後にカイユボット事件と呼ばれるようになった騒動がわき起こる。発見された彼の遺書に、彼が所蔵する印象派の作品をルーヴルに収めるようにと記されていたのである。しかし国は買い取りを拒否(まだサロンの影響が強かったのだろう)、それには反発する動きが市民の間にわき起こった。画壇の中央は未だにアカデミズム派に支配されていても、民衆は既に印象派の価値を感じていたのだろう。結局、彼の残した作品は国に買い取られ、それが今日のオルセー美術館の元になったとのこと。なおカイユボットの遺書は、彼が表題作を書いた頃に既に作成されていたらしく、彼は印象派の将来を懸念して、印象派が後世に生き残れるように策をめぐらしていたようである。

 要はカイユボットの工作がなければ、印象派達の作品は散逸してしまっていた可能性があったと言うこと。当時は印象派の価値が分からなかった連中も、今となっては「よくぞ」というところだろう。とかく時代と共に評価が変わるのが芸術品で、印象派のように後になって評価が鰻登りになるものもあるが、逆に後になると評価が大暴落する作品も多々ある(私の読みでは現代アート作品の大半はそうなる)。それが芸術の難しさ。

 それにしても海外旅行なんてしたいと思わない私だが(そもそもする金もないが)、オルセーやルーヴルにはやっぱり行ってみたいという気がする。国もつまらない天下り役人の退職金に税金を浪費する余裕があるのなら、文化調査のために私をフランスに派遣してくれ。その詳細はキチンとネットで報告するから(笑)。

 

1/12 パブロ・ピカソ作「ゲルニカ」

 20世紀最大の傑作と言われている「ゲルニカ」。しかしこの作品が発表された当時は、評判は散々だったという。また作者のピカソ自身がいろいろのいわくのある人物だけに、その意図についてはいろいろと推測されたとのこと。

 バルセロナで生まれたピカソは、幼少期から絵の才能を発揮したが、その才能故にかえって創作に悩んだという。そのピカソが用いたのが立体をあらゆる方向が見た状態で描くキュビズム。彼はこのキュビズムに感情を込めたという。

 実はピカソはスペイン共和国政府から反ファシズムの絵を描くよう迫られたが、政治の片棒を担ぐつもりのなかった彼は、のらくくらりといつまでも絵を描かなかったという。しかしゲルニカがフランコ政権を支援するナチによる無差別爆撃を受け、大虐殺が行われる。その報を聞いたピカソは一気にこの作品を仕上げたという。ただ描かれた作品は政治的な背景をなくしたより普遍性を帯びたものだった。そしてこの作品自体は、この後に発生する第二次大戦の予言のような作品になってしまったのだという。彼は自らの感覚でその後の無慈悲な大虐殺を予想したのかも知れない。

 確かにこの作品は、ゲルニカの一件だけでなく、普遍的な戦争の悲惨さを描いているのは明らかである(タイトルを「ゲルニカ」から「サラエボ」にしても「バグダット」にしてもすべて通じる)。無差別空爆というのは当時は常識破りのあり得ない戦闘形式だったのだろうが、今ではこれがごく普通の光景になってしまい、アメリカに至っては「民衆を圧政から解放する」といって無差別爆撃で民衆を虐殺するのだからたちが悪い。ピカソはただ単に戦争の悲惨さだけでなく、それを起こす人間の愚かさも描いているように私には思われるのであるが。番組ではピカソがキュビズムに感情を込めたと言っていたが、この作品だけはキュビズムの手法でないと描けなかったようにも思えるのである。と言うのは、描写的絵画の場合、あくまでそのシーンだけの話になってしまい、普遍性を帯びることは難しいので。そして感情がストレートに表れているだけに、当時の人々は強烈な「不快感」を感じたのだろうな。

 

12/22 ジュゼップ・マリア・ジュジョール作「トーラ・ダ・ラ・クレウ」

 ジュジョールはガウディの弟子の一人であり、ガウディが最も実力を認めていた弟子だという。彼はガウディの作品のいくつかの装飾を手がけている。

 建築家として独立したジュジョールはリフォームの仕事を多く手がけたという。しかし原色と有機的な曲線で構成された彼の斬新なデザインは理解されにくく、街の人間の反発を食らったこともあるという。

 そんな彼が建築を一から手がけたのが表題作だという。依頼主は彼の叔母で「好きにやりなさい」の一言を彼に与え、彼に別荘の建築を一切を託したのだという。非常に斬新なフォルムに優れた色彩感覚。もしこの建築物がもっと都会にあれば、彼の名前も最近まで埋もれてはいなかっただろうとされている。

 彼の師のガウディは未完成の教会サグラダ・ファミリアを残したが(彼自身もサグラダ・ファミリアの建築にガウディの死後関わったが、他の協力者達と意見が合わずに追われたとか)、ジュジョールもまた未完成の教会を残したという。それがモンセラット教会。ジュジョールとわずか2人の煉瓦職人の手で立てられ始めた教会だが、世界恐慌による資金難、スペインの内戦、さらに第二次世界大戦などで建設は中断、そのまま半世紀にわたって雨ざらしの廃墟となっていたという。しかし近年になってジュジョールの再評価の機運が盛り上がり、1988年に建築が再開され、1999年に完成されたという。

 建築のことなど全く分からない私だが、確かに彼の建築作品を見ていると、ガウディに共通する部分と彼独自の部分が両方見える。もっとも私的には、あの有機的な曲線はガウディよりもフンデルトバッサーを思い出したが。ジュジョールに限らず、どうも最近のスペインでは、埋もれていたかつての大芸術家を見直す機運が高まっているような気がするのだが、それはスペインの現在の状況と関係あるのだろうか。

 

12/15 「泰西王侯騎馬図屏風」

 会津藩松平家が隠し持っていて、現在は神戸市立博物館に所蔵されているのが表題作。作者も描かれた時期も不明で謎が多い絵である。金屏風でありながら、西洋画のような技法を使用した絵画である。

 実はこの絵を描いたのはキリスト教徒の絵師ではないかと考えられるという。長崎で画学舎という宗教画を描くための画家が養成されていたという話が残っており、それらの画家が、キリスト教徒の保護を求めるために会津に送った作品ではないかとの説を番組は採用している。なお狩野派の絵師が制作に関与しているという説もあるのだが、それを否定する説もあり、結局はハッキリしないとか。

 まあ驚く絵である。完全に西洋絵画の技法で描かれているのが一番の驚き。ちなみに幕末頃になると、こういう雰囲気の絵は非常に多くなってくる。幕末の絵師は独自に西洋絵画を学習し、必死でそれを真似ようとしていた。西洋絵画にあって日本画にないものが彼らを引きつけたか。

 この作品についてはその成立の過程が不明だが、こういう和洋折衷形式の作品は、その背景がどうであれ作品として面白いものが多いんだよな。

 

12/8 バルトルメ・エステバン・ムリーリョ作「蚤をとる少年」

 ムリーリョはベラスケス、スルバランに次ぐスペイン絵画黄金時代の最後を飾る画家である。表題作はその宗教画で名を上げたムリーリョが描いた風俗画である。孤独な少年が蚤をとっているといういかにも悲しげな姿を描いた絵画であるが、このような絵画を描いたのは彼の生い立ちが影響しているという。

 ムリーリョがセビリアに産まれたのは、まさにスペインが繁栄から没落に転じつつある時だという。それまでヨーロッパを制していた無敵艦隊が壊滅、セビリアも没落に向かいつつあった。彼は医者の息子に産まれ、幼年時代は何不自由なく育ったが、9歳の時に両親が相次いでこの世を去り、兄弟は散り散りになったのだという。その後、彼の記録には4年の空白があり、14歳の時に画家の知り合いに引き取られたという。そして彼がセビリアの人々の注目を浴びたのが28歳の時。彼が描く暖かさに満ちた宗教画はセビリアの人々に熱狂的に迎えられ、それまでセビリアで活躍していたスルバランがセビリアを去らざるを得なくなるほどに人気を博したと言う。

 そんな彼が描いていたのが表題作のような風俗画だという。当時のセビリアは社会的にも荒廃しつつあり、ペストの流行などで街には孤児があふれていた。孤独な少年時代を送った彼は、このような絵画を描かずにいられなかったのだという。しかしその彼自身がペストで子供と妻を失い、またも孤独な境遇になってしまう。

 それでも彼は優しさに満ちた宗教画を描き続けた。そして風俗画の方にも変化が現れる。光が差してくるようになるのだという。そうして彼の一連の子供を描いた作品が製作される。

 なお彼の風俗画については、故郷のセビリアには全く残っていないとのこと。それは当時のスペインでは、宗教画に対して風俗画は低く見られたので、海外に流出してしまったのだとか。

 ムリーリョの作品は私は三重県立美術館で初めて見たのだが、その独特の暖かみのある画風に一目で魅せられてしまい、それ以来、彼は私が注目している画家の一人となっている。それ以降も、「プラド美術館展」など何回か彼の作品を目にしているが、いずれもその卓越した技術と絵からにじみ出てくる暖かみに感動させられている。

 その彼の絵画独自の暖かみが、彼の生い立ちから影響を受けているものであるということは今回初めて知った。あれは孤独だった彼が、絵画に救いを求めていたのだろうか。ああ、またこの人の絵を見てみたいな・・・。

 

12/1 高村光太郎作「手」

 力強い手である。この作品はロダンに刺激され、ヨーロッパに渡ったことから芸術家を志向して模索していた高村光太郎が自身の手をモデルに制作したものだという。

 高村光太郎の父は彫刻界の重鎮だった高村光雲。しかし光太郎は父は単なる職人にしか見えなかったという。彼は芸術家を志向した。しかしなかなか認められず、生活は苦しかったという。

 そんな中で彼に創作意欲を与えたのが妻の智恵子の存在。しかしそんな彼に不幸が訪れる。智恵子が亡くなり、自身がアメリカで個展を開くことを考えて制作していた作品も、空襲によって失ってしまう。そしてすべてを失った彼は、岩手県の山小屋でもう彫刻を作ることもなく、世捨て人のような生活を送ったという。

 彼が「手」を作ったのは34才の時だった。そして彼が再び彫刻に挑んだのが70才の時、十和田湖が国立公園に指定された記念の碑を作ることを依頼されたのだという。彼は十和田湖の自然を見て「智恵子を作ろう」と考えたという。そして彼はその像の制作でもっとも手の表現に力を入れたとか。そこで作られた手は優しさを秘めたものだった。

 うーん、なんか最愛の妻を失って腑抜けになってしまった男のようにしか見えないのだが・・・。すべてを失って、芸術に対する情熱までも失っていたのだろうか。

 なお表題作は、東京国立近代美術館で開催中の「日本彫刻の近代」展にも出ており、ついこの間見てきたところである。異様に力強い手であったことが印象に残っている。ただ私個人としては、親父さんの「老猿」の方が作品としては興味深い。楽な方向へとドンドン流れていった近代彫刻より、やはり古来からの木彫りの技の方が侮れないなというのが、先の展覧会を見終わった感想だったんですよね・・・。

 

11/24 足利義政「銀閣寺」

 銀閣寺は義満が建造した金閣寺と良く比較されるため、銀箔を貼られる予定があったなどと根拠のない噂があったりするが、実際に絢爛豪華さとは対局の「わび・さび」を重視した建造物である。

 足利義政は政治的には全く無能であったことで知られている。既に当時は室町幕府の権威が傾いていた上に、そもそも芸術家肌で最初から政治に絶望感しか持っていなかった義政は、後継者に将軍職を譲って引退することしか考えていなかったという。

 その彼の無能さが後継者争いの泥沼を生み、応仁の乱が起こってしまう。そして彼は世の中を捨てて引きこもるようにして銀閣寺の建造に精を出したとか。

 と言うわけであるので、この銀閣寺が絢爛豪華と対局の情緒になるのは至って当然。言うまでもなく、銀箔を貼る予定なんてはなっからありません。もしそんな馬鹿な説を唱える輩がいたとしたら、銀閣寺を見たことがないのは明らか(もしくは芸術的感性が根本的に欠けているか)。

 ところで銀閣寺なんですが、現物を見てみると「わび・さび」よりも正直、朽ちかけているとしか見えません。テレビを通してだと結構綺麗に見えるんですが、実際にはほとんど廃屋としか見えません。このままで大丈夫なんだろうかと私なんかは心配してるんですが。ピカピカにしてしまったら話になりませんが、修復はそろそろ必要なのでは。

 

10/20 コレッジョ作「聖母被昇天」

 パルマの大聖堂のドーム天井に描かれているのがこの作品。実に大胆な作品であるが、これを描いた画家であるコレッジョはその正体には不明な点が多い画家だという。

 彼はルネサンスのイタリアを回り、ダ・ヴィンチやラファエロの技法をマスターし、自らのものにしたという。そしてバルマで彼は修道院の天井画の依頼を受ける。しかしその依頼は珍しいことに宗教画ではなくて、神話画であったという。そこで彼は宗教画の制約をはずれて生き生きとした神話の世界を描くことでさらに才能を開花させる。

 その彼の一世一代の大仕事が大聖堂の天井画だった。彼は天体観測の器具で天井の正確なサイズを測り、綿密な下絵を作成したという。彼の描いた天井画は、上に行くほど人物が小さくなっており、これは仰視遠近法と呼ばれる手法で、これを駆使することであたかも聖母達が頭上にいるかのような錯覚を招くようになっているのである。もっとも彼のこの斬新すぎる技法は、当時は理解されなかったという。しかし今や世界の至宝となっている。

 コレッジョのことを知ったのは「パルマ展」でですが、正直「彼は天才だ」と感じた。これだけの圧倒される画家はダ・ヴィンチ、ラファエロ、ミケランジェロ(彼は彫刻が本業だが)など数えるほどしかいない。ダ・ヴィンチの「受胎告知」なんて、現物を間近で見たら、さすがに私も絶句した。神々しいというか威圧されるというか。さすがにこれだけの感覚を受ける画家は数えるほどしかいない。で、彼もこういう感覚を受けた画家の一人。この時に、私の脳裏にコレッジョという名が刻み込まれたんだな。なおこの辺りの時代の画家で、私の脳裏に刻み込まれているもう一人の名前がムリーリョ。キリスト教に対する信心なんてかけらもない私でも、彼の絵には手を合わしたくなってしまう。

 なおこの「圧倒される」という感覚は、印象派などの近代の画家からは受けないんだよな・・・。例えばモネとかルノワールとかは「いい絵だな」とか「すごいな」とかは思うが、圧倒されるという感覚はない。これは別にどっちが勝っているとか、劣っているとかいう話ではないんだが。

 

10/13 鈴木春信作「雨夜の宮詣で」

 鈴木春信は浮世絵の創始者の一人と言われている絵師。独特の繊細な美人画で知られている。また春信がその友人の平賀源内と共に始めたのが浮世絵の多色刷り、いわゆる錦絵とのこと。多色の版を重ねる時にずれないように、「見当」と呼ばれる目印を付けたのが大発明とのこと。今でも言う「見当違い」などの言葉はこの見当に由来すると言う。で、表題作はその春信の代表作。

 実はこの絵は見立て絵と言って、隠された意味があるのだという。見立て絵とはよく知られている故事にかけた絵で、その意味を読み解くのが当時の知的階級にとって「粋」だったのだとか。

 表題作の場合、紀貫之の伝説にまつわる故事だとのことだが、こんなもの現代人はほとんど知らないだろう(私にも全く分からない)。またこの絵にあるもう一つの見立てがこの絵のモデルだとか。この絵のモデルは水茶屋鍵屋のおせんという看板娘なのだとか。で、春信はこのおせんをモデルにいくつも浮世絵を描き。おせんはいちやく江戸のグラビアアイドルになるのだとか。

 しかしおせんが突然に消える。実は彼女は見初められて結婚したらしい。で、春信もその頃にこの世を去ってしまう。こうして浮世絵の中心となった二人が忽然と消えてしまったのだが、その精神は後にも引き継がれていくことになるとのこと。

 で、春信の浮世絵での一番の才能は色彩感覚だったらしい。そこから彼は多色刷りという方向に向かい。それが後の浮世絵文化の開花につながっていくのだから、彼の貢献は大きかったと言うべきだろう。もっとも彼自身はそんなことになるとは思っても見なかったのではと感じるのだが。

 

10/6 ミケランジェロ作「ピエタ」

 表題作はミケランジェロが23才の時に制作した作品である。十字架からおろされたイエスの亡骸を抱く悲しみの聖母の像。「神の如し」とも言われた天才芸術家の手で表現されたその姿は、ぞっとするまでにリアルで生々しい。硬い大理石とは思えないその表現のすごさ。

 ルネサンスの天才芸術家であるミケランジェロが、その生涯にわたって制作し続けた題材の一つがピエタだという。彼は自信の彫刻のことを、「真の芸術作品は大理石の中にひっそりとひそんでいる。芸術家は何のわだかまりも持たず、ただ叡智に導かれて鑿を振るい、大理石の中からその作品を取り出すだけなのだ」と述べている。彼は生涯にわたって限られた時間の中で彫刻を追究し続けた芸術家であり、晩年になるほど未完成の作品が増えていったという。そこには完成させることに対する恐怖に近い感情もあったのではないかとしている。

 ミケランジェロの作品は、実際に目にすると息をのみます。天才という言葉は彼のためにあるのではなかろうかというのが私の正直な印象。「神のごとき」と言われたことも納得します。表現のリアリティという点ではロダンなんかもすごいんですが、正直言うと次元が違うんですよね。

 

9/29 耳鳥斎作「別世界巻」

 今回の表題作は難波の奇才・耳鳥斎が地獄の光景を描いた巻物。しかしこれがなんとも奇妙。地獄図と言えばいかにも空恐ろしい絵を連想するのだが、どことなくユーモラスで何となく風刺の空気を感じる。さてこの耳鳥斎なんだが、江戸時代には結構人気を博した画家だと言うが、その後に忘れられてしまって、今となってはその詳細は不明な点が多いという。

 とりあえず残っている情報としては、商家に生まれて、いろいろと遊びを極めた人間だったようである。なお風刺の精神に満ちた絵画を残している一方で、虚無を好んだ人物だとか。

 私は以前から、極楽図よりも地獄図の方が書き手のイマジネーションを刺激するのか、秀品が多いと感じているのだが、本作なんかもまさにその通り。実に自由な発想による地獄を描いている。ただ、耳鳥斎がそこに込めているメッセージは今ひとつ読み取りにくい。

 

9/22 香月泰男作「おもちゃ」

 香月泰男はシベリア抑留の記憶に基づいた重苦しいシベリアシリーズで知られる画家であるが、今回登場するのはそんな彼ががらくたから作ったおもちゃ。彼の故郷の三隅町にある香月泰男美術館に収蔵されているという。

 これらは彼が冬の間のひまつぶしと称して製造したものだという。シベリア抑留によって画家としての転機を迎えることになった香月だが、帰国後にはシベリアを表現できないことで悩んでいたという。シベリアでの過酷な体験が、彼の精神に大きな傷を残していたのだろう。そんな中、彼はこのようなおもちゃを作りながら回復していったのだという。そして今も彼の代表作と言われている一連のシベリアシリーズを製作する。

 創作家にはありがちなことだが、自身の体験を作品にぶつける場合、あまりに生々しくその体験に囚われているとかえって製作ができないものである。どうしてもそこにはある種の相対化が必要である。香月にとってはこのようなおもちゃを作ることがその過程になったのだろう。

 それにしてもあのシベリアシリーズの重々しさと対照的な軽妙さ。香月という人物の複雑さをもかいま見せる作品ではある。

 

9/15 オーギュスト・ロダン作「接吻」

 表題作はロダン美術館に収蔵されている。抱き合って接吻する男女の像。しかしこの作品はロダンの作品としてはあまりに異色なのだという。

 ロダンの作品の最大の特徴は、モデルを理想化せずにありのまま表現するというもの。この姿勢は当時の世の中に衝撃を与え、彼の像のあまりの迫力に、実際の人間から型どりをしているという疑惑まで飛び出したという。そのような彼の作品としては、表題作はあまりに美しすぎるのだという。

 それはこの像を作った時のロダンの状況が反映している。ロダンが43歳の時に新しい弟子としてやって来た女性が19歳のカミーユ・クローデルだった。ロダンは彼女と恋に落ちる。しかし彼には内縁の妻がいた。つまり二人は不倫の恋に落ちたわけである。そして二人はロダンの妻から逃れるようにこっそりと新たなアトリエを構え、共同製作を始める。

 表題作もカミーユとの共同製作だった。だから随所に彼女の手が加わっていると考えられるという。しかしそのことがロダンに芸術家としての危機感を感じさせた。自分の芸術が変化してしまうという恐怖だった。結局ロダンは彼女の元を去って妻の元に戻り、取り残されたカミーユは後に精神を病んで亡くなってしまったという。

 表題作は私もロダン展で見たことがあるが、確かにロダンとしては異質なほどに「美しい」んですよね。そういう点ではカミーユの手が入っていることも考えられるんだが、同時にロダン自身の精神状態も反映しているんだろう。それまでは社会に反逆するかのような芸術だったロダンが、若い女性と恋に落ちることでかつての攻撃性が陰を潜めてしまったんだろう。所詮は芸術作品なんて、作家の心理状態の反映だから。実際、不遇の時代には良い作品を書いていた小説家が、成功して名をなした途端に良い作品が描けなくなって行き詰まるなんてこともある。これなんかも実は不遇な状態が彼の創作の糧になっていたという事例。芸術家というのは、牙をもがれてしまったら成り立たない因果な商売ってことか。

 

9/8 川合玉堂「早乙女」

 田植えをする女性という日本の原風景とも言える風景を描いた画である。これを描いた川合玉堂は、四条派に入門してめきめきと頭角を現した後、橋本雅邦の絵に衝撃を受けて弟子入りのために上京、その頃の東京は横山大観、菱田春草などが新しい日本画を模索していた時期で、輪郭線を廃した朦朧体と呼ばれる画風を模索していた時期だという。玉堂も輪郭線を廃することはしなかったが、空気の表現を模索して同時の画風を確立したという。

 スケッチを重視した玉堂だが、それをそのまま写したのではなく、日本の光景として再構成しているという。また彼の作品には美しい言葉でタイトルがついているが、彼は日本の光景を残そうとしていたのである。

 表題作は実は戦争が迫り来る時代に描かれたものだという。彼は高い視点から、日本を描き続けてきた画家であるとのこと。

 日本人なら、玉堂の絵には深い共感を持つだろう。実際、私にも好きな画家の一人である。ただ私は彼の絵からは自然な描写だけでなく、ある種の嘘くささも感じていたのだが、それはスケッチを再構成していたというところと関わりがあるのか。どうもこの番組を見た印象では、私が思っていたよりも彼は自分が描きたいものがハッキリしていた画家のようである。

 ちなみに現在、山種美術館で川合玉堂展が開催されており、今回の放送はそれとの連携企画の模様。この手の連携企画の多いのがこの番組だが(そのこと自体は別に悪いことではない)、山種美術館は非常に頻度が高いような気がする(以前にも村上華岳の「裸婦図」が登場しているし)。山種美術館って、スポンサーと何か関係があったっけ?

 川合玉堂が好きな私としては、見に行きたいところであるのだが、残念ながらこの会期には東京に行く用事はないし、これだけのために東京に行く金もない。残念ながら今回は見送り。まあ山種美術館は東京に行くたびに必ずと言って良いほど立ち寄っているし。

 

9/1 ジョルジュ・スーラ作「ポール・アン・ベッサン満潮時の外港」

 スーラといえば点描の作品で有名な画家である。表題作もそのような技法で描かれた作品で、オルセー美術館に収蔵されている。

 彼は極めて地味な画家だったというが、その彼がモネの絵画に魅了され、光の表現を追究するようになる。彼は科学的に光の特性を研究し、その結果行き着いたのが点描法だった。絵の具は混ぜると色が黒ずむが、それを避けるためにとったのが点描法だった。

 しかし皮肉なことであるが、彼の作品をモネは認めなかった。モネは「あれは芸術ではない」と否定したのだという。強烈にあこがれていたモネに否定されたことはスーラにとってショックだったはずだが、寡黙な彼は反論することもなく、黙々として描き揚げたのが表題作だという。この地はモネもよく描いている地であり、この作品にはモネに対しての認めて欲しいというメッセージが込められていたという。

 しかし皮肉なことにモネは最後まで彼を認めることはなった。そしてスーラは31歳にしてインフルエンザでこの世を去ってしまう。表題作になんとなく寂しげな空気が漂っているのは、彼の精神を反映しているのだという。

 うーん、難しいな。まあスーラの点描法はあまりに独特なので、モネが否定したのは分からないでもない。なんだかんだ言っても、モネは元々は従来技法の延長線上で印象派絵画に突き当たった人間だから、スーラのあまりに革新的すぎる技法は、異端と感じたのだろう。なお先駆者が自分の功績の延長線上から派生した追随者を認められないということは結構あって、かのアインシュタインは自身の相対性理論から派生した量子力学を終生認めることはなかったとか。後の世から見れば偉大な革新者であっても、当の本人はそれほど革新的だとは思っておらず、むしろ従来法の延長線のように感じていたりするなんてことも、実際にはあるようで。

 

8/25 円空作「洞戸三尊像」

 全国を放浪して、多数の仏像を刻んできた円空が、最晩年に訪れたのが洞戸だという。ここの円空記念館に収められているのが表題作の「洞戸三尊像」である。

 これらの像は一本の丸太から削り出されているという。番組では円空はこの像に幼くしてなくした母の像と、自分自身の像を重ねているのではとしている。彼は最後に母と観音と一体化したかったのではとのことである。

 なお円空はその後、穀断ちなどをして即身仏になったとか(早い話が餓死してミイラになるということなのだが)。結局は最後の最後まで、人々のために信仰し、自然と一体化していた人物だったようである。

 うーん、難しい。やっぱり私のように世俗にまみれすぎている俗物にはよく分からん。

 

8/11 川上澄生「初夏の風」

 川上澄生は英語教師として高校で教鞭を執る傍ら、木版画を制作していた人物だという。表題作には彼の青春のほろ苦い想いがこもっているとか。

 彼はかつて学生の頃、初恋で失恋(初恋って大抵失恋するものと決まっているが)、その後に最愛の母を亡くして心の傷を癒すかのように海外に渡っていくつかの職を転々としたという。そして帰国後に版画の制作を始めたが、当然ながらそれで食えるわけもなく、恩師のつてで教師の職に就いたのだという。表題作に理想の女性として描いているのは、まさに彼の初恋の女性だとか。なおこの作品はボッティチェリのヴィーナスの誕生の影響を受けており、彼の個人的な初恋の苦い思い出が、普遍的な芸術の域に高められたものだという。

 ちなみにこの作品に強烈なインパクトを受けて影響されたのが、あの棟方志功だとか。彼はこの作品に出会ったことで版画の道へと進んだとのこと。

 うーん、表題作を見た時に、何かすがすがしくもほろ苦い感覚があると思ったのだが、初恋の痛みが潜んでいるのならそれもさりなん。大体、初恋のことを思えばほろ苦くなるのは、ほとんどの者にとって万国共通のようですから(当然ながら、私にも無縁ではありません)。それにしても、失恋の苦しさや、片思いの切なさだけでなく、両想いの楽しさというのも体験してみたいと思う私ですが、どうもその機会には恵まれません。こりゃ、一生そのチャンスはなしか・・・ってこんなところで愚痴ってどうなる。

 

8/4 木田金次郎作「夏の岩内港」

 木田金次郎は岩内で独学で絵を描き続けた画家である。現在、彼の作品は現地の美術館で見ることが出来るという。

 彼は岩内の網元の家で生まれた。当時は岩内はニシン漁で湧いており、彼も裕福な少年時代を送ることが出来たという。15歳で東京の開成中学に入学した彼は、この頃から画家の夢を抱くようになる。しかしそんな彼の生活は暗転する。パッタリとニシンが不漁になってしまい、彼は家族の生活を支えるために故郷に帰って漁師になることを余儀なくされるのである。

 挫折感の中で彼にとっての運命的な出会いがある。札幌に渡った彼はたまたま有島武郎の家を見つけるのである。有島の絵を見て感銘を受けていた彼は、即座に彼にスケッチを見てもらいたいと差し出したという。彼の表現に個性的なものを感じた有島は「大変良いじゃありませんか」と彼に言い、そこから二人の交流が始まったという。しかし故郷に帰った彼は生活に追われて絵を描いている間がなくなる。いっそのことすべてを棄てて東京で画家になろうかと悩む彼に、有島は「故郷に独自の世界を突き詰めろ」というアドバイスを与える。しかしやがて有島が女性記者と心中、唯一の師を失って失意に沈む中で、彼は本格的に画家を目指す。

 そんな中、1957年にやっと彼の作品が認められ、初めて札幌で個展が開かれる。それが話題になって東京での古典も計画されるが、ここでまたも運命が彼に過酷な試練を課す。洞爺丸を沈没させた台風15号の襲来で、岩内の町の8割が焼き尽くされる岩内の大火が発生し、彼も40年間描きためた1500点の作品が灰になってしまう。翌年に東京での個展を控えていた時だった。

 しかし彼はここから立ち上がる「今までの仕事は手習いの途中、これからが本当の仕事」と語る彼は、ここから再び新たな描きはじめる。そんなときに生まれたのが表題作だという。力強くすべての感覚を伝えるかのような荒々しい作品である。過去を失ったことで彼は新たな世界へと旅立ったのだという(この時既に60歳だという)。

 夏休み向けの地方美術館シリーズ。はっきり言って知名度の低い画家であるが、この不屈の精神には感服した。60歳にして、それまでの経験を一からリセットしてやり直すというのは並大抵でない。逆境の中でのこの精神のたくましさは誰でもが真似できるものではない。彼を見てると、今の自称芸術家連中なんて、安易な輩が多いよな・・・。プータローが世間体のために名乗る一応の肩書きの中で一番簡単なのがライターかアーティストだから(名乗るのに何の資格もいらないから)。実際、金持ちの馬鹿ボンのどうしようもない奴は大抵これを名乗る。某知事の息子のように。

 

7/28 池田満寿夫作「女」「女・動物たち」「女の肖像」

 長野に池田満寿夫の美術館があるが、そこに収蔵されているのが表題作。これは池田満寿夫が一夜にして有名になった出世作だという。

 彼の絵画はエロチシズムが漂っているとのことで、その奔放な線がポイントだという。彼は元々は油絵を描いていたが、瑛久に版画を勧められて、油絵を棄てるかどうか迷ったあげくにできあがったのがこの作品だとか。結果として、版画を選んだことで彼の線が生きることになった。

 なお彼の作品は「便所の落書き」とたとえられることがあるが、それは池田に言わせると、元々彼自身が便所の落書きを目指していたのだからほめ言葉になるのだとか。

 さてこの美術館、実は私は長野遠征の時に訪問しております。ただ私ははっきり言って、便所の落書きには興味がありません。残念ながら彼の作品には一片のおもしろさも感じなかった。どうも相性が悪いようである。

 

7/21 ジョン・シンガー・サージェント「マダムX」

 表題作はアメリカのメトロポリタン美術館に所蔵されており、最も美しい肖像画と言われているという。作者のサージェントはイタリアで生まれたアメリカ人で、親の方針でヨーロッパで教養を積んだ画家である。だから実は彼はアメリカ人にもかかわらず、祖国にほとんど帰ったことがないのだという。

 教養面ではヨーロッパ人とひけをとらない彼はコスモポリタンであった。しかしパリにおける彼はそもそもは異邦人である。その彼が成功したのは、ヨーロッパの伝統の手法から、印象派などの最新手法まで巧みに取り入れる器用さと、巧みな計算があったのだという。

 肖像画家として成功した彼だが、肖像画家というのはあくまで依頼に基づいて絵を描くものである。そんな彼が初めて自らの意志で描いたのが表題作だという。モデルはアメリカ人女性のピエール・ゴートロー婦人。パリ社交界一の美貌の持ち主だったという。共にパリでの地位を築きたいという野心を持つ物同士の共感のようなものがあったのだという。

 しかしこの絵がサロンで酷評を受ける。そこには挑戦的で自信に満ちたアメリカ人に対する反発があったという。当初のこの絵ではドレスの肩ひもの一方が落ちている今よりも挑発的なものであり、「品がない」と批判されたのだという。現在のこの絵は、パリでの仕事をなくすことを恐れた彼が修正したものだという。

 その後、彼は逃げるようにパリを後にし、ロンドンで成功をおさめた。しかし彼は51歳で肖像画をやめて、再び旅に出たという。彼はこの絵を手元に残し続け、ゴートロー婦人がひっそりとこの世を去った翌年に、メトロポリタンに売却し、その時に指定したタイトルが「マダムX」だったのだとか。彼はこの作品を「最高傑作」と呼んでいたそうだが、そこにこめられ意図は明らかではない。

 サージェントの名前が引っかかると思っていたら、番組中に登場した「エドワード・ダーリー・ボイトの娘たち」を名古屋ボストン美術館でつい最近に見ていました。あの作品を見た時に、「アメリカ人の作品にしてはヨーロッパ的に垢抜けしているな」と感じたのですが、こういう背景があったというのは妙に納得できた。ただアメリカ人のアイデンティティと言われても、そもそも移民の国の国民にそんなものあるのか?

 

7/14 土屋輝雄作「鶏舎」

 先週は岡山県立美術館、先々週は兵庫県立美術館と私のなじみの美術館がよく登場しているが、今回は岐阜県美術館とこれまた私のなじみの美術館の登場である。表題作は質素な鶏舎を描いただけの作品だが、精緻な画風に生命観があふれている感がある。

 土屋輝雄は生涯を無名のまま終えた市井の画家だという。彼は子供の時に雪道で転倒し、その時に股関節を痛めてから20年近く起きあがることもままならぬ日々を送ることになったのだという。不自由な生活の中で彼の慰めになったのが絵で、庭に咲く花などを観察して精緻な絵を描きあげたのだという。

 身近なものばかり描いていた彼が野外で絵をかけるようになったのは30歳を過ぎてからだという。片足で運転できるように改造された自転車で野外にスケッチに出かけていた彼には、外の世界の風景はすべてが刺激に満ちたものだったのだという。彼は絵画教室で地元の子供たちに絵の指導も行っていたとのことで、この地域では彼は有名人だったとか。長い闘病生活があったからこそ、難の変哲もない日常生活に卓越した洞察力を持つことになったのだという。彼は52歳でなくなるまで、地元を離れることはなかったという。

 無名の画家だというが、その作品はかなり優れているのは間違いない。また私の好きな画風でもある。ただ恥ずかしながら、私はこの画家については全く知らなかった。岐阜県美術館については近日中に訪問する予定なので、その時に注意しておこう。

 

7/7 国吉康雄作「誰かが私のポスターを破った」

 国吉康雄は海外で初めて成功した日本人画家かもしれないという。彼はアメリカで成功し、番組に登場した研究者もアメリカではトップ3に入る画家だと証言している。

 1889年に岡山で生まれた国吉は、10代半ばでアメリカ行きを決心するが、その時点では画家になる気はなかったという。彼はロサンゼルスで公立学校に通ったが、そこで言葉の壁に直面し、何とかして意志を伝えようとして絵を描いたのが、そのうまさに教師が注目し、それが絵画の道に進むきっかけになったという。20代でニューヨークに渡ってそこから本格的に絵の勉強を開始し、そのころにフォークアートの影響を受けたという。そしてやがて彼の作品は画壇での注目を浴びることになったのだとか。

 しかし日本人の移民には市民権は与えられておらず、アメリカの美術界で確固たる地位を築いていったにもかかわらず、日米の開戦が彼にも陰を落とすようになってくる。西海岸と違って収容所に入れられるようなことはなかったが、敵性外国人として行動が制約されるようになったという。そんな苦悩の中で生み出されたのが表題作だという。この作品に漂っている重苦しさは、時代が影響しているのだとのこと。

 戦後も彼には割り切れない想いが残ったとのこと。そんな中、彼の作風は晩年に大きな変貌を遂げる。彼は絵画学校で多くの生徒を教えたというが、その時の生徒もまだ残っているらしい。なお彼は結局は最後までアメリカの市民権を得ることはなかったという。死の床で弁護士が市民権取得のための書類をそろえてきた時にはもうすでにサインする力もなかったのだとか。

 アメリカで成功し、それが故に自身が日本人であることとの狭間の葛藤があった人物のようである。ただ彼については、アメリカでは評価が高いという割には、日本ではあまり評価されていない。なおやはり岡山県立美術館が登場したが、彼の作品はあそこに多く所蔵されている。ただ、正直なところ私の趣味には合わないのだが。

 

6/30 金山平三作「大石田の最上川」

 金山平三は神戸に生まれた洋画家で、日本の風景を描き続けた。その彼が山形県大石田町で描いたのが表題作である。

 彼の人生は妻のらくとの二人三脚だったという。妻のらくは数学の研究も行っていた才女だったとのことだが、作品制作に関しては非常に気むずかしい面もあった平三の良き支えとなっていたという。

 平三は絵については現代での評価ではなく、百年後、二百年後に本物だと認めてもらうことを意識していたとか。だから画材なども色の劣化が起こらないようにということを非常に気にしていたという。

 彼らは戦争で山形に疎開し、そこで彼は田舎の風景を描き続けたとのことで、大石田には今でも彼らが住んだ家などが残っているという。また踊りが好きだった彼は、地元の子供たちに踊りの指導までしたとか。さらに彼ら夫婦の結びつきの強さを感じさせるものとして、多くの手紙が残っているとか。

 今回は以前からこの番組に何度も登場している、あの放浪癖の櫻子さんの旦那が山形を突然訪れるという展開にしていた。夫婦ネタだからということだろう。で、兵庫県立美術館だとやはり旅情が出ないせいか、旦那が行ったのは大石田の方。ただし兵庫県立美術館も無視するわけにはいかないので、こちらは櫻子さんが訪問というパターンになっています。

 さて金山平三ですが、やはり神戸生まれの私としては、小磯良平と並んで名前を聞いている画家です(兵庫県立美術館には小磯良平の展示室と金山平三の展示室がある)。ただ作品保護のために展示室の明かりが低めなので、彼がこだわったという色彩があまり明瞭に感じられないのが、この展示室に行ったときに感じた難点です。

 次回は国吉康雄とのこと。となると、今度は岡山県立美術館か。

 

6/23 マルク・シャガール作「彼女をめぐって」

 愛の画家とも言われるシャガールだが、彼の絵のモチーフとして重要な要素を占めているのが、彼の妻であったベラ・ローゼンフェルトである。

 表題作は第二次大戦によるユダヤ人迫害を避けてニューヨークに逃れた後に描いた作品であるが、最愛の妻を病気で失った直後に描かれたものである。ショックによって9ヶ月もの間絵筆を握れなくなっていたシャガールが、ようやく描き始めた時に描いたのが表題作だという。この作品は以前に描いたサーカスの絵を二つに切って、新たに構成し直したものだという。なかなか筆が進まなかったシャガールを助けたのが、家政婦としてやって来たヴァージニア・ハガードだった。彼女によって心を癒されたことでシャガールはようやくこの作品を仕上げた。

 この作品に描かれている女性はベラ。球の中に描かれているのは失われた故郷であるヴィテブスク。頭がひっくり返っている男はシャガール自身で、頭がひっくり返るのはロシアのユダヤ独特の言い回しで「気が変になる」という意味だという。失われた者を悼む沈痛な色彩の中で巧妙としてのローソクを掲げているのはヴァージニアへの想いだという。

 二人はやがてパリに帰ったが、結局2人は7年後には破局を迎える。シャガールより28才年下のヴァージニアにとっては巨匠を支え続けるのは重すぎたのだとのこと。ちなみに別れた後の二人は、互いに新たな相手を見つけている。

 シャガールとヴァージニアの関係は、互いに心に傷のある同士が惹かれあったという関係であるから、生活が落ち着いてくるとすきま風が吹き始めるのはなんとなく分かるような気がする。

 なおベラを失った直後のシャガールが精神的にかなりまいっていたのは作品に露骨に現れており、表題作も沈鬱な青っぽいトーンになっているが、これがバラ色に転じるのには結構時間を要している。幻想的な作品の多いシャガールだけに、精神状態が如実に作品に反映する画家だったようである。

 ちなみに現在千葉市立美術館でシャガール展が開催されており、今回の内容はそれとの連携企画でもある。なお本展は私は三重県立美術館で見ているのであるが、シャガールの作品を時代を追って鑑賞することが出来る貴重な展覧会であるので、一度出かけることをお勧めする。

 

6/16 高村光雲「老猿」

 高村光雲は江戸仏師の技を引き継ぐ頑固職人だったという。世の中が粘土彫刻などに向かう中でも、頑な木彫りにこだわり、木彫り彫刻を続けた人物である。

 しかし明治になって彼の仕事の場がなくなったことがあるという。それが廃仏毀釈の時代。多くの仏像が焼き捨てられる中で仏師たちは仕事を失った。その時に彼はブロンズ像の原型彫りでしのいだのだという。その時に西洋の彫刻を知り、そのようなリアリティのある彫刻をしたいと考えたとのこと。しかし人物を彫るとどうしても仏師のクセが出てしまうので、動物を主に彫ったのだとのこと。

 やがて彼は大型ブロンズ像の原型などを手がけるようになるが、その彼に来た一世一代の大仕事が、シカゴ万博への出品以来だった。この依頼に対して、彼は彫刻には固すぎると思われる栃を使用して、表題作を彫り上げた。この像は当時かなり話題になったとのことだが、その原因は光雲の技もさることながら、老猿が握りしめている鷲の羽にあったという。鷲はロシア王家の紋章であり、光雲の老猿はロシアの展示室に向かい合う形で睨み付けていたからだという。

 光雲の技もさることながら、その気概を見せつける作品である。なお木彫り彫刻固有の魅力の一つは木目にあるが、さすがに光雲は木目の使い方も抜群である。表題作には見る人を飲み込むような迫力がある。

 私は元々は彫刻はあまり守備範囲ではなかったのだが、平櫛田中の木彫りなどを見てから考えが変わってきた。そう言うわけで高村光雲の作品なんかも興味が湧いてるんですよね・・・。

 

6/9 アルフレッド・ウォリス作「青い船」

 下手くそな絵である。構図のバランスはおかしいし、遠近感も滅茶苦茶、しかもキャンバスではなくて段ボールや木ぎれなどあり合わせの材料に描いてある。

 この絵を描いたウォリスは、元々は遠洋漁業などに携わっていた漁師であった。その彼が70をすぎた時に全くの自己流で絵を描き始めたのだという。

 彼が絵を描き始めた動機は、妻を失ったこと。20才年上の最愛の妻を老衰で失った彼は、精神を病んでしまう中で唯一正気を取り戻したのが海を見る時、そして目についた船用の塗料で絵を描き始めたのだとのこと。

 彼の描く船の風景は、当時は既に蒸気船の時代になっていたにもかかわらず帆船の風景が多い。つまりは実際の風景を写生しているのではなく、心の中の記憶にある風景を描いているのだという。それは彼にとっては妻との思い出を蘇らせる行為だったという。

 うーん、かなり即興的に描いているのは絵のタッチで分かるのだが、残念ながら私には子供の絵みたいにしか見えません。正直なところ、あまり面白いとは思わないんだよな・・・。

 

5/26 谷文晁作「富士山図屏風」

 今日の表題作は富士にまつわる作品を多く収めている静岡県立美術館に収蔵されている逸品である。実にダイナミックに力強く富士を描いた大作である。

 これを描いた谷文晁は、江戸後期の寛政時代に活躍した武家出身の画家で、10才の頃から狩野派に学んだだけでなく、中国の絵画や西洋の絵画からも学んだことから変化自在の画風を駆使した人物であったという。

 彼は江戸一の絵師に登りつめたが、その背後に存在していたのが松平定信だという。自身も画才をもっていた定信は、家臣として文晁を取り立てたという。文晁は定信に従って集古十種を作成した。これは文化財の目録と言えるもので、これのために文晁は全国を回って古美術の記録や模写に励んだ。この過程で文晁は腕を上げていったのだという。

 さらに文晁が富士を描かせたら日本一と言われることになったのにも、定信の計らいがあるという。定信は大晦日が迫った頃、文晁に命じて数百の白扇に富士の絵を描かせ、元日にばらまいたのだそうな。これで文晁の名は世界的にまで轟いたとか。

 ただ文晁自身は、定信のおかげで恵まれた境遇にいたにも関わらず、画家としての自由のなさを感じていたのだという。定信が亡くなって、自由になった晩年に描いたのが表題作であるという。かつての精緻な画風を捨てた境地には、筆の衰えがあるなどという評もある一方で、彼が本当に描きたかった世界なのではないかとの評もある。

 今日の表題作、なんか引っかかるなと感じていたのですが、私はもしかしたら実際に目にしているかもしれません。以前に静岡県立美術館と滋賀県立近代美術館で交換展(互いの所蔵品を交換して展示する展覧会)が行われたのですが、その時に滋賀に来ていた可能性があります。何にせよ、非常に大胆な作品です。

 富士というのは、誰でも初めて目にした時にはその規模に圧倒されますが(正直なところ、私はあの山は怖くて仕方ないのですが)、それだけに霊峰などと言われたりして画題としては心を揺さぶられるものなのでしょう。そう言えば、曾我蕭白の作品にも「そりゃないだろう」という個性的な富士山の絵があったな・・・。

 

5/19 ウィリアム・ターナー作「ノラム城 日の出」

 イギリスを代表する風景画家と言われたターナーが晩年に残したのがこの作品。淡い色彩で日の出の風景を描いた作品である。若きモネがこの絵を見て衝撃を受け、そして描いたのが「印象 日の出」だという。

 これを描いたターナーは貧困な家庭の出身だった。その彼が持つ非凡な才能が画才だった。彼は特待生として絵を学び、風景画で人気を博していった。彼にとっては絵を描くことはのし上がるための手段だったという。彼のドラマチックで写実的な作品はアカデミーでも評価された。

 しかしやがて彼は方向を転じていく。ヴェネチアを訪れた時に、その地の町を覆う霧と、それが晴れた後のふりそそぐ太陽を見て、光や空気感を表現したいとの衝動に駆られたのだという。そしてあらゆる試行錯誤を経た結果行き着いたのが、表題作のような淡い色彩の絵画。明らかに後のモネらの印象派の境地に通じる絵画である。

 だか彼の時代はまだ早すぎた。印象派の存在自体もない時代、写実的絵画ばかりに慣れている人々には彼の絵は受け入れられず、彼はもうろくしたとしてその名声も地に墜ちる。しかし彼は自分の信念に基づいた絵画を描き続け、最後には自身の正体をも偽った状態で作品だけを残してこの世を去ったのだという。

 生活の手段として芸術を行っていた者が、自身の真の芸術衝動に駆られ、その挙げ句にそれを貫いて社会から遊離してしまったという典型パターン。この手の話はどのジャンルにもよくあり、例えば流行小説ばかり書いて脚光を浴びていた作家が、自身が本当に表現したいものにこだわりだした結果、芸術的価値は高いが大衆に受けない作品を作ってしまうなんてこともよくある。芸術家に限らず評論家などでも、御用評論家が権力に媚びるのをやめて、真に自分の信念を打ち出したら、仕事が無くなってしまうなんてことも。

 

5/12 安井曾太郎「婦人像」

 安井曾太郎は若い頃に「デッサンの神様」とも言われたぐらい、抜群のデッサン力を誇った画家であるという。その曾太郎の画風が一変したのがパリ留学してからだという。彼はそこでセザンヌの絵画に出会って衝撃を受け、主観的リアリズムを追究するようになったのだという。彼の作品は大胆にデフォルメされているが、これは彼自身の「写実」だったのだという。彼の言葉として「生き生きとした自然のものを画面に表すには・・・必要なだけの変形や強調や省略が入用だと思います」というものがあるらしい。

 しかしその彼がパリ留学から帰国すると共に深刻なスランプに陥ったという。西洋の乾燥した風土だと油絵の鮮やかな色彩がマッチするが、湿潤な日本の気候だと油絵の色彩がマッチする画題がなかったのだという。その結果、彼は15年もの間スランプに陥ったという。そんな彼が打開策を見いだしたのが本作だとか。彼は原色を使わず、白を混ぜた中間色を使用することで、日本的な色彩の再現に成功し、醤油味の油絵ともに言われる世界に行き着いたとか。

 うーん、どうもセザンヌの絵画に衝撃を受けて画風が一変した画家は多いのだが、私の目にはセザンヌの絵ってどうしてもそんなにすごいと思えないんですよね。だから私の目から見れば、セザンヌの影響を受けた画家って、その後は大抵画風が劣化しているようにしか見えない次第。

 なお日本の風土に油絵で描けるものはないというのは確かにその通りで、佐伯祐三なんかもそれに悩んだ挙げ句に、結局はパリに舞い戻ってそこで亡くなってるんですよね。実際に私もつい先日に大原美術館で児島虎次郎が奈良公園を描いている絵を見たんですが、彼が油絵で描いている奈良公園の風景は、どう見ても日本の風景ではなく、ヨーロッパの庭園の風景にしか見えないんですよね(当時の虎次郎は印象派の影響を強烈に受けていた時期)。やはり日本の曖昧な風土には、日本画の方が合うんですかね。確かにあの東山魁夷が表現しているような山の霧や靄は、油絵では見られない表現です。最も彼の場合は、北欧の風景のはずが日本の東北か北海道に見えてしまうわけですが(笑)。

 

4/28 村上華岳作「裸婦図」

 何とも神々しい印象を受ける作品である。表題作は山種美術館に収蔵されている。描いた村上華岳は近代日本画に大きな影響を与えた人物であるが、本作を境に画風も一変し、その後は隠遁と言ってもよい生活に入ったのだという。

 華岳が暮らしていたのは神戸の花隈。当時の花隈は花街だったのだが、華岳はそういった世界とは全く関わりを持たない人物で「花隈尊者」などと言われていたとか。絵を描くにも精進のように臨んでいた彼だが、この作品の後はひたすら精神世界に入っていっており、菩薩図と牡丹図がほとんどになる。彼にとって描くことは祈ることだったとか。

 表題作は彼が理想の女性美のようなものを描いたものなのだが、そこにはやはり妖艶などという言葉はなく、どうにも神々しいのである。番組では描かれている女性の笑みが、ダ・ヴィンチのモナリザの微笑みにも通じると言っていたが、確かに両絵画には近しい雰囲気がある。華岳自体は洋画にも興味を持っていた人物であるので、ダ・ヴィンチの作品の影響を受ける可能性はあり得るわけである。

 本作については、私もこの放送直前に山種美術館で見ているのだが、後の菩薩像にそのまま通じる絵画だと感じた。あの神々しさはやはりそこから来てるんだろう。ただ彼の絵は、私としてはあまり面白みは感じないのだが、この辺りは私の信仰心のなさとも関係しているのだろうか。

 

4/21 ベルト・モリゾ作「桜桃の木」

 ベルト・モリゾは印象派の女性画家として、印象派展に参加し続けた人物である。表題作は印象派の画家の作品が多く収蔵されているマルモッタン美術館に収蔵されている。

 裕福な家庭に生まれたモリゾは、姉のエドマと共に絵画を習ったのだという。しかし当時のブルジョア家庭において、女性が絵を学ぶというのは邪道と言っても良い世の中であったという。当時は女性は美術学校にも入ることが出来ず、彼女は姉と共にルーヴルで模写を続けていたのだという。彼女はその時に多くの画家と知り合っている。

 しかし一般的には彼女は自身の作品でよりもマネの絵のモデルとしての方が有名である。彼女がマネの絵のモデルをつとめるようになったのは、姉のエドマが結婚のために絵画を断念した頃だという。自分の将来に対して疑問と不安があった頃、彼女はマネのモデルをつとめることで、彼の絵画の手法をも学んだのだという。

 やがて彼女はマネの弟のウジェーヌと結婚する。結婚しても絵画をやめることなど考えることさえ出来なかった彼女にとって、彼女の才能に理解を示しているウジェーヌは最適の相手であったとも言えるだろう(ただし番組では、モリゾの側にどれだけの愛情があったかに疑問を呈しているようだが)。そして二人の間に娘のジュリーが生まれた頃から彼女の絵に変化が現れる。彼女は家族の記録を残すかのように即興的な手法でジュリーの絵を多く描いていったのだという。そして表題作は彼女が家族と平穏に暮らすことを願いながら、娘といとこをモデルに描いたもの。しかしこの絵の完成からまもなく、夫のウジェーヌは病でこの世を去ってしまう。その後の彼女は、娘に全幅の愛を注ぎながら、その絵を描き続けたという。

 女性の地位の確立していなかった時代には、とかく才能と強い意志を持った女性はしんどい思いをするのだが、ベルト・モリゾもそのような女性の一人だったようだ。ただその彼女も、最後は「家族と共に生きる」という普通の幸せを見出そうとしたということか。そもそも「家族と共に生きる」ということと、「自身の才能を活かす」ということが両立できないということが、この時代の女性のおかれた状況そのものなのであるが。

 なおベルト・モリゾは最近になって日本でも注目されるようになったのか、ここ数年で私も何度か彼女の絵を目にしています。2年ほど前にもろ「マルモッタン美術館展」もありました。もっともその時は、モリゾよりもモネの絵を売りにしてましたが(残念ながら、モネを正面に出さないと、モリゾを正面に出しても「誰?」で終わりですから。かく言う私も、この展覧会に行くまではモリゾのことは全く知りませんでした。)。なお表題作を私は明らかに日本で見たことがあるのですが、それがこの時だったのかどうかはおぼえていません。ちなみに今年の秋、ベルト・モリゾ展が開催されるようですね。

 で、次回は村上華岳の「裸婦図」。この作品は山種美術館の収蔵品で、私も実は今日見てきたところです(山種美術館に「美の巨人で放送される」という案内が出ていた)。この人の絵って特徴あるから、誰の絵か一発で分かるというくち。ただ、裸婦図も菩薩像も一緒なんですよね、この人。 

 

4/14 織田有楽斎作「如庵」

 今回は茶室。この茶室を造った織田有楽斎は織田信長の実の弟であるが、権力闘争とは一線をおいて、茶人として名を残した人物である(と言うか、武将としてはほとんど何もしていない)。

 彼は千利休の高弟に当たるというが、彼が如庵に持ち込んでいる考えは、利休のものとも少々異なるという。明日をもしれない戦国時代の武士として生まれた有楽斎は、一期一会を大切にするという感覚がさらに徹底しているという。彼の茶室は現存している利休の茶室と違って、スペースに若干の余裕を持たせており、それは客に圧迫感を与えない配慮だとか。厳しくも優しさがにじんでいるとか。

 と言ったところ、私には茶道とか茶器については皆目理解できませんので、この茶室についても「ふーん」で終わりです。落ち着くための空間建築としては理解できるのですが、茶の心の奥義に触れるには私にはまだまだ風流心が足りないようです。

 

4/7 ドラクロワ作「アルジェの女たち」

 今回の主人公は「民衆を率いる自由の女神」で有名なドラクロワ。彼は描写力によって、実際の事件などに題材をとった作品を描きあげ、それによって評判を呼んだという。当時は新古典主義の時代で、決められたデッサンに基づいて描く絵画が中心だったが、彼はその風潮に真っ向から挑んだので、デッサン派のアングルなどとの対立の様が風刺画に描かれるぐらいだったとか。

 その彼の転機になったのが、アルジェリアへの渡航。政府の外交使節団の記録員として同行した彼は、現地のハレムの女性にインスピレーションを受けて描いたのが表題作だという。またこの時に「色彩の魔術師」と呼ばれていた彼の色彩がまた一変するのだという。灼熱の太陽の下での明るい世界を体験した彼は、補色を巧みに使用した鮮やかな色遣いをするようになったとのこと。なお彼の補色の多用については、彼は元々色彩の科学について研究していたが、理論に基づいて意図的に補色を使用していると言うよりも、自然に感覚として使用しているとのこと。彼はその後、アルジェリアに行くことはなかったが、この時の経験は一生影響を残したのだという。

 ドラクロワとアングルが真っ向から対立すると言われても、現代人にはピンと来ないでしょうね。現代の訳の分からんポップアートと比較したら、彼らの絵なんて同じ流派に見えてしまうから(笑)。実際、私はドラクロワの絵もアングルの絵も好きですし。

 なお補色の多用は、下手をすると非常に下品になってしまうのだが、それが下品にならないところがドラクロワが色彩の魔術師たる所以。

 

3/31 三上誠「灸点万華鏡」

 奇っ怪な絵であるが、この絵には意味があるようである。

 三上誠は日本画家であるが、旧来の日本画の変革を目指した画家であるという。彼は幼少の頃から卓越した描写力を示し、そのまま画家の道を目指して太平洋戦争が始まる前年、故郷の福井を離れる。そして京都市立絵画専門学校で日本画の修行をし、卒業後も講師として残ることを求められるが、その年に敗戦。人々が絶望に沈む中、これからこそが旧態依然とした日本画壇に革命を起こす時だと活動を開始する。彼は若い芸術家を集め、パンリアル美術協会を結成する。彼は今までの花鳥風月の日本画の世界に新しい風を吹き込んだ。西洋の絵画のような自由な表現を日本画に持ち込んだのだという。

 しかしその頃に彼は病魔に冒される。当時としては治療法がはっきりとなかった肺結核だという。彼は肋骨切除という今ではあり得ない治療を受けたのだという。その結果、11本もの肋骨を切除し、身体を動かすたびに激痛にさいなまれることになったのだという。

 療養のために福井に帰郷した彼は、それからも激痛と闘いながら作品を描き続けたのだという(いかにもいたそうな作品がこの頃には多い)。常に死のことを考えていた彼だが、そんな彼に転機が訪れたのは結婚してから生きたいという意欲が起こってきて、東洋医学の針治療を受けてからだという。彼は針治療からうけるパワーに驚いて、それを表題作に織り込んだのだという(だから「灸点」なのだそうな)。

 というわけで、表題作には東洋医学の神秘がこもっているようです。それにしても当時の医学の水準はまだ低いが、肋骨の切除って・・・肺結核は不治の病だったから、かなり荒い治療が行われていたようだ。まあガンなんかも、将来治療法でも確立されたら「当時はガンは治療法がなかったから、こんな副作用の強い薬や放射線など滅茶苦茶なことがされていた」なんて言われることになるかもしれないが。また彼の場合、その滅茶苦茶な治療法でも、とりあえず術後に20年は生きていたようだ。それが長いのか短いのかはなんとも言えないが。

 なお彼の灸天万華鏡は一種のシリーズで、何作かあるらしい。道理で。私は福井県立美術館へは行ったことがないのに、この作品はどこかで見た記憶があると感じたのだが、どこかでこのシリーズの一作に当たったらしい。

 ところで最近のこの番組、いよいよ地方の美術館の宣伝色が強くなっています。まあ、地方の美術館はもっと宣伝すべきだと言うことは私も感じてますので、それについては歓迎しますが。

 

3/24 ジョルジュ・ルオー作「傷ついた道化師」

 表題作はルオーの60才の頃の作品だという。傷ついてうなだれた道化師を二人の道化師が支えているような図である。ややもの悲しくはあるが、なんとなく優しさがうかがえる作品である。

 ルオーは生涯にわたってパリと道化師を描き続けた画家である。彼は20世紀を代表する宗教画家と言われているぐらい信仰心の強い画家であった。彼はステンドグラスの修行をしたことがあるが、これが後の太い輪郭線を使った画風に直結していることは有名である。

 彼の画風は年齢によって変化を遂げているという。若い頃の彼は、世の中の堕落した人々に対する怒りを絵にぶつけるようにして描いていたという。この頃のルオーはすぐに描ける水彩絵の具で描いていた。しかしそれがやがて時間をかけて油絵の具を重ねるようになり、タッチも明るくて悲壮感の薄れたものになったのだという。これは彼の人間に対する視点の変化が反映しているのだという。

 画家と言うよりも宗教家のようなお話。ちなみに私はルオーの作品というと、表題作のような作品しかイメージできません。若い頃の作品については初めて見た。ただよくよく考えてみるに、若い頃は社会に対して批判的で尖っていた人間が、年齢と共に人格的に円くなって、社会に対する視線が穏やかなものになっていくというのはありがちな話でもある。彼の場合は宗教的救済と直結していたようであるが、単に年を取っただけと言えなくもない(笑)。

 ただ、これってある意味では人間にとっての生存本能かもしれないという気もするんですね。社会に対して怒りを持ち続けるというのはパワーが必要ですから、年齢と共にしんどくなってくる。実際、今の若者なんて最初からしんどいことをしたがらないから、社会に対してまともに怒りを持つよりも、安易に流される連中の方が増えてきているし・・・。

 

3/10 M.C.エッシャー作「版画の画廊」

 何とも不思議な作品である。見ていると世界が歪んでくるような錯覚にさらされる。エッシャーはだまし絵として有名な超空間的な作品を作り続けた版画家である。

 彼の父は彼を建築家にしようとしたとのことだが、彼は結局は版画の方に興味を示し、そっちに進んでしまったのだという。ただ当時の学校長の評価は「若者にしては自由奔放な感情に乏しく、芸術家としての資質に欠けている」とのものだったという。ただその彼が特異な才能を示し始める。精緻な版画で自然の構造物を写し取る能力の高さが彼の初期の作品に表れている。

 彼の作品が一転したのはスペインのアルハンブラ宮殿のモザイクに出会ってからだという。彼はそこで正則分割の魅力にとりつかれ、一連の有名な作品を作り始める。これが「脳を混乱させる」彼の作品の始まりだった。

 表題作はそのような一連の混乱した世界の作品だが。この作品の特徴は中央部分が未完成になっていることだという。ちなみに彼の法則に従ってこの作品の空白部分を再現すると、それは無限の繰り返しになったとのこと。

 ちなみに彼は結婚もしていたのだが、あまりの版画への没頭ぶりに、最後には妻も子供も彼を避けてしまって一人暮らしをしていたとか。彼の異常な執着を見ていると、彼にはいわゆるアスペルガー症候群などの人格障害の要素があったのではないかと思われる。この素因を持っている者は、時には他人から見て奇跡としか思えないような特異な才能を示すことがある。

 なお彼の作品は、私は展覧会で見たことがあるのだが、見ているうちに平衡感覚に異常をきたして倒れてしまったという経験がある(ネタではなくてマジです)。彼の世界の異常さと共に、私が視覚の影響を非常に受けやすいということが分かった瞬間ですが。

 

3/3 岸田劉生作「道路と土手と塀」

 表題作は岸田劉生が徹底した写実によって、渋谷の赤土の坂を描いた絵である。しかしよく見ていると何となく奇妙な絵である。

 岸田劉生とは二面性を持った画家だったという。彼は思うように絵が描けなかった時は癇癪を起こし、画材などを放り投げたりするのだが、その一方で敬虔なキリスト教徒であるという一面もあったという。娘の麗子は母から「お父さんは二人分の頭脳を持っているのだよ」という言葉を聞いたことがあるという(それでは二重人格のタママである)。

 彼は画家を目指して勉強していた頃、雑誌白樺に出会い、そこでセザンヌの版画やゴッホなどに出会い、画風が一変したのだという。しかし彼らの絵画が自然に向かい合うことで独自の境地に至ったと感じた彼は、後期印象派の技法を投げ捨てて自然に真摯に向かい合い、写実的な世界に入り込んでいったのだという。だから表題作が非常に写実的なのはそれが原因なのだという。

 もっとも我の強かった岸田は白樺の仲間内では極めて評判が悪く、表題作なども古典的で時代錯誤と非常に評判が悪かったという。

 ただ写実的にもかかわらずよく見ているとこの絵には違和感を感じる。それは妙にバランスが悪いこと。特に坂の頂上まで非常にはっきりと描いていること。これは岸田のもう一方の面が出ているのだという。岸田は対象に魅せられるとそこに入り込むことがあるのだという。だから初期の麗子像など明らかに全体のバランスが悪い(麗子像自体がだんだんと化け物めいていった気もするが・・・)。表題作でも岸田は坂が持つ力に魅入られているのだという。実はこの時代、渋谷は近代化のための開発が進んでおり、彼が描いたのはそのような光景だったのだとのこと。彼は自然を作り替える強い人間の力に共感したのだという。

 自然を作り替えるのに共感するというのはいかにもキリスト教的。というのも、キリスト教は「産めよ増やせよ野に満ちよ」で、基本的には自然を征服すべき対象として見るところがあるからである。これが人間も自然の一部としてみる仏教などとの違い。私に言わせれば、今日地球環境問題が発生しているの、自然と対立的だったキリスト教的世界観が人類の主流になったからであって、これが仏教的世界観が支配する世の中になっていたら、少なくとも地球環境問題は発生しなかったろうと考えている(当然ながら、今度は別の問題が発生していたかもしれないが)。

 ちなみに岸田劉生の絵については、麗子像の不気味さはともかくとして、どうも奇妙な力を感じるので、私としては「気になる絵」であるのは間違いない。

 なお表題作は重要文化財として東京国立近代美術館に収蔵されているとのこと。東京国立近代美術館と言えば、次の出し物は・・・「靉光」か。この春にはダ・ヴィンチの「受胎告知」を見るために東京に出るつもりなので、もし時間に余裕があれば近代美術館も回りたいと思っているのだが、その時に本作は展示されているだろうか・・・。 

 

2/24 ヘンドリック・ウィレム・メスダグ作「パノラマ・メスダグ」

 表題作はメスダグが描いた1880年頃のオランダの海岸の風景である。ただこの絵画が普通と違うのは、360度ぐるりと描いたパノラマになっているということ。また作品も縦14.5メートル、横120メートル、16枚のキャンバスを合わせたというとんでもない規模であること。

 メスダグは19世紀末にハーグを中心に活躍した風景画家で多くの海の絵を残したという。彼は銀行家の三男として実業家を目指すようにレールを敷かれていたのだが、画家への思いを断ちがたく妻の勧めもあって画家を目指したのだという。師のありのままの自然を描くようにという指示に従って、ひたすら風景の写実に励んだ画家だという。

 19世紀末にはパノラマが流行し、その依頼を受けて彼が制作したのがこの作品である。ただ湾曲したキャンバスにそのまま描いたのでは普通に描くとゆがみが生じてしまうので、彼はガラスの筒の中に頭を入れて、その筒の内部に下書きを書き、これを下絵にしてキャンバスに写し取ったのだという。他の画家の協力もあって、4ヶ月でこの大作は完成したという。しかしやがて映画の時代が到来し、パノラマは廃れることになり、行き場をなくした作品を彼自身が買い取って今日に至っているという。

 とんでもない大作だが、これが今日も現存しているということの方が希有なんだろう。ただメスダグの名前の方は、ハーグ派の画家の一人という形でしか残っていないようだから、画家としては大きくブレイクしたというほどではなかったように思われる。もっとも、彼自身は好きな画家の道を歩めたのだから、それはそれで幸せだったのかもしれないが。思うような人生を歩める人なんて、ほとんどいないから。

 

2/17 藤牧義夫作「赤陽」

 表題作は若き版画家・藤牧義夫が残した作品。三角刀で町の風景をザクザクと彫った、荒々しくも印象的な作品である。

 彼は絵の才能に関して非常に早熟だったという。絵の才能は父から引いたもので、彼はその父を13才で失ったが、一生尊敬していたらしい。昭和2年、職を求めて東京に上った彼は、激しい不景気の中で着物の図案家の下で修行をしながら、版画に魅せられていったのだという。彼は新版画集団というグループの結成に参加し、創作に打ち込んでいった。この時に彼がひたすら描き続けたのが都会の風景である。そして昭和8年に帝展への入選を果たす。表題作が描かれたのは、そのような彼にとっては未来が見えてきた時期だという。

 しかし彼はその後、版画の仲間とも疎遠となり、やがて消息を絶ってしまうのだという。実はその後の彼がどうなったのかはまだ分かっていないという。ただ彼が隅田川を描いたスケッチだけが残されている。それは60メートルにも及ぶというとんでもないものだという。何の迷いもなく線画で描いた壮大な作品である。目に映るものすべてを描こうとしたかのようだという。

 あまりに謎の多い人物であるが、時代が時代だけにどこかでのたれ死んでしまったのであろうか。結核を患っていたとの話だから、身よりもないままどこかでひっそりと亡くなったのだろう。

 彼の作品自体は非常にシンプルで力強いのだが・・・私は版画はあまり趣味ではないのでそれ以上はよく分からない。ただこの時代の空気と彼の作品の持つある種の重さは密接に関係しているようには感じる。

 

2/10 フランク・ロイド・ライト作「落水荘」

 今回のテーマは建築。表題作は天才建築家と言われたライトが滝の上という途方もないところに建築した別荘である。

 ライトは天才の名と共にスキャンダルも多い人物だったという。しかも彼の経歴には20年もの空白を秘めているとのこと。表題作は20年の空白をおいて後、華々しく復活したきっかけの作品だという。

 妊娠したときから建築家にしようと考えていたという母の意向か、大学の土木課入学した彼だが半年で中退し、シカゴの建築事務所で働きはじめたという。22才で結婚し、6人の子供を儲けるが、施主の妻と不倫の関係になってしまったという。この頃から彼の生活は波乱含みになるのだが、この時代から一貫していた彼の志向が日本趣味だったという。彼は日本にもたびたび訪れ、自然と一体化している日本の建築に興味を示し、それを建築に導入、これが初期の傑作につながり、彼は名声をなした。

 しかし私生活の方では悲劇に見舞われる。施主の妻と駆け落ちした彼が47歳の時、使用人が彼の愛人とその連れ子の2人、さらに弟子7人を斧で惨殺してしまったのだという。しかしその一件は「不倫の報い」と彼への非難につながり、彼はアメリカから消えたのだという(事件の背後や詳細が分からないので何とも言えないのだが、この一件でなぜ彼が非難されるのかが理解に苦しむのだが)。

 ここからが空白の20年になるのだが、実はこの時期に日本で活躍し、帝国ホテルなどの東洋と西洋を融合させた建築を作っていたという。ただこの時期の彼は、女性問題が続発し、大恐慌にも巻き込まれて散々な状況だったという。

 彼の人生が安定したのは60代の半ばで3回目の結婚をしてからだという。自宅件アトリエで建築家を目指す若者達と共同生活をはじめた彼が、弟子の父であるエドガー・カウフマンという富豪に出会い、彼が落水荘の施主になったのだという。

 落水荘では彼は自然と一体化する建物を目指し、その理想を見事に実現したのが落水荘だという。この建物にはいると、無意識のうちに自然と一体化していることを感じずにはいられないのだという。こうしてこの建物をきっかけに見事に復活した彼は、その後、死に至るまで傑作を作り続けたのだという。

 なんとも数奇な話ではあるが、彼の日本趣味は確かに表題作にうかがえる。西洋の建築でこれだけ外部と開放的につながっている間隔を抱かせる建築は珍しいし(西洋建築は、どちらかと言えば壁で外部と遮断しようとする)、外観からして自然と調和している。

 なお彼の女性遍歴のようなエピソードも出ていたが、その根底にはなんとなくマザコンの気配も感じられるのだが・・・。概してマザコンの人物は女性に依存しがちで、それが結果として女性遍歴になる場合が多い。彼の傑作量産期が女性関係が比較的安定していた時期と符合するというのは、なんとなくその可能性を感じさせる。

 ちなみにフランク・ロイド・ライトに関連した展覧会が現在ふくやま美術館で開催されている模様で(今回の番組はそれとの連携企画かと思っていたのだが、どうやらそう言うわけでもなさそうだ)、私はこれには行くつもりだったのだが、ここに来て急に体調を崩してしまった(たちの悪い風邪をひいた)せいで、現在のところの予定は未定である。

 

2/3 藤島武二作「室戸遠望」

 本作は日本洋画の巨人と言われている藤島武二が、晩年になってしきりに描き始めた風景画の一品である。本来、彼は風景画はあまり得意ではなかったと言われているのだが、60代以降に突然に風景画を描きはじめたのだという。

 藤島武二と切り離せないのが黒田清輝である。彼の才能に目をつけて、東京美術学校に藤島武二を招いたのは黒田清輝であった。しかしこの二人の間には微妙な葛藤があったという。学生からも人気の高かった藤島は黒田にとっては脅威でもあったのだという。そのためか彼にはなかなか留学の機会が回ってこず、初めて留学したのは38才の時だった。ここで藤島はルネサンス芸術に触れて大きな影響を受ける。この時期に彼は生涯の傑作を制作しているという。

 しかし留学から帰国した彼を待ち受けていたのは動乱だった。黒田が中心となっていた文展に若手画家が反発、梅原龍三郎、有島生馬、石井柏亭などが文展からの独立を企て、彼らの熱意に打たれた藤島も反旗を翻すに至ったのだという。しかし黒田に恩義のある彼は、黒田に説得されて結局は文展への残留を決断したのだという。彼が風景画のスケッチに全国を回り始めたのはこの時期からだという。

 なんか微妙な感情が透けて見えるエピソードであるが、奇妙と言えば確かに奇妙なのが、人物を描けばあれだけ抜群にうまかった藤島が、こと風景を描いた絵はかなり稚拙に見えてしまうということである。正直なところ別の人物の作品にも見える。実は彼自身も、生まれ変わりたかったのではなどと感じてしまうのは、私の考え過ぎか。

 

1/27 サンドロ・ボッティチェリ作「春〜プリマヴェーラ〜」

 今回の作品は、フィレンツェのルネサンスを代表する逸品である。教科書などでも紹介されることが多く、極めて有名な作品。

 ボッティチェリは若い頃は金細工の職人だったのだが、そこから画家へと登りつめたのだという。しかし彼の手紙などの類はほとんど残っていないので、その経歴の詳細は全く知られておらず、そもそもボッティチェリという名自体があだ名なのだという。

 またこの絵で奇妙に感じられるのは、登場する女神の顔のほとんどは人形的な感じがするのに、中央右側にいる花の女神フローラだけがやけに生々しく見えることであるが、実はこのフローラにはモデルがいるのだという。

 フィレンツェを支配したメディチ家で、ボッティチェリのパトロンとなったのは豪華王とも呼ばれたロレンツォである。ロレンツォの弟のジュリアーノは美男子で知られていたが、そのジュリアーノの恋人がこれまた美貌で知られたシモネッタ・ヴェスプッチだった。そして実はフローラのモデルは彼女だというのである(残された肖像画を見ると一目瞭然)。しかし彼女は病で亡くなり、ジュリアーノもその翌年に刺客に襲われて死んでしまう。このことを嘆いてロレンツォが詠んだ詩が「ゴンドラの歌」だという。そして詩を残したロレンツォに対して、ボッティチェリは彼女の肖像を残したのだという。

 しかしそのロレンツォも43才で病死すると、フィレンツェでは修道僧のサヴォナローラが権力を握る。彼はキリスト教の戒律の復活を唱え、ルネサンス芸術の多くを焼き払ったのだという(愚かの極み。まさに狂信者のなせる業。)。

 これによって多くの芸術家がフィレンツェに背を向け、ボッティチェリも時代の狭間に消えていくのだという。

 文化と戒律というのは昔から対立しやすいもので、退廃と紙一重のところに文化があるので、宗教原理主義者のような連中がこういうのを嫌うのは昔からよくあること。だからキリスト教が強かった中世は文化的には極めて不毛の時代となっているわけである。歴史的に見ても、社会の統制が緩んで来た頃に自由な文化が花咲きやすい。日本でも元禄時代はそう言う時代で、それが幕府の改革が始まると急にポシャッてしまうわけである。文化が盛んになるのは平和な証拠というお話。そりゃ、北朝鮮のように食うにも困っているような国で、文化が花咲くわけもない。

 

1/20 平櫛田中作「鏡獅子」

 生きているのではないかと見まがうほどのリアルな彫刻。これが木彫り彫刻の第一人者であった平櫛田中の作品である。彼は108才になるまで作品を作り続けたという超人で、100歳の時にこれから30年分の材料として樹齢500年の楠を購入したエピソードは有名である。

 彼は東洋の彫刻に西洋の写実を持ちこんだ人物である。木彫り職人として修行を積んだ彼が、もっとも影響を受けた人物が岡倉天心。彼の「売れないものを作れ」という言葉を田中に授けたのだという。その言葉をそのまま受けたのかどうかは知らないが、彼は極貧の中で制作を続けたという(子どもを病気でなくしている)。

 そんな彼は、写実を突き詰めていく中で彫刻におけるタブーを破っている。それは彼が木像に色をつけたこと。木肌の美しさを見せる彫刻においては、着色はタブーであり、着色したものはもはや彫刻ではなく人形だという指摘もあるようなのだが、彼はリアリティを求める過程で着色を行ったようである。

 そんな彼の代表作が国立劇場に展示してある表題作である。六代目尾上菊五郎をモデルにして、彼の当たり役である鏡獅子を描いたものである。彼はこの作品を製作するために、衣装の下の肉体を確認する必要があるとして、尾上菊五郎の裸の像も制作している。しかしこの作品の製作は困難を極め、戦争での中断、モデルになった六代目の死去などもありながら、1958年に20年の歳月をかけてようやく完成したのだという。

 番組に井原市立田中美術館が登場していましたが、先週にも言ったように、私が行った時にたまたまテレビの撮影班が来ていました。あの裸の六代目の像はこの美術館にありますが、思わず息をのむような迫力があります。また彼が鏡獅子の像をつくるのにどれだけ苦労をしたかを物語る、制作途中で放棄した像などもあります(途中で気に入らなくなったらしい)。私は彫刻の類にはあまり興味のない人間なんですが、彼の作品には絶句しました。何の気なしにたまたま入った地方の美術館で、こんなすごい作品を目に出来たことに感謝したものです。

 

1/13 エドワード・ホッパー作「ふたりのコメディアン」

 エドワード・ホッパーは繁栄を続ける20世紀のアメリカの風景を描き続けた画家で、一瞬の観察者とか歴史の記録者と言われているという。確かに彼の絵は非常にクールで抑制的な感覚がある。

 アメリカに生まれてフランス文化に傾倒した彼は、フランスに留学して当時流行のフォービズムよりもルノワールやモネといった印象派の画家に憧れてたという(だから彼の作品は20世紀の作品にしては古典的に見える)。帰国してから広告デザイナーとして生活していた彼が、画家として名を知られるようになったのは40才を過ぎた頃だという。

 彼の転機になったのは、妻となったジョセフィンと出会ったことだという。42才で彼女と結婚した彼は(ジョセフィンは41才)、妻をモデルにした絵を描いたとのこと。確かに彼の作品に登場している女性はジョセフィンがモデルになっていることがよく分かる。ふたりは常に行動を共にしており、ジョセフィンはホッパーにとって欠けている部分を補う存在だったという。

 彼の絵に共通しているのは、人物はいずれもこっちを向いておらず、無表情であることである。これが絵全体に奇妙にクールな印象を与えている。唯一の例外が表題作で、この作品の登場人物はこちらを向いて笑顔らしき表情を浮かべている。実はこの作品はホッパーの最後の作品で、彼が病気のために絵筆を握るのが困難になってから描かれたものだという。ここに描かれているふたりのコメディアンは彼自身と妻のジョセフィンだという。アメリカの歴史をクールに見つめてきた彼の、これが最後のメッセージだったのだろう。

 20世紀のアメリカ芸術は完全に私の守備範囲外なのだが(特にポップアートには興味は皆無である)、彼の作品には抵抗を感じないのは、その技法がかなり古典的だからだろう。ただ美術史的な彼の位置づけというのが、今ひとつよく分からない。

 ところで彼が結婚したのは、ちょうど今の私ぐらいの時か・・・。なんか考えるよな。

 なお次回は平櫛田中とのこと。そう言えば、以前に田中美術館に行った時にテレビの撮影班らしき連中が来ていた。この番組だったのか。

 

1/6 ゴーギャン作「我々かどこから来たのか、我々は何者なのか、我々はどこへ行くのか」

 ヨーロッパに幻滅し、タヒチへと渡った画家であるゴーギャン。その彼が晩年に残したのがこの大作である。この絵には人の誕生から死までがタヒチの風物によって描かれているという。

 ゴーギャンは腐った西洋文明に対して原始の野生を対比させるのが自分の使命だと考えていたようである。その彼が野生を求めて渡ってきた地がタヒチであった。既にフランスの植民地とされ、以前ほどの野生は失っていたタヒチであるが、彼はそこで歓迎されて多くの絵を描く。そしてその絵を携えて成功を確信してフランスに帰国する彼だが、予想に反して彼の絵はさっぱり売れなかった。

 失意のうちに逃げるように再びタヒチに渡った彼だが、今度のタヒチは冷たかった。彼は孤立していく中で死を決意して描いたのが表題作だという。その後、彼は服毒自殺を図るが一命を取り留め、さらなる野生を求めてより未開のマルキーズ諸島ヒバオア島に渡る。そこで彼は作風も一変して全く生まれ変わったのだという。この島こそが彼が求めていた野生の地だったのだとか。表題作は死の絵であると共に、再生の絵でもあるのだという。

 恥ずかしながら、表題作はゴーギャンの最晩年の作だと思っていた。その後の一変した彼の作品については全く知らなかった。なお最初は歓迎されたタヒチで、二度目は歓迎されなかったというのは、気むずかしい彼の気性が災いしているのだろう。最初の時は「フランス本国から偉い画家先生が渡ってきた」と回りは見ていたのに、その後の失敗で彼は「既に終わっている芸術家」と見られ、そうなると「単に気むずかしくて扱いにくいオッサン」になってしまったのであろうことは想像に難くない。

 芸術家には道を突き詰めるうちに破綻してしまうタイプが多いが、彼もそのタイプだったのだろう。なお非常に強烈な絵である彼のタヒチのシリーズが全く売れなかったというのも分からなくもないのである。と言うのは、私自身もつい最近までは彼のタヒチのシリーズは「あまり好きではない」絵の一つであったからである。興味を持ちだしたのは、ここ数年であちこちの美術館であらゆる絵を見てからである。当時、彼の絵がヨーロッパで受け入れられなかったのもさもありなんと感じてしまうのである。

 なお今年になってからこの番組、スポンサーがエプソンからキリンビールに変更になったようである。美術に直接のつながりのあるエプソンから、美術とは直接のつながりのないビール会社へのスポンサー変更というのは、この番組としてはどうなのだろうか・・・。本音を言うと、嫌な予感を感じずにはいられない。どうもテレビ番組の世界も、悪貨が良貨を駆逐する状態になっており、良質の番組にもかかわらず続かない例が多い。良質の番組を支援する一助になれればというのは私の願いなのだが、やはりいろいろと力不足を感じずにはいられないことが多い。

 

12/23 レンブラント・ファン・レイン作「笑う自画像」

 表題作は、生涯に100枚以上の自画像を描いたというレンブラントによる最晩年の自画像である。年老いたレンブラントが、なぜか笑みを浮かべているという奇妙な自画像である。

 1606年、オランダのライデンに生まれたレンブラントは、18才にして画家として独立し、早熟の天才画家として注目を集めた。彼は25才でアムステルダムに移り、順風満帆の画家生活が始まった。当時経済的に繁栄していたアムステルダムでは、彼に肖像画の注文が殺到し、彼に富と名声をもたらした。しかし彼の中には葛藤があったのではないかという。彼の自画像に現れているのは、非常にリアルな表情。彼は単なる肖像画ではなく、芸術を描きたいという意志の現れだという。

 しかしその意志がレンブラントにとっての曲がり角になる。今では傑作として知られる「夜警」が、依頼主の火縄銃組合から受け取りを拒否されたのだという。というのは、この絵は描かれた全員が同じ金額ずつ出し合った集団肖像画なのに、レンブラントが描いた絵では、ろくに顔も描かれていない人物もいたからだという。レンブラントは単なる定型的な集団肖像画ではなく、芸術作品として仕上げてしまったのである。

 その後、彼は1642年に最愛の妻サスティアを30才でなくし、息子の乳母だったヘンドリッキを内縁の妻として新しい生活を始めるが、売れない絵を描き続けるレンブラント家の家計は破綻していく一方、そしてついに豪邸を追い出される。その3年後、さらにヘンドリッキまでも失うのだという。表題作の肖像画が描かれたのはそのような時期だという。

 なお彼の肖像画の意味が判明したのはつい最近だという。レンブラントの弟子の描いた「ゼウクシスとしての自画像」が発見されたことで、この絵がレンブラントの表題作を参考にしたことが判明し、レンブラントはゼウクシスとしての自分を描いていたのだと明らかになったのだとのこと。ゼウクシスとはその絵で鳥の目をも欺いたという古代ギリシアの伝説の画家だが、老婆を描いている時にその滑稽さに笑い、そのまま笑い死にしたと言われているという。芸術を志しながら現実の滑稽さに笑い人生を閉じたゼウクシスは、まさに連分とそのものだったのだという。

 うーん、何やら考え込む内容である。芸術家が自身の志向と依頼者の依頼とのずれの間で悩むということはよくあることで、特にこの時代の画家は単なる職人の一種であり、芸術家という立場はまだ確立していなかったから、そのジレンマは特にあったろう。その点で言えば、今の画家は好き勝手に自分の芸術を表現できる分幸せではある。もっともそれがそのまま金につながるとは限らないのは今も同じだが。

 売れる作品と、自分が表現したい作品の合間で葛藤するのは、何も画家に始まった話ではない。芸術家というか、表現者のすべてそのジレンマに陥ると言えるだろう。物書きなんかでも、売れる原稿と自分が書きたい文章は違うというのは常なんだから。ちなみに金になるという点では、特に評論家などは政府や企業の提灯持ち文章を書く輩の方が金になります。

 

12/9 三橋節子作「花折峠」

 三橋節子は35歳で夭折した日本画家である。日本画は花鳥風月の絵と言われるが、彼女はなぜか野草を描き続けた画家である。表題作は彼女の晩年作品で、川に流された花折り娘が野の草に助けられたという伝説に基づいて描いているという。奇妙な絵である。静かに流されている娘の姿が涅槃図のようにも見える。しかしそこに彼女の真実が込められているという。

 実はこの絵を描いた時には、彼女は病で利き腕を失い、左手で描いていたのだという。哲学者の梅原猛をして、彼女の人生を「奇跡の物語」と呼ばせているという。

 彼女は1939年に京都に生まれたが、彼女の生涯には最初から受難があったという。3歳の時に股関節脱臼で長いギプス生活を余儀なくされたために、活発に遊ぶことが出来ず、この時に花や虫に話しかけるという一人遊びが身に付いたのだという。さらに彼女は小学校1年の時には、石灯籠の下敷きになって大けがを追うという体験もしているという。このような苦痛によって強固な忍耐心が養われたらしい。

 絵を始めた彼女は、野草を描き続けた。しかし彼女の描く野草はなぜか常に白かったという。1968年、日本画家の鈴木靖将氏と結婚し、2人の子供を儲ける。しかしその5年後に悲劇が訪れる。肩の痛みと腫れで病院を訪れた彼女は、ガンを告げられ、右腕の切断を余儀なくされるのだという。画家の命とも言える利き腕を失ってしまった彼女であるが、手術後にはリハビリを開始、半年後には本画の制作を始め、大作「三井の晩鐘」を左手で描き上げるのである。その線は左手で描いたとは思えないほど美しく、夫である鈴木靖将氏に言わせると「右手よりも良い」というような出来映えであった。しかしガンが肺に転移、手のつけようのない状態で退院した彼女が描いた作品が表題作だという。だから本作は涅槃図であるのだという。

 非常に強烈な作品。恥ずかしながら彼女の名前については私は全く知らなかった。彼女の美術館は大津にあるようなので、また何かの機会の時、一度訪れて見たいような気がする・・・・って、この番組を見ていると、行かないといけないところが増えてくるな。

 

12/2 エド・ヴァン・デル・エルスケン作「写真集「セーヌ左岸の恋」」

 オランダ生まれの写真家エルスケンがパリに渡ってきたのは、第二次大戦後だった。オランダ生まれで美術学校に進んだエルスケンだったが、軍需工場の招集がかけられた。戦争に荷担することがいやだった彼は、南部の田舎に逃げ出したのだという。戦後、イギリスの解放軍と共に地雷撤去を命じられた彼は、そこでフォトジャーナリズムの先駆けとなったイギリスの雑誌を目にしたのだという。そして彼はカメラとわずかな小銭を持ってパリへと旅立ったのだという。

 彼が撮影したのは、裏町に生きる名もない人々だった。そんな彼が行き着いたのが、サンジェエルマン・デ・プレだったという。戦後の虚脱感の中で目的をつかめずに生きている若者達が彼の心を捕らえたのだという。

 彼の写真は、ドキュメントの体裁をとりつつ、演出が入っているという。そこに彼の表現があるのだとか。彼の写真はそのまま現像したのでは彼の意に添わず、露光時間などに独自の調整や演出が入っているため、今でも彼の写真を現像できるのは一人しかないという。 

 うーん、やっぱり写真は私の趣味ではないなという印象。それに彼のような演出が入った写真はさらに趣味じゃない。彼が写し出そうとしていたものはなんとなく分かりはするんだが。

 

11/25 入江泰吉撮影「斑鳩の里 落陽」

 奈良写真美術館に展示されているのがこの写真。五重塔の背後に日が沈もうとしている瞬間をとらえた美しい写真である。撮影した入江泰吉はひたすら奈良の写真を撮り続けた写真家だという。

 奈良に生まれて大阪で写真の修行をし、自分のスタジオを持つまでに腕を上げた彼だが、大阪大空襲がすべてを奪い去ったのだという。失意で故郷に帰った彼は、戦前のままに残っている奈良を見て「よくぞ遺った」と涙を流したという。当時、アメリカが戦争賠償として日本の仏教美術品を持ち去るという噂が出て、持ち去られる前にと撮影を開始した入江は、その噂がデマだったと分かった頃には、奈良の魅力にとりつかれていたのだという。

 彼の写真については、アマチュアカメラマンが「自分でも撮れる」とよく言うらしいが、彼の写真は何でもないように見えて、実は彼の写真は決定的一瞬を狙って何年も同じ場所に通い続けるという執念によって撮影されているのだという。表題作も狙い通りの鱗雲が出るまで、彼は何年も待ち続けたのだという。

 確かに彼の写真は特別な技巧を尽くしているわけではないので、その現場に居合わせれば誰でも撮れるのは事実だろう。特に最近のデジカメなどは性能が良いので、例えば私のように写真についてのほとんど知識のない者でも、ただ単にシャッターを押すだけでキチンと写真が撮れる。ただ問題はその現場にいかに居合わせるかである。彼はそのためにかなりの執念を割いたというわけである。

 なお奈良であるが、最近は景観破壊が著しい。ただそれでもまだ奈良は全体的に田舎であるので、京都よりはまだマシである。本当に救いがたいのは京都であり、既に京都の町並みなどは見るに堪えない状態になっている。特にあの大馬鹿建築の京都駅ビルがそれにとどめを刺してしまった。あの醜悪で傲慢で下品な京都駅ビルと、あの大間抜けの京都タワーが向かい合っている図は、何度見ても悪夢のような図であり、あれが今の京都の状況を象徴しているのであるが。もし私が京都府知事になれば、一番最初にする事業は京都駅ビルの解体である。

 

11/18 アントニ・ガウディ作「カサ・バトリョの椅子」

 今回のテーマは、建築家のアントニ・ガウディが制作したという椅子。この椅子はカサ・バトリョという集合住宅のために作られた家具なのだが、ごく普通の椅子に見えて実は結構凝ったものだとか。

 座面が微妙な曲面になっているが、これは人間の形に合わせて型どりし、それを元にして作ったものだという。だから身体に非常に馴染むのだとか。ガウディは建築でも曲線を重視しているが、人間の身体のプロボーションを意識しているのだという。

 ガウディの父親は金属細工師で、ガウディはその素質をひいているから、三次元に対する感覚が鋭かったのだというのが、番組中で本人の談として語られていたことだが、これは少々こじつけのような気もする。最も、空間認識能力に関しては多分に先天的なものもあるというが。

 で、番組では建築物の時になったら現れる、例の黒タイツ兄弟が登場していたが、これがまた今ひとつ意味があったとも思えない。なんとなく全体的に不発。

 

11/11 鴨居玲作「1982年私」

 表題作は鴨居玲の集大成だという。実際にこの絵のを見ると、彼が今まであらゆる絵に描いたモチーフの寄せ集めになっている(まるで手塚治虫ワールドのようにも見えるが)。

 鴨居玲は人間を描くということに精力を傾けてきた画家だという。日本人離れしたスタイルと容貌で常に周囲の注目を集めてきた人物だが、画家としての態度は極めて真摯で、デッサンに全勢力を傾けていたという。しかし彼が画家として自立した頃の日本の画壇は抽象絵画の全盛期で、デッサン無用という風潮が蔓延しており、彼は何を描くべきかを見失ってしまったという(私に言わせれば、世の中に安直な絵画が蔓延していたと言える。血道にデッサンしていくよりも、思いつきで絵の具をぶちまけている方が遙かに楽なのだから。)。この頃から彼は死を考えるようになるという。

 そんな彼に光明が差したのが、ブラジルに行ってから。そこの風土に接して人物を描いているうちに、やはり人間を描くしかないという境地に行き当たっていったのだという。そしてスペインに渡り、ゴヤやリベラの絵画から学んでいき、スペインの田舎のバルデペーニャスで描くべき人達に出会ったのだとのこと。

 その彼が帰国して目標と定めたのが1982年に東京で個展を開くことだったとか。彼はそのための作品を制作するのに、身体をボロボロにしながら創作に励んだのだとか。その時の作品が表題作だという。

 ただ身体がボロボロになっていく中、彼が自ら命を絶ったのはその3年後の1985年9月7日だった。享年57歳とのこと。

 うーん、よく分からん生涯だ。よく分からんと言えば、彼の作品は小磯記念美術館での鴨居玲展で見たことがあるのだが、強烈な絵画ではあるものの、同じような作品ばかりで今ひとつ好きにはなれなかった。個人的には「こういうタイプの絵画ばかりを描いていたのなら、早晩行き詰まったのではないか」と感じたのだが、彼自身はどう考えていたのかは今となっては分からない。

 

11/4 フランシスコ・デ・スルバラン作「聖ウーゴと食卓の奇跡」

 表題作は、復活祭の前の日に肉を出された修道士たちが、食べるべきどうかを議論するうちに眠りに落ち、45日目に目覚めた時には皿の上の肉が見る見る灰になったという奇跡を描いているとか(非キリスト教徒の私には今ひとつ意味不明な奇跡だ)。描いた画家のスルバランは、ベラスケスやムリーリョの陰に隠れて長らく忘れられていた画家だという。

 彼は圧倒的な写実力を示す絵画を残していたが、彼はあまり野心もなく、修道院の画家として宗教画を中心に描いていたので、彼の作品が社会的な注目を浴びることは少なかったのだという。彼はベラスケスに招かれてスペイン王宮で活躍するチャンスもあったのだが、きらびやかな王宮は彼には合わず、結局は修道院に帰ってきたとのこと。

 完全に忘れられていた彼が再び脚光を浴びたのは彼の静物画によってだという。その表現力が評判になったのだとか。

 ちなみにスペインのあのような静物画はボデゴンと呼ぶらしいが、番組に登場したスルバランの作品は私は「プラド美術館展」で見ている。同じ光沢でも陶器と金属器の光沢の違いが描き分けられており、質感が手に取るように分かった描写力には絶句させられた記憶がある。だから私は「ああ、あの絵を描いた画家。そりゃうまいわ。」と思わず呟いてしまった。しかしどう考えても、ムリーリョの絵の方が世間の絶賛を受けるのは分かる。同じ宗教画でもムリーリョの方が華があるので。

 

10/28 植田正治「砂丘の写真」

 鳥取県の境港の植田正治は変わった写真家である。彼は境港でかなり繁盛している写真店を経営していたが、店の方は妻に任せて、カメラをぶら下げては砂丘にやってきて、そこで奇妙な写真ばかりを撮っていた。

 彼は生活のためでもお金のためでもなく、ひたすら芸術として写真を撮っていたという。彼の写真はいわゆるドキュメント写真とは全く異なり、意図に基づいて砂丘に人物を配置し、現代絵画のような写真を撮っていた。彼の写真は作り上げた写真であり、彼自身はそれを演出写真と呼んでいたという。

 また彼は中央に進出することなく、ひたすら鳥取の地でばかり写真を撮っていた。自分のことをプロの写真家とは呼ばず、ずっとアマチュアだと言い続けていたという。

 そんな彼の写真を世の中が放ってはおかなかった1970年代になって、一躍彼の写真は世の中の注目を集めることになった。しかしそれでも彼のスタンスは生涯変わることはなかった。

 なんとも奇妙な感覚がつきまとう写真である。言われるまでもなく、非常に作為的な写真なのだが、それにも関わらず妙に自然でもある。彼は単純に自分の表現したいものだけを撮っていたのだろう。個人的にはこういう方法論はあまり好きではないのだが、それでも彼の写真にある種の面白さがあるのは否定できない。

 

10/14 歌川国芳作「ねこのすゞみ」

 表題作は国芳が描いた猫を擬人化した作品。非常に漫画チックな感じがするのだが、実際に国芳の作品というのは、漫画の元祖とも言える要素があるのだという(動きの線を描いているなんて表現もある)。

 彼は猫の絵をやたらに描いているのだが、それは彼が猫が好きだったということもあるらしいが、そこには彼なりの主張があったのだという。と言うのは、この時代には天保の改革によって役者絵などが禁止されたので、国芳は猫で役者を描くことで、それを皮肉ったのだとか。ここには彼の反骨と風刺の精神が現れているのだとか。

 国芳の作品は非常に奇妙なものが多いのだが、風刺が潜んでいることは感じていたが、反骨も潜んでいるというのはなかなかである。風刺に反骨、大いに結構。文化に携わる人間がこれを忘れると文化は衰退します。

 ところで今回の内容。非常に近いものをどこかで見た記憶があるのですが、どこでなんだろう? 私のバックナンバーをここのテキストに検索をかけても出てこないということは、この番組ではないようだし・・・。考えられるとしたら、NHKの迷宮美術館か?

 

10/7 アンリ・ファンタン=ラトゥール作「バティニョールのアトリエ」

 マネを中心として印象派の錚々たる顔ぶれが並んだこの絵画は、教材などに使われることも多いという。この絵画を描いたファンタン=ラトゥールは実際に彼らと交流のあった画家である。しかし印象派の画家たちからは彼の絵は、平凡だとか評判は散々だったらしい。実はそうなったのは彼と印象派の画家たちとのスタンスの違いのようである。

 彼が印象派の画家とつきあっていたのは親友であるマネとの関係による。当時は絵画界ではサロンが力を持っていたが、マネの絵画はそのサロンで拒絶され続けていた。当時のサロンでは新古典主義が主流となっており、マネのような日常を描く絵画は受け入れられなかったのだという。しかしファンタン=ラトゥールはそんなマネを支持し続けていて、またマネのその変革を志す姿勢は、印象派の絵画たちを引きつけたのだという。マネを中心として芸術のあるべき姿をあつく論じている彼らの姿を、ファンタン=ラトゥールは見続けており、表題作はそんなマネに対する心がこもっている絵画であるという。

 しかし印象派の画家達はついにサロンに見切りをつけて、自分たちの展覧会を立ち上げる(この展覧会がきっかけとなって、彼らは印象派と呼ばれるようになったのだが)。しかしあくまでサロンの改革を目指すファンタン=ラトゥールは彼らと袂を分かち、彼によって説得されたマネも印象派展には参加せずに、サロンを中心に活躍するようになったのだとか。

 というような経緯を見ていると、印象派の画家達から見ればファンタン=ラトゥールは体制に魂を売った裏切り者のような風にも見えたかもしれない。しかし彼の作品を見ていると、技法的には明らかに古い技法に属しているように思えるから、彼が結局はサロンでの活躍の方向を目指したのは分かるような気がする。ただ結果として彼の名前は歴史にほとんど残らないことになってしまったのだが。

 なおこの絵画、私は先日に神戸市立博物館でのオルセー展で目にしている。というわけで、今回の番組はオルセー展との提携企画だった模様。ちなみに私がこの絵画を見た印象はというと、正直なところうまいけど平凡な絵画という気がした。彼には気の毒だが、記録的な価値しかないという気もしないではない。

 

9/30 南桂子作「子供と花束と犬」

 無地の空間に花束を持つ少女と犬、鳥と木らしきものがポンと配置されたシンプルな版画。それが今回の表題作である。南桂子は43歳の時にフランスに渡ってから銅版画を始めたという。彼女は版画家・浜口陽三の妻として生涯を送った女性でもある。

 彼女は富山で大地主の三女として生まれたが、両親は早くして死亡し、女学校卒業後に叔父の決めた相手と結婚して4児をもうけたという。彼女が絵を描き始めたのはそのころからで、1945年に子供の教育のために上京した時に、自由に生きる女性たちと知り合い、自身も自立の志向を強めたという。そして童話を書いたり油絵を習ったりをしている時に浜口陽三と知り合い、1954年に子供たちと分かれて浜口の住むパリに渡ったのだという。

 彼女はそこで浜口の創作を優先しながら、自身も銅版画の創作を続けたのだという。彼女の作品のポイントは「不変」で、彼女が用いていた少女などのモチーフは生涯変わらなかったという。

 番組では彼女の版画の少女が持っている花束を再現したりなどを行っていたが、どうも今ひとつ興味がわかなかったのが事実。それは多分私が彼女の作品をあまり面白いと感じなかったからなんだろう。そもそも芸術家にとって「不変」というのが良いことかどうかも判断が難しい。それは「進歩しない」ということとも同義になってしまうので・・・。

 

9/23 フリードリヒ作「雲海の上の旅人」

 雲海に向かって、旅人と思われる男が背中を向けて立っている。何の変哲もない風景画のように見えて、やけに心惹かれる絵画である。

 作者のカスパー・ダーヴィッド・フリードリヒは19世紀のドイツの画家。彼が活躍したのはナポレオンの時代で、社会不安が高まるのと反するかのようにドイツ文化が花咲いた時代だという。

 彼の作品であるが「風景画の中に悲劇を見いだした」と言われているという。確かにいずれの作品も美しいのではあるが、やけに暗いのである。また人物がことごとく背中を向けていること、さらに画面の中で明暗がはっきりと描き分けられていることが、より闇の暗さを引き出す。彼はドイツの風景にこだわって、ひたすらそれらを描き続けた画家だが、実はそこにはありのままの風景を描いていたのではないという。

 彼は膨大なスケッチを残しており、彼の絵画はそれらのスケッチを組み合わせて画面上に構成されたものであり、東洋の山水画に相通じる部分があるという。山水画は風景画の中に心象風景を反映するものだが、彼の風景画も心象風景が反映されているものだとか、それで心を打つのだようだ。

 彼自身はそれなりに成功した画家だったようだが、その後の時代に完全に忘れられ、最近になって再評価されるようになったのだという。私が彼の名前を全く聞いたことがなかったのもそのためのようだ。

 非常に印象的な絵画なので、是非とも彼の作品を見たくなったが、どうもドイツに行かないとそれは無理らしい(と言うことは私には無理だ)。ちょっと調べると、日本では78年に国立西洋美術館で展覧会が行われたようだが、その時は私はまだ中学生であり、東京なんか行けない(と言うよりも、そもそもまだ絵にそれほど強い興味がない)。この夏にハンブルクで展覧会が行われたようだが、いつか日本でもやってもらいたいものである。ドイツに行けば良いんだろうが、貧乏な上に横着な私の場合、あっちから日本に来てもらう方が都合がよい(笑)。そもそも私が何かの間違いで大金持ちにでもならない限り、ヨーロッパなんて一生行くことはないだろうし・・・。

 

9/9 竹久夢二「水竹居」

 表題作は1933年に描かれた作品で、竹久夢二の最晩年の作品になるという。

 竹久夢二は「美しいもの」が好きな人物だったということで、女性遍歴でも知られている。そもそも彼は最初は詩歌を志していたのだが、それが大成せず、次に始めた絵画の方が折しも大正ロマネスクの時代と合致し、一躍時代の寵児となったのだった。彼が描く目が大きくまつげの長い女性たちは夢二式美人と呼ばれ、まさに時代の最先端を行っていた。彼は「大正の歌麿」と呼ばれたのだという。

 しかし時代が変化する。1923年に関東大震災で首都圏が壊滅的被害を被り、日本経済は低迷する。時代が昭和に変わった頃には、社会からは余裕がなくなり、この頃から彼は表舞台から消えていくことになるという。

 実は晩年の彼は美術研究所を設立する構想を持っていたのだという。彼は日常生活に密着した芸術品を作りたいと考えていたのだという。彼の計画では木工品から陶器、衣服まで手がけようとしていたという(いわゆる工業デザインというやつか?)。彼はそのために欧米の産業美術の視察に出かけるのだが、この旅が彼を絶望の底にたたき込むことになったという。当時のアメリカは大恐慌の直後で全く得るものがなかったし、ヨーロッパでは第二次大戦前夜の暗雲が立ちこめていたという。表題作はそのような時に、ベルリン滞在中に描いたもので、実はモデルはドイツ人女性なのだという。彼は美しいものを描きながらも、そこには戦争に対する批判と平和への思いを込めていたという。

 しかし彼の思いとはうらはらにドイツだけでなく日本も戦争の方向に突き進み、失意の中で帰国した彼はまもなく病に倒れ、そのままこの世を去ってしまう。

 彼の絵画の背後にある彼の精神にまで切り込んだ興味深い内容。確かに彼の作品は大正の空気と不可分なものであり、アール・ヌーヴォーの時期に花咲いたアルフォンス・ミュシャと共通する部分がある。

 ただ、理由は不明なのだが、私は以前からどうしても彼の作品は感性に合わないんだよな・・・。

 

9/2 ノイシュヴァンシュタイン城

 ジグソーパズルなどの定番になっているこの美しい城は、バイエルン王国のルートヴィヒ2世によって建設された城である。悲劇の王とも狂王とも呼ばれたこの王は、この城が完成する前にこの世を去ったというが、この城は彼にとっての最大の芸術表現だったのだという。

 中世の城のようなたたずまいを見せるこの城だが、実は建造されたのはエフエル塔と同じ時代である。1845年に生まれたルートヴィヒ2世は、父の方針によって厳格な教育の元育てられたという。18歳で国王に就任した彼は、ワーグナーに耽溺し、彼をバイエルンに招聘しようとする。そしてワーグナーの世界を再現するかのようにこの城を建設した。この城は当時の最先端の技術を導入して建造されており、構造は鉄骨とコンクリートで構成されており、エレベータまで装備されているという。

 バイエルンはその後に強大化するドイツの属国とされ、彼はその現実から逃れるように、城の建造を続け、そこにこもる生活をしていたという。しかしついには精神を病んでいるとして拘束され、40歳の時に自殺とも他殺ともつかない状態で発見される。

 こうして見てみると、ノイシュヴァンシュタイン城というのは、実はワーグナーをテーマにした一大テーマパークだったのだということがよく分かる。実はこの城はワーグナーの時代に建造されたにもかかわらず、中世の外観を持っていることにいささか疑問は感じていたのだが、テーマパークとして考えると納得がいく。というわけで、この城は日光江戸村みたいな者なのだろうか・・・なんて言うと、話が急にせこくなってしまう(笑)。

 近親婚が増えてしまう王家では、歴史的に見ると何らかの疾患を持っていた人物が非常に多いのだが、ルートヴィヒも確かに精神的に病んでいたとは言えるだろう。もっとも違う時代に生まれていたら、こういう悲劇的な結果にはならなかったのだろうが。

 

8/26 神田日勝作「馬」

 表題作が収蔵されているのは、帯広の草原の中に忽然と立つ神田日勝記念美術館である。馬の前半身だけがベニヤ板に描かれているという奇妙な絵である。しかも質感が妙にリアル。

 神田日勝が生まれたの東京の練馬。日勝という名前は日本が戦争に勝つという願掛けでつけられたと言うが、皮肉にも戦況は悪化、彼の家族は終戦の一日前に北海道に入植したという。しかしそこでの生活は過酷なものであった。多くの入植者が見切りをつけて東京に帰る中、彼の兄も東京に帰ったが、彼だけは現地で結婚してその地に住み着いたのだという。

 彼はそこで土を耕しながら、農耕にとっての重要な相棒でもあった馬などを描き続けた。しかし日本の復興が進むにつれて、物質文明が浸透、北海道にも大型農具が入り込んで行く中、彼の生活も変化、そして彼の作風も激変する(いわゆるモダンアート的になる)。しかし彼の中には苦悩があった。そんな中、彼はなぜか自身の死を予感していたのだという。そうした彼が原点に戻るためのように描き始めたのが表題作だという。しかしその途中、彼は風邪をこじらせて、1970年(享年32歳)に呆気なくこの世を去ってしまうのだという。

 なにやら芸術的に新境地に到る前に終わってしまったという印象の画家。番組で紹介された彼の経歴からは、本職の画家としての修業をした履歴がなかったと言うことは、独学の画家だったのだろうか。表題作で一端原点に回帰した後の彼が、どのような作品を創出するかは非常に興味深かったのだが、夭逝したのが惜しまれる。

 

8/19 大原美術館

 夏休みの美術館企画の第4弾は大原美術館である。この美術館は私立の美術館なのだが、そのコレクションのレベルの高さでは全国的に知られている。

 この美術館が設立されたのは1930年、設立したのは倉敷で紡績会社を営んでいた大原孫三郎。彼は郷土の画家に資金を与えて育成していた。その一人としてヨーロッパに留学したのが児島虎次郎だった。しかし彼はそこでヨーロッパの美術館や画廊を巡っているうちに、日本の若者に本物を見せたいとという思いに駆られて、大原に絵画の購入を頼む。そして大原はその願いに答えて絵画の購入を決定する。それ以来、虎次郎は自らの鑑識眼に従って、多くの名画を購入する。その虎次郎が購入した絵画が、今日のこの美術館の中核となっている。それらはもはや今日ではとても集められないといわれているものだ。

 日本にやってきた本物の西洋絵画は多くの芸術家に大きな影響を与えたという。しかし虎次郎自身は美術館の設立を見ることなく、開館の1年前にこの世を去ったという。

 今日では虎次郎は画家としては名前はほとんど残っていない。ちなみに彼の作品は大原美術館(虎次郎の作品を展示した記念館がある)や成羽町美術館で見ることができる。私は両方とも行ったが、虎次郎の作品については、確かに上手な画家であるが、突き抜ける前に終わってしまったという印象を受けた。47歳という若さで早逝したのと、自分の画業よりも作品収集を優先したということが響いているのだろう。

 今回は大原美術館の宣伝と、さらに国立近代美術館で開催される大原美術館展の宣伝を兼ねていた。なお私は近いうちに大原美術館を再訪しようと考えていたのだが、それでなくても観光客の多いあの美術館が、これでさらに観光客が増えたらかなわんなというのが本音。美術館は経営が危なくなるぐらい閑散としたら問題だが、野次馬的な観光客があふれるというのも迷惑な状態である。このあたりのバランスが難しい。

 

8/12 丸亀市猪熊弦一郎現代美術館 

 夏休みに突入してからのこの番組は「美術館訪問シリーズ」と銘打って、地方美術館の宣伝に邁進しているが、今回はもろに美術館の名前を副題に冠してきた。それはこの美術館自体が猪熊弦一郎の作品といっても良いからのようである。

 この美術館は彼の作品を初期から晩期まで通じて展示しているが、そもそも美術館内に順路というものを定めていないのだという。彼は作風がコロコロ変わっているようなので、どこから見るかで印象がガラッと変わりそうである。

 最初期の彼は卓越した描写力で写実的色彩の強い絵画を描いていた。それが35歳でフランスに渡ってマチスの影響を受けた絵画を描くが、自分の絵が描けていないという悩みに落ち込む。帰国後、一度それまでに積み上げたものを放棄して、再び全く異なる絵を描き始める。そして具象を完全に捨て去るために、50歳代でニューヨークに渡ってモダンアートの作家としてやり直したのだという。その間に最愛の妻を失って一時創作ができなくなる時期があったが、その後、人の顔に興味を持つようになって再び顔の造形にこだわった独自の作品を制作するようになった。

 以上が彼の作風の流れのようだが、行き詰まった芸術家がたどる典型的な道を彼も辿ったようである。まあモダンアート全般に非常に懐疑的な私としては、彼の作品はだんだんとおもしろくない方向に向かって行っていると言わざるを得ないんだが・・・。

 さて今回の番組だが、以前に滋賀県立近代美術館を紹介したときの続編という作り方をしていた。主婦が突然に思い立って美術館に出かけるというパターンである。これは東京から四国といえば非常に遠く感じるが、実際は新幹線などを使えばすぐに行けるんだよというPRである。確かに時間的にはそうなのだが、旅費が・・・。まあ彼女は、金には全く不自由していなくて暇のある主婦という設定なのだろう。

 ただ、番組全編を通して彼女の異常にベタベタしたせりふ回しがやけにかんにさわった。あの女優さんの素でのしゃべり方なのか、役作りなのかは分からないが・・・。

 

8/5 丸木位理・丸木俊作「原爆の図」

 表題作は埼玉県の美術館に収められている。画家夫婦が描き続けた原爆の地獄図である。夫の位理は日本画家、妻の俊は洋画家であった。戦争前に結婚した二人は、絵本の挿し絵書きなどで生活を立てていたが、東京の空襲が激しくなってきたことから広島に疎開しようかと考えていた矢先に、あの原爆があったのだという。広島は位理の故郷であったことから、二人はすぐに広島に向かい、そしてあの地獄を目の当たりにしたのだという。

 そして彼らが東京に帰ってきた9月には既に戦争は終わっていた。画家達はこれからは明るい絵を描こうと言っていたが、彼らはどうしても描けなかったという。そして3年後、二人の口から出たのは「原爆を描こう」という言葉だったとか。

 洋画の油と日本画の水が争っている絵画と番組では説明していたが、確かに凄まじい絵画である。彼らが目にした地獄をなんとかして人に伝えようと駆り立てられているのが切実に感じられる。あの戦争を体験した者の中には、未だに突き動かされている者も少なくないと言う。

 ただ問題は体験者がいなくなった後だ、今の日本の政府は将来の戦争に国民を駆り出すため、過去の戦争の美化に必死であるが、体験者が消滅すればその美化は一層進むだろう。20年後辺りには、原爆投下は存在しなかったなどと言い出しているのではないかという気さえする。

 

7/29 棟方志功作「御吉祥大弁財天御妃尊像図」

 表題作は青森を代表する版画家・棟方志功の晩年の肉筆画である。独特の力強い版画で世界的名声をなした棟方志功だが、肉筆画や油絵なども残している。彼は元々ゴッホの絵を見て強い感銘を受けており、自分はゴッホになると言って油絵を描いていた時期がある。しかし結果として彼の油絵はものにはならなかった(番組では西洋の物真似をすることに疑問を感じたというような解釈だが、実際は彼は視力が弱いせいで遠近法などがどうしてもうまく描けず、油絵画家としては行き詰まったようであるが)。そして彼は倭画(やまとが)と呼ぶ日本画の顔料などを用いて日本の素材を描く絵画に至った。この色彩の爆発の奥には、彼が好きだったねぶたの影響が見られるという。

 ちなみに油絵はものにならなかった棟方志功だが(棟方を認めた柳宗悦でも「棟方の油絵だけは良くない」と言っていたそうな)、本人が一番楽しんでいたのは油絵だったとか。仕事と趣味の違いのようなものなんだろうか?

 なお棟方志功の倭画は、私は今年の春に新見美術館の「長谷川富三郎と棟方志功展」で目にしている。その時のレポートには以下のように記している。

 棟方志功といえば版画が圧倒的に有名で、私としては彼の直筆画は初めて見る(油絵は以前に見たことがあるが)。題材やタッチは版画とほとんど同じであるのだが、線の柔らかさが出る分、彼の本来の芸術性がより鮮明に反映しているように感じられる。私は彼の版画作品からは素朴さの次に力強さを感じていたのだが、彼の直筆画を見ると、本来の彼の持ち味は柔らかさと暖かさだったのだと思い至らされた。版画とは違う味わいを感じさせられる。

 棟方志功の版画作品は、私は正直なところあまり好きではなかったのだが、あちこちで目にする機会が多くなってから、段々と興味を感じるようになってきたというのが実際のところ。特に上記の展覧会を見てからは、棟方作品に対する見方が若干変わり、さらに興味が増している。人間の嗜好とは変わるものである。

 ところで番組の方であるが、三内丸山遺跡の隣に出来たという青森県立美術館の明らかな宣伝になっていた。この番組によくあるタイアップ企画だろうか。ただ、この美術館に私は興味は感じたが、さすがに青森は遠すぎるというものである。信州に行くだけでも大騒ぎだった私が、青森まで遠征できるのはいつのことやら。

 

7/22 アンリ・ルソー作「私自身、肖像=風景」

 ルソーは独学で絵を学び、40才を過ぎてから画家となった人物である。技巧を感じさせないその画風から「素朴派」などと呼ばれている。

 そのルソーが42才の時に描いたのが表題作。彼が画家として身を立てていくことを考えていた時代に当たるという。真っ黒に塗りつぶした人物のシルエット、遠近法を無視したバランスの悪さ、てんこ盛りの画面、何とも言えない独特の絵画である。

 技巧の見えないその画風は、当時でも「下手くそな絵」とかなり酷評されたようである。その一方で、ゴーギャンやピカソなどが彼の絵を認めたという。また彼自身、晩年に小切手偽造で裁判にかけられたりとつかみ所のない人物だったという。その時の裁判の弁護士も、彼が本当に素朴なのかそれを装っているのかは分からないと言っているそうな。番組によると彼が頑なにその画風を変えなかったのは、ルーヴルで出会った巨匠ジャン=レオン・ジェロームが模写をしていた彼の大胆な筆遣いを誉めて「その無邪気さを保持するように」と言ったことが理由になっているとしている。

 私はルソーの人となりは良く知らないし、あまり興味はないが、彼の絵には興味を持っている。正直なところ、私も彼の絵は「下手くそな絵」だと思う(笑)。それにも関わらず何とも言えない魅力を感じるのが事実で、その下手くそさが魅力になってしまっている希有な例だと思う。多分、作者自体が絵を描くことを楽しんでいるので、その空気が作品に現れているのだろう。番組では表題作には奇妙な形をした雲が多数描かれているが、実はその雲の形は日本の地図や、日本の浮世絵版画に描かれた山のシルエットだという説が紹介されている。とにかく彼は自分の好きなものをてんこ盛りにして絵を描いたようである。

 コメディアンは自分が笑ってしまうと客を笑わせないが、芸術家は自分が楽しんでいないと人を楽しませられないと言うことだろうか。もっとも楽しませるだけが芸術家ではないのだが。

 なおこのことは番組では言っていないが、ルソーについては現存している作品が極端に少ないということである。それはやはり、当時の世間の評価が「単なる下手な絵」というものだったために、作品がまともな扱いを受けずに損傷して消滅してしまった例が非常に多いのだとか。無理もない話ではあるのだが。

 

7/15 ジャン・シメオン・シャルダン作「赤えい」

 先週は録画予約を仕掛けて出かけたPCが留守中にハング、録画失敗という羽目になってしまった。伊藤若沖はこの夏に京都国立近代美術館で展覧会があるから見たかったのに・・・。全くあてにならないPCである。

 で、気を取り直して今週であるが、今回の表題作は変わった絵画。腹を割いて内蔵を引き出した赤エイとキッチンの小物、猫などを描いた静物画である。しかし妙にリアリティがあり、一瞬ギョッとさせられる絵画。

 この作者のシャルダンは日本での知名度は今一つであるが、現地のフランスでは絵画史上忘れてはいけない画家としてあげられる人物だという。

 彼が活躍したのは18世紀。1699年に家具職人の家で生まれたシャルダンは、自らの医師で画家を目指し、19才で当時の人気画家のピエール・ジャック・カールに弟子入りする。そこで彼は毎日師匠の絵画を模写する修業を続ける。当時の芸術界ではそのような修業を重ねて歴史画家になるのが一番の出世コースだった。しかし彼はその修業時代に台所に吊された兎の死骸に魅せられて、静物画に向かっていくことになる。そして描いたのが表題作であるが、その技倆に見る人々は圧倒され、それが話題になり、彼は王立アカデミーの正会員になり、画家として収入を得ることが出来るようになったのだという。

 その後も彼は静物画を描き続けた。彼の言葉として残っているのは「絵を描くのにはサンティマン(心)を持って描くのだ」というものがあるという。実際に彼の静物画の描き方は、画題と対話するかのようであったという。だから彼の絵画はタッチが荒いにもかかわらず、命が通っているかのように見えるのだという。

 なんとも言えないインパクトのある絵画である。確かに精緻な絵画というわけではないのに、これだけのリアリティを感じるというのは、実はなみなみならない技倆だと感じさせる。また彼の作品はすべて非常に静かな印象を受けるのだが、これは彼自身の性格や価値観も反映しているものなのだろうか(ウサギの死体に魅せられたというのが少しひっかかったが)。

 なお番組ではルーヴルの料理人のエピソードを絡めているが、例によって番組構成上の蛇足といったところか。ところでエイって、日本では食べましたっけ?

 

7/1 京都ルネサンス

 18世紀の京都画壇は、6人の画家に代表される百花繚乱の時代だった。京都画壇の巨人・円山応挙、超文人画家・与謝蕪村、奇想の天才・長澤蘆雪、風と光の印象派・池大雅、濃厚アバンギャルド・曾我簫白、超絶技巧・伊藤若沖(怪しげな肩書きは番組より)の6人である。この時代の華々しさはルネサンス期のフィレンツェにも匹敵するという。

 最初は池大雅と与謝蕪村という文人画の大家。文人画は中国の文人に憧れて出来たジャンルで、池大雅の傑作・瀟湘勝概図屏風は点描の水描画であり、100年後の印象派の登場を予言するかのような作品である。俳人でもあり絵を描いた蕪村。代表作夜色楼台図は夜の景色をこれだけ描ききったのは蕪村が初めてだと言われているという。

 そしてその次に登場したのが円山応挙。番組によると彼のような画家を他に求めるならダ・ヴィンチだとしている。応挙は今まで日本になかった写生を日本画に持ち込んだ人物である。彼の残している写生帳には極めて精密なスケッチが残されており、これはダ・ヴィンチにも通じるものであるという。ダ・ヴィンチは人体の理解のために解剖を行ったと言われているが、応挙も腑分けに立ち会ったと言われているとか。また応挙は視覚効果を意識したエンターティナーの要素もあったという。彼の元には多くの弟子が集まり、後に円山派といわれる一派をなす。その弟子の一人が長澤芦雪。しかし彼の作品は師の作品と異なる強烈な個性を持っている。

 これに対して大酒飲みの無頼派が曾我簫白。彼の代表作の群仙図屏風は極彩色の色彩が強烈な違和感を放っているとんでもない作品である。当時の京には誰にもよらない進取の気風が満ちており、簫白の独自の作品はその時代の空気を映しているのだという。彼には計算づくのパフォーマーの要素も見えるという。

 で、若沖は次回とのこと。

 この時代の京都画壇をルネサンスにたとえるのはある意味的を射ていると感じる。なおまさにこの6人の作品を並べた展覧会が、今年の4月に京都国立博物館で行われていたので、それについてのレポートを転載しておく。

 

「18世紀京都画壇の革新者たち」京都国立博物館で4/9まで

 本展は先にサンフランシスコのアジア美術館の展覧会に出展されて好評を博した作品の帰国に合わせ、その出展作を2週間だけ公開したものである。出展作は円山応挙、長沢芦雪、池大雅、与謝蕪村、伊藤若沖、曾我簫白など18世紀の京都画壇を代表する蒼々たる画家達の作品である。

 日本の文化史では18世紀は元禄と化政の間の端境期で、文化的には低調な時代と見る向きもあるらしいが、それはあくまで江戸を中心とした考え方であって、この頃の京都では先の個性的な画家達がその技を競い合っていたという。本展では先の6人の作品をそれぞれまとめて展示してあるので、個々の個性が際立っている。「写生」の応挙に「奇想」の芦雪、さらには独創性では群を抜いている簫白と、各々が自分の世界を強烈に主張しあっているのが、見ていて実に楽しい。

 やはりひね者の私には、芦雪や簫白のようなあくの強い作家の作品の方が基本的には趣味に合うのだが、意外なことに本展では日頃大して面白味を感じていなかった池大雅や与謝蕪村の作品にもかなり興味を惹かれた。これは出展作のレベルが高いためなのかもしれない。とにかく私は、見ながら「面白い」を連発してしまったのが本展である。花見シーズン真っ盛りの京都という、美術鑑賞に出かけるには最悪の場所と時期であるが、それをおしてでも出かけるだけの価値を感じさせられた内容であった。

 

 また曾我簫白は私にとっては、去年に「曾我簫白展」を見てから強烈に魅せられた画家である。この時に群仙図屏風を目にした時は、確かに私もめまいを感じたのを覚えている。この時のレポートも転載しておく。

 

「曾我簫白 無頼という愉悦」京都国立博物館で5/15まで

 曾我簫白は18世紀の京都で活躍した画家で、同時代の画家としては伊藤若沖が存在する。簫白は当時から奇想の画家として知られ、その強烈に個性的な画風と、狂人をも思わせる人となりで異才を放った人物だという。

 全く何と表現して良いか困る画家である。とにかくうまい。驚くほどうまい画家であるが、これまた呆れるぐらいに変なのである。彼の筆にかかると聖人や仙人なども単なる狂人や酔っぱらいのようになってしまうのだが、なぜかそこには全く嫌みがなく、狂気さえ漂って見えることがあるにもかかわらず、なぜか楽しげなのである。恐らく彼は常に人間の本質を見据えていたのだろう。嘘くさい説教話などは笑い飛ばしているかのような豪快さがある。本展は「円山応挙がなんぼのもんじゃ!」というキャッチコピーがついているのだが、確かにこのコピーが言い得て妙である。彼の作品を見てしまうと、応挙の作品が嘘くさくて軟弱に見えてしまったりするのである。

 圧巻は代表作とも言える群仙図屏風である。極彩色と墨絵表現が混在する画面に奇々怪々な仙人らが並んでいる。ダイナミックであり、グロテスクでもあり、それでいて妙にユーモラス。これだけは百聞は一見にしかずとしか言いようがない。正直なところ、私はこの作品を前にして、そのあまりの強烈さにしばし唖然としてしまったというのが現実である。日本画というものに対する思いこみを根本から破壊してしまうパワーがそこには潜んでいる。こんなとんでもない奇才が、かつてこの国に存在したのか・・・。

 

 なお若沖については次回とのことだが、どうやら7/4から東京国立博物館で開催される「プライスコレクション「若冲と江戸絵画」展」と完全に連携した企画のようである。この番組ではよくあるパターンだ。なお関西では9/23〜11/5に京都国立近代美術館で開催されるので、それまで楽しみにして待つべし。

 

6/24 葛飾北斎作「琉球八景」

 江戸時代、琉球とは日本にとっては一番身近な外国であった。琉球の使節が将軍の元を訪問するいわゆる「江戸登り」は、江戸庶民の異国情緒を盛り上げ、一種の琉球ブームのようなものがあったという。

 そんな時に北斎が描いたのが琉球八景。琉球の風景の紹介のような絵画である。しかしよく見るとおかしい。雪の光景があったり、果ては琉球から見えるはずがない富士まで描かれているのである。

 しかしそれにも関わらず、描かれている風景自体は実際の那覇市の近くにある実在の風景ばかりである。当時は鎖国下でさすがの北斎も琉球を訪れたはずがあるわけはない。北斎がこの絵を描けたのには理由があるという。

 1756年に中国から琉球に向かった使節一行が嵐で久米島沖で難破、久米島の島民達に救われたという。無事に琉球に到着できた使節団は琉球国志略という報告書がまとめられたという。そして75年後にこの報告書が江戸に流れ、北斎の眼にも入ったのだという。この報告の中に那覇市の光景を描いた球陽八景があった。それはまさ報告書用の味も素っ気もない記録図であるが、これを元に北斎は大胆な味付けをしたのだという。

 これこそは北斎の洒落っけであり、当時の江戸の庶民はこの北斎の絵で異国への思いを掻き立てられたのだろうという。

 北斎とは実に様々な絵画を描いているが、琉球の風景まで描いていたとは驚かされる。どうやって描いたんだろうと思っていたが、聞いてみれば納得ではある。北斎は画家としては流行画家であるから、しっかりと常に売れ線を狙っているわけであり、この作品もそういう営業的意図があるんだろう(版元からの依頼か?)。いかにもインチキ臭い絵なんだが、それでも作品としてまとまるのはさすがに北斎たる所以。

 

6/17 サント=シャペルのステンドグラス

 パリのシテ島にある最高裁判所の敷地の中に、パリの宝石箱と呼ばれるサント=シャペルがある。ここのステンドグラスはまさに世界最高峰と言われる作品だという。

 これを作らせたのはルイ9世。敬虔なキリスト教徒であった彼は、キリストの聖遺物を手に入れるという野望を抱き、国家予算の半分をかけてキリストが磔にされた時にしていたイバラの冠の入手に成功したのだという。この聖遺物を収蔵するために建設されたのがこのサント=シャペルで、47ヶ月という当時として信じられないスピードで建設されたという。パリ中の大工や石工が集められ、ステンドグラスにはパリ市内の3つの工房から15人の職人が動員されたという。

 そしてこの礼拝堂を建設した後、ルイ9世は突然に十字軍の遠征に妻を伴って出陣したという。これは実は母親から逃げるためだったとか。彼は12才で国王に即位しており、母親はその時から摂政として彼を守っていたという。しかしこの母が妻と折り合いが悪かったのだという(よくある嫁と姑の問題である)。妻を伴って出陣した彼は、そこで子供をもうけ、結局はそのまま外地で病死し、後に聖人に列せられたという。

 なんかよく分からんが、ルイ9世が宗教的情熱の強い人物だったということだけはよく分かった。なおステンドグラスについては、確かに凄いと思うんだが、宗教色の強すぎるものは私はちょっと・・・ってのが本音だったりする。

 

6/10 靉光作「眼のある風景」

 東京国立近代美術館に収蔵されている絵画が表題作。日本のシュールリアリズムの魁となったと言われている絵画である。何やら正体不明の固まりが存在する中にある眼が妙にリアルで不気味な作品である。

 描いたのは靉光。本名・石村日郎。戦争中に外地で死亡した画家である。明治40年に広島の農家で生まれた彼は、貧乏のために父の弟の家に養子に出されたという。そこで彼はかわいがられたものの、常に孤独を感じていたという。10才の時には既に並はずれた画才を示した彼は、16才で大阪の画塾に通い始めたという。この頃に名乗った名前が靉川光郎で、それが略されて後に靉光となったのだという。

 翌年に上京した彼だが、彼はその画で友人たちを驚かせたという。彼の画風は目まぐるしく変化し、午前と午後で全く異なる画を描くと言われたという。当時は日本では西洋の影響が非常に濃厚に現れていたが、彼の作品もゴッホ風になったり、ルオー風になったりとコロコロと変わったという。しかし画才があってどんな画風でもこなせたことが彼にとって不幸になる。彼は自分自身の画風が分からなくなって、それを追究する泥沼の苦悩に陥ったのだという。

 泥沼の苦悩の中で彼がモチーフとして描き続けていたのがライオンだったという。そこに描かれているライオンは、既に原型を失って彼の心の中を反映した姿になっている。そして実は表題作にはそのライオンのスケッチの断片が見られているのだとのこと。彼はこの作品で画壇の評価を受けるが、そこでとどまることなくさらに前へと進み続け、次には自画像を残しているという。しかしその後、戦争に召集された彼は、中国の戦地の病院で半ば餓死同然で死亡する。また彼が残した作品の多くも、広島の原爆で失われたという。

 下手に才能があるばかりに自分のスタイルが分からなくなるというのは、画の世界に限らず創作全般でよくあることのようである。文章の世界でもいろいろなスタイルを自由に使いこなすライターが、自分の本来の文体が分からなくなってスランプに陥るということがあると聞いたことがある。それに比べれば、私などは才能が少ないせいで自分流のスタイルしか使えないので、そのような泥沼に陥る心配はないが(笑)。

 また修業時代に何かを手本にして修業した者は、そこから離脱して自分流のものを加える時に大きな壁があるともいう。盗作騒動で大騒ぎになった和田某氏は、そこの過程で自分流のものを全く加えられなかったのだろう(彼自身は加えたつもりだったのかもしれないが、残念ながらそれはあまりに些少すぎて他人には全く理解できないレベルだった。)。これについても私の場合、あまりに技術がなさすぎるせいで他人の忠実な真似をすることが出来ず、何をやっても自分流になってしまうので、こっちの心配もないようだ(笑)。下手に才能があるとかえって泥沼にはまるということである。

 靉光の名前は聞いたことがあったのだが、作品をあまり見たことがないと感じていたら、どうやら大半の作品が戦争で失われてしまったとのこと。こういう点を考えても、戦争って人材と資源の浪費なのである。

 

6/3 アンリ・カルティエ=ブレッソン作「サン=ラザール駅裏」

 アンリ・カルティエ=ブレッソンは愛用のライカで世界中のあらゆる風景を撮影してきた写真家である。表題作はその彼の代表作。駅裏側の大きな水たまりを男が飛び越えようとした瞬間をとらえている。しかしこの男の努力も空しく、既にその前足は水面に落下する寸前、この写真を見る者には一瞬後の舞い上がる水しぶきまで目に浮かぶように思われる。

 アンリ・カルティエ=ブレッソンの写真は構図がかなり計算されたしっかりしたものであることが特徴だが、これは彼が元々画家志望だったことと関係すると見られるという。彼は最初は画家を目指して絵を描いていたが、途中で写真に転じて、彼は自身の絵画のほとんどを処分してしまったという。しかし残されたたった2枚の作品からだけでも、彼の形態に対するこだわりが見える。

 彼の写真は「どうやって撮ったんだろう」と疑問を抱かさせるものが多いが、彼と同じくライカを愛用したスナップの名人・木村伊兵衛が彼の撮影の仕方を目撃しているという。アンリ・カルティエ=ブレッソンの友人だった彼によると、「主題に向かってカメラの位置が決まると、凄いほど神経を使って経験と勘で画面構成の段取りを作るらしくみえた。シャッターを切る瞬間は全神経が眼に集まるのではないかと思われるほど、眼もとにカメラがピッタリくっつく。その速さは驚くほどである。だから相手に勘づかれない。」とのことである。彼は町中をライカを持ってうろつきながら、瞬時に撮影をすませていたらしい。だから彼は、ビロウドの手と鷹の目を持つ男と言われていたらしい。

 表題作であるが、この写真については唯一彼が被写体を待ちかまえて撮影した写真だという。実はオリジナルのプリントからトリミングしてあり、柵の間から撮ったのが分かるという。彼は水たまりを越えていく人々を見て、面白い構図だと考えてモデルを待ちかまえていたらしい。そこにたまたま男が通りかかった瞬間をとらえたのが表題作だとか。

 ライカなどの小型カメラを愛用する写真家は、大抵は被写体に対して撮影されているというプレッシャーをかけないことで、自然な写真を撮影することを目的としている。彼の写真を見た時にはそのような自然さと、対称的に極めて構図を意識して仕込んだ写真という雰囲気が同居していたので、そこのところに強烈な違和感を感じたのだが、それは彼のたぐいまれな観察眼によって成し遂げられていたらしきことが何となく理解できた。やはり彼は計算をしながら写真を撮影していたのだが、それは我々凡百の人間には不可能な一瞬で行われていたのか。かなり納得である。やはり私では100年かかっても、彼のような写真は撮れない。

 

5/27 竹内栖鳳作「斑描」

 竹内栖鳳は京都四条派の流れを汲む日本画家である。彼は14才の時に四条派の流れを汲む幸野楳嶺の元に入門し、彼の指導法は師の手本を徹底的に模写するというものだったが、彼はそれに飽きたらず、京都や奈良の歴史的名作を次々と模写していった。そんな栖鳳が描いたのが「松韻流水」。この絵は円山応挙を土台に狩野派の松に雪舟の岩が配されており、画壇の反発を招いて、彼は鵺と呼ばれたという。しかし栖鳳自体はそんな批判は全く相手にせず、自分の世界を突き進んだ。

 写実にベースを置いた栖鳳は写実のためのモデルを必要としたので、彼の家は常に動物にあふれており、ひたすらそのスケッチに励んでいたという。表題作のモデルになった猫は彼が沼津の八百屋で出会い、画と引き替えに引き取ったものだという。彼はその猫のことを「徽宗皇帝の猫」と語ったという。

 また栖鳳は36才の時に、西洋画家でも珍しかった渡欧をした。そこで彼は西洋画の写実のテクニックを徹底的に学び、また動物園で初めて出会ったライオンのスケッチに励み、これがまた彼の新しい日本画につながったという。リアリティを追求した洋画の手法の導入が、彼の写実をさらに高次元のものに発展させたのである。表題作もそのような流れを受けているとのこと。

 やたらに山種美術館のことを強調するなと思っていたら、今回も宣伝企画だったようである。近日中に山種美術館でこの絵が公開とのこと。ちなみに山種美術館は私も一回だけ行ったことがありますが、小規模ですがなかなか良い美術館なので関東の人は是非とも、関西の人も機会があれば行ってみればよろしいでしょう。ただ関西の人間で土地勘のない私には、場所がかなり分かりにくかったので、初めて訪れる人は事前に地図をよく見ておく方が良いでしょう。

 さて竹内栖鳳の画ですが、私には特別に強烈な印象は残っておりませんが、番組中で登場した獅子の画はどこかで見た記憶があります。その時には「日本画?」って思ったのですが、やはり西洋画の影響を受けていたらしくて納得。この時代の日本画家は、閉塞状況を打破しようといろいろな試みをしていましたから、竹内栖鳳の試みもその一環だったのでしょう。こういう苦闘をしている画家の作品は概して面白いです。

 

5/20 パウル・クレー作「ドゥルカマラ島」

 スイスのベルン郊外に最近完成したのが、パウル・クレーの作品を収めたパウル・クレーセンター。そこに収蔵されているのが表題作である。パウル・クレーは生前に「芸術は人類の保養地」と語っていたという。この絵にはなんのメッセージを込めているのかは分からないが、なぜか穏やかな優しい絵である。しかし実はこの頃、クレーは死の病に冒されており、この作品を描いた2年後に60才でこの世を去っている。

 ドゥルカマラとは甘いという意味と苦いという意味の二つのラテン語を組み合わせたものだという。クレーはいろいろな実験的作品を制作した画家で、非常に線の表現にこだわった画家だという。またその嗜好から日本の象形文字などにも惹かれていたとか。彼は作品について詳細な記録を残しているのだが、ドゥルカマラについてはなんの説明も残していないという。

 番組では特定の解釈は与えずに、彼の生涯について簡単に説明してから、いくつかの仮説をサラッと流している(ドニゼッティのオペラとか、ドゥルカマラの実とか)。こういうスタンスは芸術ものとしては正解か。美術作品なんて、それがどういう意味かなんてことは、見た者自身が感じるしかないのだから。

 なお私はパウル・クレーセンター開設に絡んで、日本で行われたパウル・クレー展で彼の作品を見たのだが、そこに満ちている実験的精神には感心したが、ただそれは作品としての面白さとは別物だと感じずにはいられなかったが。

 

5/13 高島野十郎作「れんげ草」

 実に精緻な風景画である。作者の高島野十郎は明治23年に福岡県久留米市の大地主の家に四男として生まれた。本名は弥寿といい、野で果てることを願って後に自ら野十郎と名乗ったという。彼は独学で絵を描き、美術学校には通わず、東京農学校を首席で卒業したという。彼はその傍らで絵を描いていたわけだが、若い頃に何かがあったと言われているがその謎は未だ解けていないという。彼は裕福な実家も、学歴も、すべてを捨てて生涯独身で世捨て人のような生活を送ったという。

 彼は終生絵を誰かに学ぶことなく独学で描き続け、その画風は写実に徹していた。39才の時に3年ほどヨーロッパに渡ったが、それでも画風は全く変わらなかったという。1960年、道路拡張のために青山から立ち退きを迫られた彼は、柏市の郊外の松尾に小屋を建てて自給自足の生活を送っていたという。

 彼が17年の歳月をかけて描き上げた「雨 法隆寺塔」という作品があるが、この作品は二度の災難に遭っている。一度目は盗難に遭いカビだらけの無惨な姿で発見され、二度目は火災にあって焼けこげてしまった。しかし彼はキャンバスの裏側にまで油絵の具を塗ってキャンバスを保護するなどの細かい作業をしていたため、修復不可能と言われていたにも関わらず、修復に成功したという。修復に携わった東京藝術大学名誉教授の歌田眞介氏によると、こんな作業をしている例は見たことがなく、画家の永久に残したいという執念が感じられるとのこと。結局、野十郎は85年の生涯を絵画にかけて終えたという。

 何やら凄まじいまでの生き方が浮かんでくるのだが、それと対称的にその絵画は極めて静かで美しい。恐ろしいまでの写実への執念がこの静かな画面を呼んでいるのだろうか。個人的には非常に好感を感じる絵画であるので、一度福岡県立美術館に行ってみたいとは思うのだが・・・やはり遠すぎる。

 

5/6 ジャック=ルイ・ダヴィッド作「サン=ベルナール山からアルプスを越えるボナパルト」

 まず先週ですが録画失敗です。放送時間が変更になっていたため、番組が始まった時にはタイマー録画が終了してしまっていました。むやみやたらに放送時間は動かさないでもらいたいものです。

 さて今回のテーマであるが、誰もがナポレオンの肖像と言えば思い出す有名な絵画である。これを描いたのは「革命の画家」と言われたダヴィッド。彼はフランス革命の動乱期に活躍し、劇的表現などで人気を博したようであるが、肖像画も多く残しており、表題作はその一つである。

 この作品が描かれたのは、彼がナポレオンと直接に出会ったことをきっかけに制作されたものだという。ただ彼はナポレオンを直接にモデルにして描いてはいない。ダヴィッドはナポレオンを直接に描くというよりも、自身の理想にある英雄の姿を映して描いたのだという。だからこの絵画自体の内容は嘘である(ナポレオンは山越えの時には馬を使わずラバに乗ったという)。

 しかしこの絵の出来が気に入ったナポレオンはダヴィッドに同じ絵を作ることを依頼したことから、同じ構図の絵が6枚存在するという。

 ナポレオンはいわゆるマスコミ受けを気にした政治家であるので、宣伝効果を十二分に計算していただろう。なおちなみにナポレオンの残っている肖像画は、すべてかなりの美化が入っていると言われている。実際、ナポレオンは「チビ・デブ・ハゲ」だったと言われており、残っている肖像画はあまりに男前すぎるようである。まあこの時代の肖像画は多かれ少なかれプロパガンダなんだが。

 なお現在「ナポレオンとヴェルサイユ展」が開催中なので、どうも提携企画臭いなと思っていたら、その通りだった(笑)。現在は江戸東京博物館で開催中とのこと(私は神戸市立博物館で見ました)。表題作や、番組中に登場した「マラーの死」などの作品も見られるので、関東在住の方は出かけてみれば良いでしょう。

 

4/22 レオナルド・ダ・ヴィンチ作「モナリザ」(後編)

 今回はモナリザの後編。さて例の83%についてだが予想通りであった。アムステルダム大学のニク・セベ助教授が開発した肖像画から感情を読み取るソフトで、モナリザの表情を解析した結果であった。その結果は幸福感が83%だったという。

 ただ幸福感といっても、そう単純な表情ではないのは誰もが感じるところ。番組でもモナリザの微笑みは聖母の微笑みと言っている。なお母親に恵まれなかったレオナルドは、聖母の絵に母親のイメージを重ねていたという。

 また先週にも予告していたモナリザから割れやヒビを除く(色あせも修正していたようだ)プロジェクトの結果も出ていたが、恐ろしいほどに生々しい絵になった。レオナルドのとんでもない力量を感じさせられてしまう。ちなみに彼が入門した絵画の師匠は、彼の絵を見て自身が描くことはもうやめてしまったという。分かるような気がする・・・。

 

4/15 レオナルド・ダ・ヴィンチ作「モナリザ」(前編)

 今更言うまでもなく超有名なこの絵画であるが、同時に謎が極めて多いことでも有名である。どうやら今回は前後編でこの謎の一端に解釈をつけようと言うことらしい。

 レオナルドの絵画の特徴は輪郭線の否定にあるという。それまでの絵画は人物の輪郭などにはっきりと輪郭線を引いていたのだが、彼は輪郭ではなく明暗ですべてを表現しようとしたとのこと。

 またモナリザの肌の表現は極めて修復技術が難しいものだとか。彼の描く肌には筆のタッチが全く残っていないのだという。それは彼がこの絵画の肌を描くのに、薄い絵の具を何層も重ねるようにして描いているからだとのこと。彼はまさに創造主として人物をそこに甦らそうとしていたのではないかという。

 などという話が出てきたところで、あっという間に前編が終わってしまった。後編はモナリザの絵画から割れやヒビを除くというプロジェクトと83%の謎と言っていたが、この83%というのはモナリザの表情をコンピューター解析したという結果のことだろう。

 ところでこの超有名な絵画ですが、私はまだ現物に一度もお目にかかったことがないです。だから「あまりにも思った通り」と言われてもその感覚は分かりません。ルーブルまで行ってくる暇も金もないし(笑)。

 

4/8 藤田嗣治作「ライオンのいる構図」

 藤田の絵画の特徴は、「奇跡の色」とも言われた透き通った乳白色の肌と、油絵とは思えない細い輪郭線である。その特徴が最大限発揮されているのが、今回の表題作である。縦横3メートルにも及ぶ対策である本作は現在修復中であり、その過程でこの乳白色についても分析されたという。

 その分析によると、藤田はキャンパスに市販のものを使わず、自分で選んだ布を張ってその上に塗る下地作りから自分で行っていたという。その下地の中に彼は初期は石膏を、後には炭酸カルシウムなどを混ぜており、硫酸マグネシウムなども混ぜられているという。これらを加えることで独特の透き通った乳白色が現れると共に、彼が用いた薄墨なども定着しやすくなる効果があるのだという。

 また彼は輪郭線を描くには日本画の面相筆を用いていた。面相筆で細い輪郭線を描き、その周辺には絵の具を塗らないことで、人物が浮き立つような効果が現れるのだという。また彼の人物表現には浮世絵の影響があるという。

 多くの人物が描かれたこの大作は、実は連作の一部である。同サイズでこれに対となる作品があり、これらに描かれているのは穏やかな平和の光景である。そしてさらに2作の作品が存在し、ここには争いの光景が描かれている。実は藤田はシスティーナ礼拝堂のミケランジェロの最後の審判に衝撃を受け、自分もそのようなテーマの作品を描きたいと考えていたのだという。つまりこの連作は藤田にとっての「天国と地獄」の表現だという。

 藤田の人物描写については、描線を中心とした白っぽい表現が浮世絵的だなと前から感じていたので、それについては「やっぱりね」という印象。なお奇跡の乳白色と言われても、実は私には「猫に小判」なんだな・・・。どうも私の目には妙に白っぽいメリハリのない絵に見えちゃうだけなんで。また藤田は当時の日本の画壇からは「奇抜な服装と奇行で注目を浴びただけの画家」と見られていたというが、そういう評価になりそうなのは予想がつく。ただ私的には、その評価がもっともふさわしいのは、岡本太郎のように思えてならないが。

 

4/1 藤田嗣治作「自画像」

 フランスでもっとも有名な日本人画家と言えば藤田嗣治だという。彼はその奇抜な身なりと奇抜な行動で、エコール・ド・パリの時代を駆け抜けた一人である。

 東京の大曲で生まれた藤田は、生来のつむじ曲がりだったという。これは根性が悪いという意味ではなく、要は人と同じことをしたくないということだったらしい。幼い頃から絵を描いていたという彼が本格的に絵を描くきっかけになったのは、14才の時に彼の水彩画が日本の中学生の代表作として1900年のパリ万博で展示されたことだったという。彼はすぐに本格的にパリで修業したいと願ったが、父の知り合いの森鴎外の「とにかく日本で基礎を学んでからにした方が良い」とのアドバイスに従って、東京美術学校に入学した。当時の教授はフランス帰りの黒田清輝で、彼は明るい色彩を使う絵を好んでいた。しかし藤田は卒業制作として黒をふんだんに使って黒田に挑戦するかの画を描いた。これがつむじ曲がりなのだという。

 翌年に彼は結婚するが、黒田を中心とする日本画壇に認められなかったことから、単身フランスに渡ったという。日本で認められないのなら世界で一流になってやるとのことだったという。彼はそこでモディリアーニやピカソなどエコール・ド・パリの画家達と知り合う。彼はそこで多くの画家の影響を受けながら、自分のスタイルを確立していく。そしてパリに来て4年目、1917年にようやく初めての個展を開く。ここで一躍彼の作品は注目を浴びる。しかしここでも彼はつむじ曲がりを発揮し、当時のパリで全盛だった鮮やかな色彩で荒々しい絵を描く手法に反発し、地味な色彩を中心とした表題作を発表したのだという。この作品はベルギー王立美術館に購入された。そして藤田はパリの寵児となっていくのだという。

 以上、今回は藤田の前編に当たるとのこと。なお先週に国立近代美術館の藤田嗣治展との連動企画ではないかと言っていたが、もろに連動企画でした(笑)。招待券がプレゼントされるとのことなので、東京地区の人は応募してみるのがよろしいかと思います。関西地区の人は5月末に京都国立近代美術館に、中国地区の人は8月に広島県立美術館に巡回があるようなので、それまで我慢しましょう(笑)。

 藤田はつむじ曲がりだとやたらに番組では強調していたが、彼の心情は非常に理解できるな。私も「他人と同じことをしていても面白くない」と感じるたちなので。で、こんな大抵の人が相手にしないような番組ばかりを扱ったページを開いているわけです(笑)。どうも私も生来のアンチメジャー精神だけはどうにもならないようです。

 

3/25 長谷川潔作「時 静物画」

 長谷川潔は版画の世界を代表する巨匠とも言われている銅版画家であり、「ビロードの黒」とも呼ばれたその黒の質感で知られているという。彼が日本での知名度が今一つ高くないのは、フランスに渡ってそのまま日本に帰ってこなかったことによるとされている。

 彼の名を世界に知らしめた技法が「マニエール・ノワール」だという。銅版に細かい線を加えて、そこにインクを入れることで独特のビロードのような質感を出すのだという。これか彼が復活させた技法だという。

 明治24年に横浜で生まれた彼は、27才で版画の勉強のためにフランスに渡り、技術的な部分を技法書を読みながら独学で銅版画の技術を習得したという。彼はその過程でマニエール・ノワールの技法も復活させたのだが、この技術は非常に刷りが難しいので、刷り師の方も作家の意図を十分に組んだ上で高い技術を持つ必要があったという。

 だがやがて第二次大戦が勃発、日本がフランスの敵国となった中、多くの日本人芸術家は日本に帰国したが、現地で結婚して子供持っていた彼は、フランスの地にとどまったのだという。彼は家族のこともさることながら、彼自身の芸術のためにもこの地を離れることが出来なかったのだという。

 フランスに残った彼は、収容所に収容されたりなどがあったようだが、戦後に作風を一変させ、ビロードの黒を背景にした黒い銅版画を確立する。銅版画は本来は白を背景に黒い線を浮かび上がらせるものであるから、全く逆のことをしたわけである。しかし1970年、ずっと一緒に仕事をしてきた刷り師のケヌヴィルが亡くなったのを機に、彼は制作を止めてしまう。彼の意図を理解した上で彼の作品を刷り上げることができる人物はもはやいなかったのだという。

 私が彼の版画を見た時に「奇妙だな」と思ったのは、黒と白が反転していたことだった。通常、銅版画はもっと白いものである。だから雰囲気はまるで木版画みたいなのだが、木版画ではあんなに細かい線を再現することが出来ないので、それで奇妙だと感じたのである。なお木版画でも細かい線を出せる木口版画などがあるが、それでも木版画の線はあくまで白であるので、やはり逆なのである。

 しかし版画作品もこうも高度なものになると、やはり現物を見ないと分からないだろう。いつかまた横浜美術館を訪問するとするか・・・といっても、関西在住の私にはそう簡単ではないが。それにしてもこの番組って、やっぱり美術館にとっては最大の宣伝番組だな。次回の藤田嗣治にしても、国立近代美術館で藤田嗣治展が開催されるのと明らかに連動してるし(笑)。まあ健康番組がサプリの宣伝番組になるのはとんでもないが、この番組が美術展の宣伝をするのは、観客を増やす意味でも大いに結構である。

 

3/18 青柳喜兵衛作「天翔ける神々」

 何とも奇妙な絵であるが、やけに胸に迫ってくる印象のある絵である。それはこの絵に作者の思いがこもっているからかもしれない。

 作者の青柳喜兵衛は明治37年に博多に生まれた画家である。青果問屋の息子として生まれた彼だが、幼くしてすぐ下の妹と姉、さらに母をも病気で失った彼は、おもちゃの世界に遊ぶようになった。彼にとっては玩具は決して彼を置いてはいかない。孤独な彼にとっては玩具が心の癒しだったのだという。そうして彼が絵を描くようになったのはこの頃からだという。

 その後、画家になった彼は23才で結婚する。しかしここでまた彼を不幸が襲う。待望の長男をわずか1才で病で失ったのだ。失意のどん底にいた彼を救ったのは舞い込んだ仕事だったという。彼に舞い込んだ仕事は、新進気鋭の作家・夢野久作の新聞連載小説の挿絵だった。彼はそれまで小説の挿絵の常識を覆して、幻想的な小説の雰囲気に合わせた幻想的な挿絵で評判を呼ぶ。また長女、次男をもうけ彼に幸福が訪れたかに思われた。

 しかし再度の不幸が彼を襲う。次男がわずか3才で病没したのだった。表題作はそのやりきれない気持を彼がぶつけたものだという。だからこの絵は、ごく普通の事物を描くことが多いの彼の絵には珍しい趣を持っているのだという。またここに配された多くの玩具は彼の幼い頃の記憶と被っているという。決して自分の元を勝手に去ることはない玩具に、彼は幼くしてあの世に旅立つた大切な息子を託したのだった。

 だが彼自身もまるで息子を追うかのように、この絵を描いた翌年わずか34才で結核で命を落としたという。

 なんとも切ない話だが、この時代の医療事情を考えると、子どもの病死というのは決して珍しいことではなかったというのが実情である。この絵から漂う奇妙な明るさは、その影に大いなる悲しみを秘めた明るさだったということである。私が作品から強烈に感じた違和感はそこにあったのか。やっぱり作者の魂って、作品に反映するものなんだな・・・。

 

3/11 シュザンヌ・ヴァラドン作「シーツを手にした裸婦」

 シュザンヌ・ヴァラドンはユトリロの母として知られる人物だが、彼女自身も画家であった。ただ彼女は最初から画家だったわけではない。パリに出てきた彼女は最初はモデルとして多くの画家に描かれていた。彼女を描いた画家はルノワール、ロートレック、ドガなどそうそうたるメンバーである。しかし絵のモデルをしている内に、彼女は見よう見まねで自らも絵を描き始めたのだという。ロートレックは彼女のデッサン力に驚き、ドガはその絵を買い上げ「恐るべきマリア」と評したという。シュザンヌという名は本名ではなく、その頃につけられたニックネームだという。

 やがて彼女は妊娠する。奔放な彼女は多くの画家と浮名を流していたので、その父親が誰かは分からなかった。そしてこの息子がユトリロである。しかし彼女は息子の世話は母に任せてやはり奔放な生活を行っていた。ユトリロは母に放任された寂しさから、18才にして重度のアルコール中毒となり、その頃に治療の一環として絵画を描き始める。

 ある日、酔いつぶれたユトリロを一人の若者が担いで帰ってきた。それはユトリロの親友の画家であるアンドレ・ユッテルだった。この時44才のヴァラドンは23才のこの青年に惹かれ、2人は同居を始めることになる。

 この頃からヴァラドンは画家としてさらに開花したのだという。力強い色彩で描かれた逞しい肉体が彼女の絵画の特徴であるという。特に彼女の裸婦像は男性とは全く違う感覚で描かれており、独自なリアリティがあるとのこと。

 一方、ユトリロはこの同居生活からさらに精神が不安定となるのだが、皮肉なことに創作の方ではこの頃が最も実り多い「白の時代」となる。

 彼女についてはいろいろと話はあるが、実際のところは息子の稼ぎで遊びまくっていたというのが実態らしいのだが、ユトリロは強度のマザコンだったから、母親に対する崇拝は絶対的なものだったらしい。ただ私は彼の作品を見ていると「悲しい画家だな」というのは感じずにはいられない。というのも、晩年に向かって露骨に涸れてしまっているからである。ユトリロの「白の時代」の作品は面白いと感じるが、それ以降の時代の作品は私にとってはあまり面白くなかったりする。

 さてヴァラドンの方だが、私としてはやっぱりユトリロの母という以上のものはないというのが正直な印象。女性の描く裸婦像というのは確かに珍しいが、だからどうだとなると、うーん。

 

3/4 伝・左甚五郎作「眠り猫」

 今回の表題作は有名な日光東照宮にある左甚五郎の作だと言われている彫刻である。東照宮の建設には39万人の彫物師が動員されたと言われているが、その中で名前が残っているのは左甚五郎ただ一人である。

 しかしこの左甚五郎、天才的彫り師として数々の伝説が残っているが、その正体は全くの謎である。狩野永徳の弟子だったという説や、飛騨の大工だったという説など様々な説があり、実は名工に対する称号のようなものでそもそも実在の人物ではないという説もある。また全国に左甚五郎の作と言われている作品が100以上あると言うが、その製作年代は最大で100年以上の開きがあるとのことで、実際に一人の人物が作ったものとは思えないという。

 またこの眠り猫にも謎が多い。龍や虎などが多く刻まれている東照宮の中で、なぜ猫なのがというのが謎である。しかし猫が眠る姿は家光の時代になってかつての戦国の殺伐とした時代から平和の時代へと変化した空気を反映しているのではないかというのが番組の解釈である。

 結局は番組も左甚五郎の正体のようなものには何も結論は出さず、単に諸説を列挙しただけである。それだけ謎の多い人物だったのだろう。私も左甚五郎は一人ではなかったと考えるが、恐らく最初に元になったオリジナルの人物はいると思う。そしてその人物が伝説となって、後に一種の称号のようになったのではないかと感じている。私の考えでは、左甚五郎とは大相撲の立行司の木村庄之介とか式守伊之介などと同じようなものではなかっただろうかというところである。

 

2/25 ティツィアーノ作「ヴィーナスとオルガン奏者」

 スペインのプラド美術館に収蔵されているのが表題作である。この作品はスペインのカール5世によって依頼された作品だという。

 イタリアに生まれたティツィアーノは、ヴェネチアで天才と言われていたジョルジョーネの元に弟子入りするが、ただちに頭角を現し、ジョルジョーネが30歳で若くして亡くなった後は、ヴェネチアを代表する画家となる。特にヴィーナスの絵画で知られ、彼の元には絵画の依頼が殺到したという。スペインのカール5世もティツィアーノに魅せられた一人であり、自分の肖像画は彼にしか描かせなかったとか。

 それにしても奇妙な絵画である。オルガン奏者が振り返ってヴィーナスを眺めているという構図は、何やら意味ありげだ。番組では音楽と美術の調和のようなものがテーマにあり、これは愛を象徴していると読み解いているが、私にはもっと直接的でエロティックなニュアンスが入っているようにしか見えない。

 私は以前は印象派あたりの絵画にしか興味のない人間だったのだが、この番組や「世界美術館紀行」あたりを見ているうちに、ティツィアーノらのヴェネチア・ルネサンスの絵画や、オランダ絵画、またミュシャに象徴されるアール・ヌーヴォー芸術など、かなり守備範囲が広がってきたように感じる。やっぱり人間、いろいろと見識を広める必要はあるようである。もっとも現代芸術だけは未だに感心しないのではあるが。

 

2/18 カール・ラーション作「わたしの家」

 表題作はスウェーデンの国民画家・カール・ラーションがその名の通り、自分の家と家族とを描いた作品である。何となく懐かしく、暖かな空気が感じられる作品である。

 1853年、ストックホルムの日雇い労働者の息子として生まれたラーションは、13歳の時に教師の推薦で王立美術学校に入り、貧しい生活から抜け出すべく画家を目指す。24歳で美術学校を美術学校を卒業すると、飛躍するべくパリに渡るが、アカデミックな油絵を描いたもののサロンで落選が続く。死を考えるほど落ち込んだ彼を助けたのは、屋外の光だったという。仲間に誘われて訪れたグレー村で、外光派と呼ばれる画家たちと共に、外光の元での明るい光を表現するようになったという。この時には彼は油絵を捨てて、水彩画の技法を使い、これらの作品が大評判になったのだという。

 またここで彼は同じスウェーデン人の画家・カーリン・ベーリェーと婚約、スウェーデンに戻って7人の子供をもうける。雨が続いて屋外でスケッチが出来ずに鬱々していた彼に、カーリンが「それならこの家を描けば」と言ったことから、表題作は始まったのだという。

 彼の作品は実は日本の浮世絵版画の影響を受けているという。またそのような絵画であったから、当時のまだ未熟だったカラー印刷の技法に適し、彼の作品はカラー印刷の画集となって発売されたことで大評判になった。もっとも彼自身は当初は自身のプライベートをさらすことになることに抵抗があったという。

 初めて見たにもかかわらず何となく懐かしい感じがしたのは、題材のためだけではなく、技法のためもあったようである。彼の作品を見ていると、最初にアカデミックな油絵の技法をマスターしていたのが、良い意味で後の作品にも反映しているように思われる。常に思うことなんだが、技術のなさを誤魔化すためにいきなり斬新系芸術に走った芸術家と違い、基本的な技術を習得した上で新しい技法へと走っていった芸術家は地力が違う。

 

2/4 河井寛次郎作「青瓷ぜん血文桃注」

 天才陶芸家とも言われた河井寛次郎であるが、彼には師匠と呼べるような人は存在していないという。彼は陶工になろうとした彼は、東京高等工業学校の窯業科に入学、そこで学問を修めて陶工になったという経歴を辿っている。学校卒業後は京都市立陶磁器試験場に入所、そこで中国の古代の名品を再現するために釉薬の研究に明け暮れ、自分の窯を入手したのは30才の時である。そこで本格的に創作を始め、31才で個展を開きデビューする。しかし彼の独創的な作品に陶芸界は圧倒され、彼はデビューと同時に天才との評価を得ることになったのだという。新人にして名人だったのが彼だという。

 しかし名声が高まる一方で、彼自体は限界を感じていたという。古典の美を追い求めてもそれ以上のものにはならないのではないかとの思いに駆られたのだという。そしてある時、李朝時代の無名の陶工が作った茶碗の美に打ちのめされたのだという。この茶碗は日常の道具として作られ、美しさを追求したものでないのに、美しかったのだという。そして彼は民藝運動の柳宗悦と出会い、その思想と共感、この頃から作品に銘をいれなくなるという。美を追う仕事ではなく、仕事を美が追いかけてくることが重要になったのだという。そしてこの頃から彼の作風は大きく変化する。

 芸術を大上段に振りかざすのではなく、日常の実用品の中に美を見出しているのが民藝派だが、河井寛次郎がその境地に至ったのは、陶芸家という立場が大きいだろう。というのは、画家の場合には絵画というものはどうやっても実用的なものではないが、陶器というのはそもそも実用に端を発しており、芸術性は後からついてきたという事実があるからだと私には感じられる。私は民藝派の思想に共感しているわけではないが、実用性の皆無な陶器やファッションなどを美しいと感じられない人間である。

 

1/28 川瀬巴水作「新版画」

 日本にはかつて浮世絵に見られる高度な版画文化が存在していた。しかし明治以降、西洋からの印刷技術の流入によって、浮世絵は一気に衰退の道を辿った。そんな時代に登場して、版画に新たな命を与えたのが川瀬巴水である。

 東京の新橋で糸問屋の長男として生まれた巴水は、画家を目指していたものの家業に追われてそれをなかなか果たせずにいた。そんな彼が意を決して日本画家の鏑木清方の門を叩いたのは25才の時。しかし年齢が高すぎると断られ、彼はやむなく洋画研究所に入る。しかし彼の日本画への思いは捨てがたく、ようやく27才の時に鏑木清方に入門を認められる。

 彼の運命に大きな影響を与えることになったもう一人の人物が巴水より2才年下の渡邊庄三郎である。横浜の貿易商で浮世絵の輸出を担当していた彼は、浮世絵が次々と海外に流出していくことに心を痛め、独立して自ら版元となって新しい浮世絵の制作に乗り出す。彼は最初、オーストリア人画家による版画を手がけ、その斬新さが評判を呼ぶ。そこで次に彼は洋画家の橋口五葉を起用、さらに鏑木門下の伊藤心水にも白羽の矢を立てる。彼らはそのデッサン力により新しい美人画の世界を開拓し、従来の浮世絵と異なるこれらの浮世絵は新版画と呼ばれることになる。そして彼が風景画の絵師として起用したのが巴水だった。

 巴水の風景版画には新たな技術が投入されていた。巴水の元絵のイメージを活かすため、庄三郎は彫り師や擦り師に従来にない斬新で何倍もの手間のかかる手法を求めたという。しかしその甲斐あって、巴水の新版画は従来の版画にない奥深い表現を見せている。

 しかし彼らに転機が訪れたのが関東大震災である。この震災で庄三郎は新版画の作品と版木をすべて失い。巴水も多くのスケッチを失ったという。それでも庄三郎は翌月には直ちに事業を再開する。しかし追い込まれた庄三郎は、それまでと異なり、芸術性よりも売れ線を優先せざるを得なくなり、この時に多くの画家が彼の元を離れたという。しかし巴水は庄三郎の元にとどまり、多くの作品を手がける。彼の作品は海外でも評判になったという。

 深い情感をたたえた巴水の版画は、確かに従来の単調に見える版画とは一線を画しているような印象を受ける。また彼は洋画の経験も積んだのだが、そのことも彼の版画に大きな影響を与えているように思える。構成が非常にしっかりしており、それでいて大胆というのは非常に魅力的である。

 ところでこの時代に、日本からは大量の浮世絵が海外に流出したのだが、それらは海外で高い評価を受け、美術館などにも多く収蔵されている。しかし日本国内ではその価値が全く理解されていなかったのだから、何とも皮肉なものである。昔から、どうも日本人は美術品などの価値が分かっていないところがあるようで、明治時代には多くの優れた仏像なども流出している。あまりに普通にありすぎるものは、なかなかそこに価値を見出すことがしにくいのかもしれない。郷土料理の良さが、意外と余所者の方が分かるのと同じで。

 

1/21 ウイリアム・ホガース作「当世結婚事情」

 今回の作品は貴族の結婚事情を痛烈に風刺した一枚。借金を棒引きにすることを条件に伯爵の息子と結婚した高利貸しの娘の物語である。特に愛があるわけでない結婚をした二人は怠惰な毎日を送り、夫の伯爵は愛人を作る。一方の妻の方も伯爵家の弁護士と不倫、しかしその現場が夫の伯爵にばれ、怒りに狩られた伯爵は弁護士に決闘を挑むがあえなく返り討ち、夫の死に責任を感じた妻も自ら毒をあおって死ぬというこれまた救いがたい話である。

 ホガースの作品は政府の命でロンドンに留学していた漱石も目にしている。孤独と西洋に対する幻滅で鬱状態に陥った漱石は、結局は途中で帰国しているのだが、ホガースの作品を目にした彼は「ホガースは天才である」ということと「実に卑猥な絵だ」と語っているという。番組ではホガースの作品も漱石の西洋に対する幻滅に拍車をかけたのではないかと匂わせている。

 当時のロンドンは、繁栄の一方で腐敗も進行しており、町は親に見捨てられた孤児であふれていた状態だという。ホガースは絵を描きながら孤児院の設立などにも努力していたとのことで、彼の作品には社会に対する怒りが満ちているのだとか。また彼は自らの銅版画の海賊版が出回ることに腹を立て、ホガース法と言われる今日の著作権法の元祖に当たる法律を設立させることもしたという。怒りを原動力に、風刺を武器にして社会変革を試みていた人物であったようだ。

 前回に続いてホガースの後編なのだが・・・わさわざ二部構成にするだけの中身があったように思えないのだが。結局は前回にも出てきたことを繰り返していただけのように思われる。うーん、番組としての意図が分からない。

 

1/14 ウイリアム・ホガース作「放蕩息子一代記」

 ホガースは18世紀のイギリスの画家で、ターナーと並んで英国絵画の巨人と言われており、風刺画で知られているという。表題作は、高利貸しだった父親の死で莫大な遺産を手にした男が、放蕩と散財の挙げ句に破産し、最後は精神病院で果てるという悲惨な話である。ホガースの作品にはこれ以外にも、田舎から出てきた女性が娼婦となってやがては身を滅ぼすという「娼婦一代記」、上流階級の結婚生活を痛烈に風刺した「当世結婚事情」などがあるという。

 彼は何枚かの絵で物語を展開していく手法をとったが、そこに描かれる物語は、当時のイギリスの社会状況を痛烈に皮肉ったものになっているという。彼は画家としてだけでなくストーリーテラーとしても優秀であり、彼がそこで描いている物語は小説家達にも影響を与えたという。彼は父が事業に失敗して破産して投獄されたため、貧困の中で暮らした経験をしており、そのことから社会に対する批判精神を養ったのだという。

 西洋では風刺画も芸術の1ジャンルのようになっており、私も風刺版画などを見たことがある。日本ではこの手のジャンルがあまり発達していないのは、日本社会がそれだけ息苦しい社会だったのか、日本人に批判精神が薄いのか。

 ホガースの作品については、妙に突き放したようなクールな視線がうかがえる。表題作は、金に魅せられた人間がいかに愚かになれるかということを示しているようで、今日の拝金主義全盛の世の中では参考になるのでは。今や政府までもが「将来の起業家を育てる」として学生に投資を教えたりしようとしているようだが、私から見れば起業家を育てているというより、拝金主義者を育てているようにしか見えず、日本人がより浅ましくなりそうである。この絵は村上ファンドやホリエモンに見せてやればよいのでは(笑)。まあ彼らなら「これは金の稼ぎ方と使い方を知らない馬鹿の話だ」と言いそうだが。

 彼の作品を見た文豪・夏目漱石が「ホガースの作品は実に卑猥である」と発言したそうだが、その辺りが次週の後編につながるとのことだ。私としては「卑猥」という表現よりも「猥雑」という表現の方がピンと来るように思うのだが。

 

1/7 福田平八郎作「漣」

 表題作は、日本画家の福田平八郎が水面を描いた絵画である。明治生まれの日本画家が描いたと思えないようなまるで抽象画のように見える絵画だが、よく見るとこれは水面の写生以外の何物でもないのが感じられる。

 明治25年に大分で生まれた平八郎は、中学の時に数学が苦手で落第した時、恩師の薦めで京都の美術学校に転校したという。そこで彼は好きだった絵を描きまくる。彼の優れていたのは観察眼で、先人達の絵に習って何の苦もなく絵を描くことができたという。しかし美術学校卒業後には展覧会で落選を続けることになる。その時に彼を救ったのは恩師の「君は自然をもっと客観的に見つめていく方が良いのではないか」という言葉だったという。その言葉を受けて彼が描いたのは、京都南禅寺の池の鯉だった。そして彼が描いたのが出世作の「鯉」だという。水の中のわずかな鯉の深さの差異を微妙に描いた傑作である。この頃から彼は水の表現が心にかかり始めたのだという。そしてそれが後の表題作につながったという。

 実は私は、表題作は大谷美術館で開催された福田平八郎展で見ているのだが、その時にも不思議な絵だと感じさせられた。彼が水を描いた一連の作品はパッと見ただけでは本当に抽象絵画に見えてしまうのだが、実はよく見ていると非常に精密な写生であるのがだんだんと分かってくるわけなのである。彼は人一倍優れた観察眼を持っていたというが、確かに自分の観察眼を信じていないとこんな表現はできないと思う。よくある下手くそな絵を「斬新」という言葉で誤魔化している輩と違い、彼は本当の意味で斬新な画家だったと私は感じる。

 

12/24 山下りん作「ウラジーミルの聖母」

 山下りんは日本人初のイコン画家である。イコンとはキリスト教において信仰の対象とする絵画であって、謂わば仏教の仏画のようなものである。ただ表題作はイコンとしてはかなり異色のものである。オリジナルのウラジーミルの聖母と比較した場合、明らかに模写の範囲を超えている。オリジナルはいかにも宗教画らしく、芸術作品としては面白味のかけらさえないものだが、山下りんの作品は、まさに「作品」と呼ぶしかない境地にある。人物の存在感、穏やかな雰囲気など、西洋の油絵の技法を活かしたものになっている。

 1857年に山下りんは下級武士の娘として生まれた。幕末の激動の中で、絵の好きだった彼女は15才で故郷を捨てて上京、工部美術学校の第1期の女子学生としてここで絵画を学ぶ。この時に彼女は同級生の一人に誘われ、ハリストス協会に入信してニコライ大主教の洗礼を受ける。日本での布教の拡大のために日本人のイコン画家を養成したいと考えていたニコライは、彼女をロシアに派遣して修業させようと考える。

 初めて西洋絵画の地に降り立ったりんは、そこでエルミタージュ美術館などに通って西洋絵画の技術をマスターしようとする。しかしここで軋轢が生じる。芸術として絵画を目指している彼女と、単なる宗教画としての正確さのみを求める修道院との間で対立が起こり、絵画には全く素人の修道女が勝手に彼女の絵を集成することに彼女は激怒、軋轢は決定的となって彼女は死さえ考えるようになる。

 結局彼女は激しく傷つき、当初5年の予定だった留学を2年で切り上げて帰国する。彼女は帰国した後も長い間イコンを描かなかったという。この時期の彼女は、洋画家として自立の道を模索していたようである。

 空白の7年の後に、彼女はニコライの薦めもあって日本人のためのイコンを描き始める。そして彼女の「ハリストス復活」は日本を訪れるロシア皇太子に献上される。独自の滑らかな筆遣いのイコンを皇太子はいたく気に入り、亡くなるまで部屋に飾っていたという。

 その後の彼女は、日本の教会のために多くのイコンを描いた。それらはすべて彼女らしい柔らかで穏やかな表情を浮かべている。

 芸術路線と宗教路線の対立という典型的なパターン。どんな素晴らしいものでもことごとく下らないものに変えてしまうのが宗教の特質の一つであり、芸術的志向の強い者は宗教と対立するというのは、実際にヨーロッパにおいての中世の巨匠でも発生していることである。彼らがその制約の中で最大限の芸術性を発揮しようと悪戦苦闘していたのが作品の中から今日でもうかがえる。

 彼女のイコンは明らかに作品として面白く、宗教心のない私としてはありがたみどころなんて微塵も感じないオリジナルよりは数段価値を感じる。それにしても彼女が感情的な折り合いをつけるのに7年の期間を要したというのは、ある意味、非常なロスだったと言わざるをえないだろう。当時のロシア教会も明らかに組織的な問題があったんだろう。

 

12/6 中村正義作「顔」

 今回の表題作は、中村正義による100枚もの自画像である。けばけばしい色彩に彩られた100枚の自画像には思わず目眩がする。速水御舟の再来とも言われて優れた日本画を描いていた彼は、ある頃から突然に変貌を遂げ、日本画とは離れた境地に到達したのだという。

 1924年に豊橋の裕福な商人の家に生まれた彼は、16の時に胸の病を患い、病の療養の傍らで絵を描き始めたという。1946年に彼は日本画の巨匠、中村岳陵の門下となる。彼はそこでまもなく頭角を現す。戦後、彼は貧しさの中で画家として名をなすために努力をし、日展にも入選を果たすが、再び病気のために病床に縛られることになるという。その後、彼はもっとも若くして日展の審査員にも選ばれるが、日展の保守的な気風に反して、1年後にそれを脱退するという。彼はほとばしる情熱にとりつかれたように創作に励んだ。その時に、まさに自身の証を残すように描き続けたのが自画像だという。

 身体に不安があったから生き急いだ画家なのだろう。ただ個人的には、若い頃の作品も晩年の作品もどちらもあまり面白いと感じないのだが・・・。私の鑑識眼がずれているのか?

 

11/26 岡本神草作「拳を打てる三人の舞妓の習作」

 はっきり言ってギョッとする絵である。舞妓の妙な存在感とその裏腹の非現実感。この作品を描いた岡本神草は39才で夭逝したため、歴史に埋もれてしまった画家だという。

 1894年に神戸で生まれた岡本神草は京都の美術学校で学び、新しい国画の創設を目指す国画創作協会が創立された時代で、彼がデビューを図ったのはその第1回の国展においてであるという。その時の作品である「口紅」が番組で紹介されているのだが、これも表題作と同様にギョッとせずにいられない絵画である。

 若手日本画家として一躍注目を浴びた神草は、翌年に第2回国展に挑戦するがあえなく落選し、起死回生を期して第3回の国展のために描いたのが表題作だという。この作品は第3回国展で、選外傑作に選ばれたという。しかし実はこの絵は、両サイドに描かれていた舞妓が裏側に折り返されていたことが最近になって発表されたのだとのこと。しかもさらにこの中央部分は実はもっと大きな絵の中央部が切り離されていたものであったのだという。

 実は彼は展覧会を前にしてこの作品の制作にかかったのだが、期日までに完成に至らず、比較的完成度の高かった中央部のみを切り離したのだという。

 この絵画は舞妓が浮かべている独特の表情とその奇妙な手の形が強烈な印象を残すのだが、そこには宗教的なものを見る解釈が多いという。実際にこの作品を描く時に神草は、ルネサンスの宗教画などを参考にしており、宗教的なイメージを込めようとしていたことも、彼の残した日記によって明らかになったのだという。

 私の立ち回り先でもある京都国立近代美術館が登場していたが、私はこの絵画を見た記憶があることから、以前から公開されていたのだろうか? それは定かではないが、とにかくなぜかギョッとする絵画としか言いようがない。どこかが明らかに変なのである。これが子どもの頃なら多分うなされただろう(笑)。妙に生々しい部分と、妙に現実離れした部分が共存しており、その辺りが強烈な違和感となって不快感寸前の感情を抱かせるのだろう。これだけ強烈な印象を抱かせるというのは、鬼才と言うべきなのだろうか。しかし本音を言うと、やはり気色悪い(笑)。

 

11/19 チャールズ・ムーア他「シーランチ後編」

 先週はシーランチの外回りとそれが出来るまでのエピソードだったので、今回はその中の話になる。

 シーランチは集合住宅であるが、駐車場から中庭に降りると、そこにすべての住居が面している形になっているという。その1軒を紹介していたが、天井が高く広々とした空間に、大きな窓で海の光景が見えるようになっている。天井が高くて梁が剥き出しになっている構造は、ムーアが日本の旧民家から学んだデザインだという。空間の魔術師たるムーアは(この称号は某番組がやたらに乱発しているが)、巧みな空間構成によって包み込まれる安心感と、空間の開けた開放感を両立させている。

 両親の方針によって季節によって住居を転々とし、学校に通わずに独学で勉強した彼の生い立ちが住居への感心を高めたのだろうとのこと。彼の住居は内部に驚きを秘めているのが特徴であり、オースティン郊外にある彼の家は、平凡な外観と対称的に、内部には彼のコレクションによってまるでディズニーランドのようななぞめいた世界が展開しているという。表面的には普通の石であるにもかかわらず、割ってみれば中味が水晶の結晶で一杯になっているジェオデを彼は愛したというが、まさに彼の建築はこの世界なのだという。

 確かに私が見ても、面白味のある建物であると感じた。特に縦方向への巧みな構成は興味を誘い、かつての子どもの頃に夢見た秘密基地の趣がある。私には建築デザインの才能など皆無であるが、もし私がデザインしてもこういう構成をしたいと考えるだろうなとという共感の多い建物である。彼の家の趣から見ても、多分子どもの頃の感覚を生涯なくさなかった人なのだろう。なお建物に私の嗜好と近しい点を感じることから推察すると、彼は典型的なオタク肌の人物だったと推測する(笑)。

 番組では以前に登場した全身黒タイツ兄弟(笑)にシーランチを紹介させるという意味不明の構成を取っていたが、確かに実際に誰かが中で動いてみることがこの建物の特徴を際立たせるためには不可欠だろう。この建物は私にさえ「住んでみたい」と思わせるものであった。ただ私の場合は、オタクの特性として家財道具が異常に多いので、実際にはこんなこじんまりしたところには収まりきれないのだが(笑)。そういう意味ではやはりこの建物は週末の別荘なのだろう。なんか私も別荘が欲しくなってきた・・・ったって、私の稼ぎではとても日本で別荘を維持するなんて百万年は早いわ(笑)。

 

11/12 チャールズ・ムーア他「シーランチ前編」

 今回の作品は、アメリカのサンフランシスコの北の太平洋沿いの荒涼とした断崖に立つ建物である。この建物は週末の別荘用の10戸の集合住宅である。地名からシーランチと呼ばれているという。

 この破天荒な建物の建造には3名の人物が絡んでいるという。

 1人目は土地開発業者のアル・ボーキー。彼はハワイの不動産会社で土地開発を任されていた彼は、誰も見向きもしないこの海沿いの荒れ地を別荘として開発しようと考えた。しかも彼はブルドーザーで切り崩してコンクリートで固めるような街づくりには嫌気がさしており、この地の自然を生かす街づくりをしたいと考えた。

 そしてこの土地のグランドデザインを託されたのは造園家のローレンス・ハルプリン。彼はこの地にテントを張って住み着いて、この地の自然を徹底的に調べたという。環境問題にも目を向けていた彼は、シーランチの理念に共感して参加したのだという。その結果、彼はこの土地でやって良いこととやっていけないことをリストアップしたとのことだが、その結果は「極力何もしない」というものだったとか。

 そして設計を託されたのが1年前に仲間と設計事務所を立ち上げたばかりのチャールズ・ムーア。彼は仲間達と徹底的に議論しながらシーランチのイメージを固めていった。その時にイメージしたのが、自然に溶け込んでいる日本の民家だったという。そして彼は現地の木材であるレッドウッドに目を付ける。土地の木材を使うことで自然に負担を与えないと考えたのだ。またこの材は歳月を経ることで変色して土地に溶けこむことも期待できたという。

 こうして建設が始まったが、自然を傷めないために路上整備や木材の搬入に1年もかけたという。こうして建設されたシーランチ。その内部については次回とのこと(オイオイ)。

 何やら異様な建物であるが、それでいて懐かしさを感じさせるのは、日本の民家をイメージしたというところから来ているのだろうか。確かに日本の田舎にある杉の焼板で作った家に近い趣がある。それでいて形態自体は極めてモダンなのだから、なかなか凄まじい建設である。ただ外から見ているだけでも、何やら面白そうだという感覚を抱かせるのは、何やら秘密基地めいているからだろうか。

 

11/5 原田直次郎作「靴屋の親爺」

 凄まじい絵である。圧倒的なまでの人物の存在感、またそれを支えている確実な技術。絵画に関しては全くの素人の私でも、この絵の作者がヨーロッパの往年の画家達に匹敵する技術を持っていることが分かる。しかしこの絵を描いたのは明治時代の始めにヨーロッパに留学して間もない23才の画学生だったという。しかも彼は歴史から完全に忘れられた画家なのだとのこと。

 この絵の作者の原田直次郎は、20才の時に日本における油絵の創始者でもある高橋由一に絵を習う。独学で油絵を追究した由一に対し、彼は21才でドイツに留学する機会を得る。彼はそこでヨーロッパの伝統的な写実的表現を学び、一気に力をつける。そこで森鴎外と知り合った彼は、鴎外の短編小説「うたかたの記」の主人公のモデルになっているという。ドイツでの彼は美術館に通い続けてはヨーロッパの絵画の研究に明け暮れ、伝統的な油絵の技法を完璧に身につける。

 しかし帰国した彼を待っていたのは逆境だった。彼が帰国した頃は、新政府によるそれまでの行きすぎた欧米化政策の反動で、絵画の世界では国粋主義が強くなっており、洋画の立場はかなり低く見られていた。彼には作品を発表する場を与えられなかった。

 しかも第二期の留学世代の黒田清輝が帰国したことがさらに彼を追い込む。黒田が持ち帰ったのは印象派などの影響を受けた明るい色彩で、それが一世を風靡する。アカデミズム派から学んだ原田の絵画は時代遅れのものと見なされてしまうのである。

 その後、結局彼はまともに評価されることもないまま、失意の中1899年に36才で早逝する。

 印象派やフォービズムの流行などで、世の中が「芸術は表現だ」という流れになっていく中、彼は頑なに「表現を支えるのは確実な技術だ」というスタンスをとり続けたという。今日の、自称芸術家達による独りよがりの表現が、技術の裏支えがないせいで見事にすべりまくっている現状を見ると、彼の言っていることはまさに慧眼だと思うのだが、残念ながら時流に合わなかったようである。時流に乗ったというだけで、大したことのない芸術家が世の中にもてはやされることがあるというのに、なんとも彼の不運なことか。近年になってようやく研究者によって彼の作品が注目されるようになったというが、確かにもっと注目されても良い画家のように私も思う。

 

10/22 ディエゴ・ベラスケス作「鏡を見るヴィーナス」

 今回の表題作はベラスケスによる裸体画の傑作である。その美しく官能的な体のラインは、見る者の視線を釘付けにせずにはいられない。ロンドンのナショナルギャラリーにあるこの絵は、そのあまりの美しさ故に、1914年に狂信的なフェミニストの女によって切りつけられるという事件まで発生したという。今日ではこの作品は、完璧な修復によってその美しさで人々を魅了している。

 この作品を描いたベラスケスは、若くして才能を発揮し、スペインの宮廷画家として名を馳せた人物である。国王のフェリペ4世は彼の才能に惚れ込み、彼以外の誰にも自分の肖像を描かせなかったという。また彼は一連のマルガリータ王女の肖像画で良く知られている。

 しかし表題作は実は彼にとっては禁断の作品なのだという。当時のスペインは教会の力が以上に強く、その狂信的統制の下で裸体画なども禁止されていた。だから裸体画を描いたことが知られると、彼はすべての地位や名声を失う危険があったのだという。

 しかしそれにも関わらず彼にこれを描かせたのは、彼がイタリアの自由な芸術に触れたことによるという。王から美術収集の命を受けた30才の時、彼は初めてイタリアを訪れ、そこでルネサンスの巨匠ティツィアーノの作品を知ったことによるのだという。その優美な裸体画に彼は魅入られたのだという。しかしスペインでは禁じられているそのような絵画を彼はその時は描くことがなかった。しかし20年後、彼が再びイタリアの地を踏んだ時、表題作を描いたのだという。実はこの絵のモデルはベラスケスの愛人であったことが最近になって明らかになっており、彼は愛人との間に子どもまでもうけていたとのことである。

 しかし彼は1年の滞在予定を超えて2年に渡ってイタリアに滞在したが、王からの強い命令によって生まれてくる子供の顔も見ることのないまま帰国を余儀なくされたのだという。そして彼は二度とイタリアを訪れることがかなわなかったという。

 彼の描いた王の肖像画はかなり理想化されていることが知られており、彼はその名声や地位と引き替えに、芸術家として非常に制約の多い窮屈な生活を余儀なくされていたのだという。そのような彼のつかの間の自由な心が描かせたのが表題作のようである。それ故に、この絵画はより人々を魅了するのかもしれない。

 どうもベラスケスは良くも悪くも非常に節制の効いた人物だったようである。私は彼の絵画については、抜群にうまいが面白味がないという印象を持っていたのだが、その印象は彼の環境の制約の多さに起因していたようだ。彼がイタリアにでも生まれていたら、もっと違っていただろうに。これも運不運の話なんだろう。

 

10/15 横山操作「炎炎桜島」

 横山操は生き急いだ画家だという。彼は画家を目指して上京、働きながら絵を学ぶが、あのアホな大戦に徴兵され、そこで20代を空費することになる。中国戦線でソ連の捕虜収容所に送られ、帰国した時には30才になっていた。復員後の彼はネオン会社で働きながら、真夜中に絵を描くという生活を続けていたという。まさに命を削るようにして絵を描いていたという。

 しかし貧しい彼は絹の画布や高価な炭が買えないため、銭湯から煙突の煤をもらってきて、これと石炭などをニカワでといて黒の顔料を作ったという。また画布はベニア板に紙張りで、刷毛で大胆に描いていった。これが彼独特の画風につながったのだという。

 やがて彼は従来の日本画を否定する川端龍子が主宰する青龍社に参加、そこで活躍していくことになる。その頃に訪れた鹿児島での桜島の印象から制作したのが表題作だという。大胆な炭の表現に最小限の色彩で大自然の強さを描いた作品である。

 しかし彼は後に青龍社と袂を分かち、自らがかつて捨てた故郷の新潟の蒲原平野に戻っていく。この頃から彼の画風はやや変わり、水墨画の世界で穏やかな平野の風景を描き始める。そんな彼は51才の時に倒れ、右半身不随となり、利き腕の自由を失う。しかしその後も彼は左手で絵を描き続ける。そこにはかつての力のある線はなくなったが、穏やかで優しい線が現れる。しかし彼は最後の絵を描いた6日後に、53才でこの世を去る。

 青年期の荒々しい力に満ちている画風から、晩年の穏やかな画風へと見事な変遷をとげているのに驚かされる。明らかに大きな心境の変化がそこには現れており、それが青龍社と袂を分かった理由であろう。若さの勢いだけで突っ走っていた芸術家が、晩年に円熟の境地に入ったような雰囲気が見える。ただ画風的には古典回帰的な方向に向かっているので、従来の日本画を批判して誕生した青龍社とは方向がずれるのも仕方なかろう。

 それにしてもあの大戦は人材の浪費そのものだったな。香月泰男の時にも先の大戦が影を投げかけていたが、世の中でもっともろくでもないことは戦争である。

 

10/8 ジャン=オノレ・フラゴナール作「ぶらんこ」

 表題作はウォレスコレクションに含まれるロココ絵画の代表作である。と言うわけで、「世界美術館紀行」のウォレスコレクションの回とかぶったりする。

 この絵画は18世紀のフランスで比類ないほど絶賛された絵画だという。確かに脳天気で美しい絵画であり、軽薄と蔑まれたことさえあったというロココの特徴を現している絵画でもある。

 この時代の貴族達は華やかな自由恋愛に励んでいたという(日本の平安時代とそっくりである)。そのような風潮を反映したのがこの絵画であり、実はこの絵画には数々の性的メッセージが含まれているのだという。そういう意味でこれは日本で言う春画に当たるのだという。しかしあまりにそのメッセージがあっけらかんと表現されているので、洒落ていて芸術的なのだとか。

 この絵がエロティックなメッセージを秘めているのは、説明されずともなんとなく察しはつく。それにしてもエロを表現してここまで洒落た絵を描けるというのは、なんとも。これに比べると現代のエロの表現はあまりに露骨で品がない。やっぱり文化レベルの衰退の反映なんだろうな。

 

9/24 モーリス・ユトリロ作「ラパン・アジル」

 ひたすらパリの風景を描き続けたユトリロ。ラパン・アジルはそんなパリの酒場であり、ユトリロがかつて通い続けた酒場だという。

 ユトリロの母はルノワールやロートレックなどの画家たちのモデルをしたことがあるシュザンヌ・ヴァラドンである。彼女は、多くの若手芸術家たちとも数々の浮き名を流していた。ユトリロは彼女が18歳の時の子供であり、父親が誰かは分からないという。シュザンヌは才能豊かな女性で後に自分自身も絵画を描いたりしたが、母親としては最悪で、ユトリロはほとんど放りっぱなしにされたまま、17歳では既に重度のアルコール中毒になっていたという。

 ユトリロは元々から画家を目指していた訳ではなく、アルコール依存で収容された病院において治療の一環として絵画を勧められたのだという。しかし彼の場合はそれは逆効果であって、彼は絵を売っては酒代を得るようになったという。彼は本来は物書きを目指していたのだが、母も絵を描いていたので、母の気を惹くために絵画を始めたという動機もあるという。

 ユトリロは壁の表現にこだわっていたという。彼は何度も絵の具を重ね、さらに壁の白を出すためには絵の具に漆喰や砂も混ぜ合わせていたという。

 やがて彼の作品は少しずつ売れ始め、だんだんと価格が上がっていくことになる。しかし皮肉なことに、その頃から彼の創作の源泉が枯れていくのだという。原因はいろいろあるとのことだが、その一つは彼の母が、彼に絵を量産させるために部屋にこもらせて絵を描き続けさせたからだという。彼はパリの町から切り離されることでその源泉を失ったのだろう。

 どうも個人的にはユトリロの絵画には退廃的な空気を感じてあまり好きではないのだが、マザコンのアル中男の絵なのだからさもありなん(笑)。ただ今回の内容を見ていると、晩年の彼は金のためにひたすら同じ絵を描かされ続けていたように見える。何らかのきっかけで成功した芸術家が陥りやすい落とし穴でもあるんだが・・・。しかしどう考えても悲惨だな。彼の生涯。

 

9/17 白隠作「達磨図」

 今回の作品を描いたのは画家ではない。作品が収蔵されているのも、大分の万寿寺であり、作者の白隠は18世紀の禅僧である。白隠は禅の精神を人々に伝えるための禅画を描いており、そのような作品の一つであるという。白隠は1万点もの絵や書を残しているが、すべて我流のものである。しかしそれにも関わらず、力に溢れるそれらは白隠マニアと呼ばれるファンがいるという。

 などと言われたところで、禅には全く興味のない私には何のことやら・・・。それと幕間劇的に展開している「初恋物語」があまりにもヘボヘボで(笑)。達磨の絵と言えば私の家にも以前にあった記憶があるが、この手の絵はあまりに定型化しすぎていて興味を抱かせない。

 

9/10 コルネリウス・ヘイスブレヒツ作「ヴァニタス画のあるアトリエの壁」

 今回のテーマはだまし絵。意表を突く仕掛けで観客をあっと言わせる絵画である。だまし絵といえばエッシャーのねじくれた世界が有名であるが、今回の作品は驚くほどの技術で観客の目を欺く作品である。

 作者のヘイスブレヒツは謎の多い画家で、20世紀になってからだまし絵の大家として有名になった画家であるという。彼は17世紀をオランダの宮廷画家としてすごしたということぐらいしか分かっていないらしい。骸骨や砂時計を配したその画題は、時の移ろいを表現しているという。この時期のオランダにはやたらに寓意を秘めた精密画が流行したが、彼の作品ももろにその流れを継承しているようである。

 絶句するのは彼の5作目として登場したイーゼルに立てかけたキャンバスを描いた絵画。テレビ画面を通して見たら立体になっているようにしか見えないこの絵画が、実は一枚の板に描かれただまし絵というのには呆気にとられてしまった。恐るべき技巧である。

 この時代のオランダには絵画のリアリティを競っているようなところがあったから、まさにその技巧を誇示するために描かれたのがこのようなだまし絵であろう。これはどう考えても、並大抵の技量では書けない。実に洒落っけがあって楽しいが、やっぱりこれは芸術というものとは違う世界のものだと思うが・・・。

 

9/3 ヘリット・トーマス・リートフェルト作「レッド&ブルーチェア」

 今回のお題は椅子。表題作は1918年に家具職人であったリートフェルトが作った椅子である。何の変哲もない木を組み合わせただけの椅子のようであるが、これがデザインに革命を及ぼした作品の1つだという。

 家具職人の家に生まれたリートフェルトは機械的な職人の作業に疑問を感じ、美術学校に進み、そこで芸術について学んだ。時はまさにアール・ヌーヴォーなどでデザインに対する感覚が変わりつつある時代であり、彼は金持ちのアクセサリー的な家具でなく、一般人が簡単に使える家具を目指したという。その結果、彼が採用したのが「だぼ」を使った木の継ぎ方。彼はこれに工夫を凝らすことで、木を自在に組み合わせる自由度と生産性の高さを両立したのだという。

 ただ当初は彼の作品は評判が良くなかった。しかしモンドリアンの絵画に出会った彼は、この椅子に着色することを思いついた。そして彼の椅子に色を付けることで、モンドリアンの世界が三次元化したのである。

 一躍デザインで名を挙げた彼は、この考えを住宅にも展開した。それが1924年に建造されたシュローダー邸である。この家では家自体が家具のような自由度を持っており、リートフェルトは家具の延長として家の空間を作り上げたのである。このシュローダー邸は現在、世界遺産として登録されているという。

 椅子とはこれまた驚いたテーマであるが、この椅子を一目見た時に「モンドリアンの絵画に似ているな」との印象を受けたのだが、それも当然だったようである。番組によると座り心地もまずまずとのことであるが、私としてはこの椅子は自己主張が強すぎて今一つ好きになれない。それにコンピュータ作業の多い私にとっては、椅子はキャスター付であることが不可欠である(笑)。家具は現代調にしても、アンティークにしても、どっちも興味ありません。何しろ私はシナ合板でスペースに合わせて自作した書棚やビデオ棚を愛用している人間なもので。

 

8/27 秋野不矩作「渡河」「オリッサの寺院」

 子どもの手が離れ、夫とも離婚した秋野不矩はいよいよインドに渡る。そのきっかけは彼女が美術を教えていた京都市立美術大学にインドの大学から日本画の画家を一人送って欲しいという話が来たからである。彼女はとっさに立候補していたという。

 彼女がインドに渡った先は西ベンガル州のシャンティニケタン。ここにあるヴィシュバ・バハラティ大学で彼女は日本画の指導を行った。英語もインドの言葉もあまり出来ない彼女は、日本語とそれらをチャンポンした言葉を使いながら、ひたすら絵を描き続けたという。ただ、彼女が困ったのは日本画に必要な岩絵の具の入手。しかしこの時に、彼女はインドの赤土にニカワを混ぜると黄土色だけはいくらでも使えることに気づく。こうして彼女は大地の色そのものによる絵画を描き始める。それはまさに今まで彼女が長年探し続けた土地だった。

 番組では秋野不矩がインドで自分が求めていたものに巡り会うエピソードと、彼女の美術館建設を託された建築家・藤森照信の苦闘のダブルエピソードで進行していた。当初はダムのような構造の美術館を考えていた藤森が、不矩の嗜好が分かって行くにつれ、最終的には丘の上の美術館を作り上げたという過程が興味深い。なお藤森の建築自体が、インドの建築に近い土と木と石で作り上げるものであり、不矩の嗜好は極端に日本人離れしていたということがうかがえる(日本人は心象としてもっとウェットなものを好み、いかにも砂っぽいドライなものはあまり好まないものである)。実際に93才で亡くなるまで彼女はインドに通い続けたが、砂漠地域を好んだようである。黄色一色見える世界の中に、彼女は独自の色彩を見ていたのだろう。

 

8/20 秋野不矩作「姉妹」「渡河」

 秋野不矩は女流画家である。晩年はインドに渡って独特の絵画を描いたらしい。彼女は一度教師になったがその職が合わず、それなら画家の方が良かろうと西山翠しょうが主催する画塾に入って、堂本印象や上村松篁などと共に腕を磨いたという。「姉妹」はそのような彼女の初期の作品であるという。なんとなく小倉遊亀の絵を連想したが、番組でもその関連を感じているらしく、構成があの時のシリーズの第二弾になっている(実は今回、最初の10分を録画失敗したので、経緯の辺がよく分からないが)。ただ屈託のない小倉遊亀の絵に比較するとなんとなく屈折が見られる絵である。

 不矩は日本画の伝統的な花鳥風月には興味を持てなかったという。また自分の絵についてもいわゆる美人画とは異なっていると感じていたらしい。彼女が結婚したのは24才の時で、相手は同じく日本画家の澤宏靱であった。なお番組では彼の作品「牟始風呂」を紹介しているが、これは小倉遊亀の絵が収蔵されている滋賀県立近代美術館に収蔵されている作品で、実は私も見たことがある。

 彼女が名前を本来の「ふく」から「不矩」に変えたのはこの頃だという。子どもが6人も生まれ、画家夫婦の生活は楽ではなかったが、彼女は子どもを育てながら絵を描き続けた。この頃から彼女の画風が一変し始める。この頃の代表作である「砂上」が番組に登場しているが、コントラストがはっきりした絵で、初期の「姉妹」と同じ画家が描いたと思えないような絵画である。

 昭和23年、彼女は新しい美術団体の創設に参加し、新しい日本画の創造を目指す。彼女は子どもをモデルに命の姿を描くが、ここに登場する絵画はまるで油絵のような日本画であり、いわゆる日本画の枠とは全く離れた絵画である。昭和33年、夫と離婚した彼女は、いよいよ自身の絵画が目指すべき地としてインドを目指すことになる・・・とのことだが、これは次回とのこと。

 さて秋野不矩の絵画であるが、私は確かに見たことがあります。滋賀県立美術館で以前に小倉遊亀の絵画と一緒に展示していたのを見ています。とにかくその時の印象は「インドの砂の色」。番組でも「インドの大地の色が強烈に残像として焼き付く」と言っているが、まさしくそれしかない絵画です(笑)。インパクトが強烈だったので、絵の詳細は忘れたにもかかわらず、黄色い色彩だけが頭に残っています。

 

8/6 山田かまち作「プリーズ・ミスター・ポストマン」

 山田かまちは17才にしてエレキギターを抱えたまま感電死で不慮の最後を遂げた少年である。彼の死後、彼の部屋からは大量の絵や文書などが見つかり、それらが思春期の少年の率直な心情を現していたため、後にそれらがまとめて紹介されて評判になった。

 彼は小学生の頃から絵を描いていたという。その絵の特徴は色彩が踊っていること。典型的な子どもの絵なのだが、彼はどうやらそのまま成長を遂げたようである。彼は海外の友人と文通をしており、ポストマンはその手紙を運んでくれるヒーローであったのだろうという。またこの作品自体の直接のきっかけはビートルズの曲であり、彼は音楽からインスピレーションを受けるタイプであったようだ。

 しかし彼の挫折は高校進学の時に来る。成績が優秀だったにもかかわらず、偏差値で振り分けられる教育制度に一抹の疑問も感じていた彼だが、高校進学時には地元進学校である県立高崎高校を受験する。しかし本人を含む誰もが合格を信じていたにもかかわらず、彼は不合格になる。この頃から彼の心は千々に乱れ、彼の作品も抽象的になっていく。そこには色彩で切なさや辛さが表現されている。翌年、彼は再度県立高崎高校を受験、今度は合格するがその夏に不慮の事故死を遂げる。

 彼の作品に共感する者が多いと言うが、それは変に技巧に走らずに率直に感情を表現しているからだろう。私にしても彼の作品は、自分の同年代の頃を思い起こさせるところがある。私自身も絵は描かなかったが、文章は書いていたし、音楽からインスピレーションを受けるタイプの人間だった(私の場合はクラシック)。私も偏差値教育に一抹の疑問を感じつつも、地元の公立進学校を受験した。私の場合は幸いに合格し、その後今日に至っているが、その過程で世間との妥協やもろもろを重ね、現在ではごく普通のオッサンになってしまっているという次第である。年代的にもかまちと近しいし、重なる部分を多々感じずにはいられなかった。

 彼の場合、不慮の事故がなければその後にどうなったかは分からないが、やはり今頃はごく普通のオッサンになって「そう言えばあのころの俺は・・・」なんて昔を振り返っている可能性が高いと思う。皮肉なことに、彼は不慮の事故死によって将来が消えたことが伝説につながったという面は非常に大きいと思われる。世間と妥協を重ねていったり、もしくはそれが出来ずに世間からドロップアウトしていくというその後の醜い部分がない分、美しく見えるという点は否定できないと感じずにはいられない。

 なんてことを書いていたら無性に切なくなってきた・・・あのころの私は、確かに今のような自分は全く予想していなかった。成長するということは、往々にして夢を一つ一つ捨てていくということと同義になるのである。

 失礼、完全に自分のことばかり書いてしまった。しかしこのように見た者に思春期の頃の自分自身(現在思春期の最中の者には今の自分)を呼び起こさずにいられないのが彼の作品なんだろう。

 

7/31 岡本太郎作「太陽の塔」

 表題作は大坂万博のモニュメントとして建造された作品である。しかし岡本太郎自身は、この博覧会のテーマである「進歩と調和」には反対だったという。

 岡本太郎は、著名な漫画家の父と小説家の母の間に生まれ、18才にしてパリに渡る。そこでピカソなどにかぶれ、インパクト重視のスタイルに目覚めたらしい。そして帰国後の1967年、万博のテーマプロデューサーを依頼される。

 彼は進歩は未来にしか目が向いていないし、調和にも嘘っぽさのようなものを感じたらしく、彼は「ベラボー」なものを作りたいとして、太陽の塔を設計したという。彼はここに古代からのエネルギーのようなものを爆発させようとしたという。

 というが・・・作品自体がつまらないもんな、岡本太郎は。私は彼は所詮はそのキャラクターでウケていたタレントだと見てるから・・・。

 

7/23 絵画史上 最も美しい女性の肖像画〜日本編〜

 アンケート企画の最終回になる。今回は女性の肖像の日本版。

 5位 喜多川歌麿作「ビードロを吹く女」 4位 菱川師宣作「見返り美人」 3位 竹久夢二作「黒船屋」 2位 上村松園作「序の舞」 1位 黒田清輝作「湖畔」といったところである。だが、1位の「湖畔」はまだ実はこの番組で取り上げてなかったとのことで、今回急遽この絵の物語を展開している。

 この絵を描いた黒田清輝は上流階級の生まれである。慶応2年に薩摩藩士の子として生まれた彼は叔父の黒田清綱の養子となる。政治化であった彼の後を受けて政治家となるべくヨーロッパに渡った彼だが、彼はそこで絵に目覚めてフランス人の画家に弟子入りしてしまう。

 10年のヨーロッパ暮らしの後に帰国した彼は、養父の薦めでとある良家の娘と結婚するが、すぐに破綻する。既にフランスの自由な空気に染まっていた彼は、日本の窮屈な空気に馴染めなくなっていたのだという。現に帰国後まもなく、彼の裸体画が「芸術か猥褻か」という不毛な論争に巻き込まれる。当時の日本は未だに裸体画が猥褻だと問題視されるほど遅れていたのである。その頃に彼が出会ったのが金子種子(後に照子と改名)である。この絵のモデルは彼女であるという。彼女は後に黒田夫人となるが、良家の出身でない彼女との結婚には養父が頑強に反対したことから、二人が正式に結婚したのは養父が死んだ後だという。湖畔に描かれている女性が憂いを帯びているように見えるのは、彼女のその不安定な境遇の表れだという。

 またこの絵は黒田の作品としても異色作だという。黒田は大抵の作品を多くの習作を制作してから精緻に作り上げているが、この作品についてはほとんど即興で描いているという。彼は肖像と風景を一体とさせたこの作品のイメージを、一瞬のうちに作り上げていたのだと考えられるという。

 なおこの絵は東京の黒田記念館に収蔵されているが、この夏は徳島県近代美術館に巡業中なので注意。なおこの徳島県近代美術館で開催中の「黒田清輝展」については私も行きたいと考えており、その計画を練っている最中である(笑)。

 再放送でなかった分、今までよりは面白かったかといったところ。で、次回は岡本太郎とか。私はどうしても彼の感性は非凡だとは感じないのだが・・・。

 

7/9 絵画史上 最も美しい風景画〜海外編〜

 こんかいも前回に続いてアンケート企画である。今回のテーマは風景画。

 アンケートの結果だが、9位はブリューゲル作「雪中の狩人」とゴッホ作「アルルのはね橋」 8位 ターナー作「雨、蒸気、スピード、グレートウェスタン鉄道」 7位 ミレー作「晩鐘」 6位 ゴッホ作「星月夜」 5位 モネ作「印象−日の出」 4位 ミレー作「落ち穂拾い」 3位 フェルメール作「デルフトの眺望」 2位 モネ作「睡蓮」 1位 ゴッホ作「夜のカフェテラス」

 大体人気に比例した順位になっているが、1位のゴッホは明らかに現在開催中のゴッホ展の宣伝で、この絵が何度も登場しているためであろう。ゴッホは日本でも人気の高い画家だが、それにしてもゴッホの作品が多すぎるように思えるのは、やはりゴッホ展の影響だろう。また肖像画に比べると登場する画家のバリエーションがあまりに少ないが、これは近代まで絵画といえば肖像画だったということの影響が大きかろう。

 で、今回はゴッホの紹介であるのだが、ゴッホが浮世絵の影響を受けたとかいつものパターンであるので、今更改めてどうこう言うほどのものでもありません。結局は、ゴッホ展の復習みたいな形でした。今回は。

 

7/2 絵画史上 最も美しい女性の肖像〜海外編〜

 いわゆるアンケート企画である。応募総数は2099通とのこと。テレビ番組の企画としては応募総数が少なめに見えるのは、この番組の知名度の低さか、それとも特に応募したからと言って景品がもらえるというわけでもなかったせいかは定かではないが。

 順位は以下の通り 10位 ラ・トゥール作「ポンパドゥール公爵夫人の肖像」 9位 ラファエロ作「ラ・ヴェラータ」 8位 モネ作「日傘をさす女」 7位 ミレイ作「オフィーリア」 6位 アングル作「泉」 5位 ボッティチェリ作「ヴィーナスの誕生」 4位 ラファエロ作「小椅子の聖母」 3位 グイド・レーニ作「ベアトリーチェ・チェンチの肖像」 2位 レオナルド・ダ・ヴィンチ作「モナリザ」 1位 フェルメール作「真珠の首飾りの少女」である。

 ほぼ予想通りの妥当な線である。概ね絵の人気通りと言えるが、番狂わせ的なのは3位のベアトリーチェ・チェンチの肖像であろう。ただこれについてはこの回を見た者なら誰でも記憶にあるとも思うが、彼女の数奇な運命が、番組の作り方のうまさもあって非常に印象に残ったので、この番組の視聴者なら上位に上がってきたのは納得のいくところ。

 で、この後は結局はフェルメールの回の再編集だが、ここに例の真珠の首飾りの少女はベアトリーチェ・チェンチではないかという仮説を絡めた内容。まあ想像するのはいくらでも自由だが、フェルメールがこの絵を見ていた可能性は皆無ではないとは言うものの、実際には皆無に近いのが本当のところではないのか?

 

6/25 アメディオ・モディリアーニ作「自画像」

 イタリア出身のモディリアーニはエコール・ド・パリの時代、パリでアルコールと麻薬に溺れる生活を送っていた。ただピカソの言によると、モディリアーニはボヘミアンを装っていただけにすぎないとのことだが、実際に彼は虚構の中を生きていた節があるという。

 1916年、彼は画商のレオポルド・ズボロウスキーと出会う。新しい才能を探していた彼は、モディリアーニに目を付け、その後モディリアーニの支援を続けることになる。彼はモディリアーニに自らの住まいをアトリエとして提供し、好きなだけ画材を買い与え、絵を描かせる。またモディリアーニはこの頃に恋人のジャンヌ・エビュテルヌと出会っている。彼は彼女の絵を描き続ける中で自身の画風を確立したのだという。

 そしてモディリアーニは初めての個展を開く。ここに展示されたのが有名な「髪をほどいた横たわる裸婦」などであるが、あまりにも挑発的なその裸体画は「風紀を乱す」として警察の取り締まりに合い、撤去させられることになってしまい、結局は一枚も絵が売れないまま個展は終わる。才能が認められない焦りなどからさらに酒に溺れるモディリアーニにズボルスキーは南に行くことを勧め、モディリアーニは身ごもっていたジャンヌと共にニースに渡る。

 そこで彼は農夫達の絵(この時に描いた「おさげ髪の少女」を私は名古屋市美術館で見たのだが、モディリアーニの絵にしては珍しく好感を持てる絵だと感じた記憶がある)を描いたり、今まで描いたことのない風景画などを描いた。ここで娘が誕生して、彼は今までにない平穏な生活を送った。

 しかし彼は1年の療養生活後、再びパリに戻る。彼にとっては栄光はパリにしかなかったのである。そこで彼は意欲的に創作に励み、画家としての評価も高まり始める。しかし彼を追ってジャンヌがパリに戻って来た頃を期に、彼は再び酒に溺れ始める。それと共に健康を患い、結核によって35才で死去する。表題作の自画像は彼が死の直前に描いたものであるという。そこには彼の死に対する予感が漂っているという。またジャンヌは彼の死の2日後、アトリエの窓から身を投げて自ら命を絶ったという。

 典型的な自己破滅型の芸術家の末路といったところ、彼の芸術は破滅型の生活の中からしか出てこなかったのではないかとの気もする。実際、ニース時代の彼の作品は彼にしては珍しい穏やかさの漂うものであり、彼の作品の中からすればかなり異端である(だからこそ私は、彼の「お下げ髪の少女」の絵に好感を抱いたのだと思うが)。しかし彼にとってはそのような境地は納得のいかないものだったのだろう。昔から天才となんとかは紙一重と言うが、どうも芸術の天才的才能とは、人間として根本的な部分の欠損の代償として発現しているように思えてならないことが多々ある。

 

6/18 小出楢重作「Nの家族」

 表題作は「東の(岸田)劉生、西の楢重」と言われるほどの人気を博することになった小出楢重が自分の家族を描いた作品である。

 明治20年、大阪のミナミの道頓堀川沿いの繁華街で、香薬の製造販売をしていた店のボンボンとして生まれた楢重は、ミナミの雑然とした雰囲気の中で育った。しかし生来病弱だった彼は、家業を放り出して画家となるべく東京に上る。彼が大阪を離れたのは「大阪はのんきすぎ、明るすぎ、陽気すぎ、芸術のようなものにはむかない」という理由だったという。

 しかし東京美術学校に通い、黒田清輝の美術塾・白馬会にも加入した楢重だが、印象派の影響を受けた黒田清輝の流派の様式にはなじめなかった(影は黒ではなくて紫だという指導を受けたが、どうしても彼には影が紫には見えなかったというエピソードが紹介されている。見えないものを紫になど描いてやるかと言っていたというのがいかにも反骨精神旺盛だが。)。

 結局彼は、美術学校を卒業すると共に帰郷し、大阪で文展突破のためにアトリエにこもった。しかし彼の絵画は文展の審査員の目には馴染ます(文展の審査員はかなり保守的だったらしい)、落選を続けた。結局、彼の絵を見た友人の小説家・広津和郎に「君の絵は文展よりもむしろ二科展に出展すべきだ」と言われ、それに従った彼は二科展でかつて関根正二が受賞した樗牛賞を受賞、やっと彼は自分の絵画にあった舞台を見つけたのだった。

 楢重は33才の時、夢にまで見たパリに渡るが「パリの美術は実に駄目だ」と半年で帰ってきたという。その後の彼は日本人だけが描ける西洋画を目指し、日本女性の裸体を描き続けたという。裸婦は西洋画の基礎であるが、日本人はバランスが悪いと日本女性の裸婦像は当時敬遠されていたという。彼はついに日本女性ならではの裸婦像にたどり着くが、その時には病弱だった彼の体力は限界に達していた。結局彼は、1930年の「枯れ木のある風景」を最後の油絵としてこの世を去る。

 大阪精神がかなり身に染みついていた人物のようである(反骨精神の強さはまさに大阪気質)。彼は大阪から一度出ているが、大阪が芸術にむかないというのは私も同感。実際、今でも大阪は芸術分野に関しては東京などに比べるとかなりお粗末である。多分、こっちに興味のある関西人なら、大阪の美術館などの貧困さには不満を感じているだろう。実情としては、大阪単独ではとても東京に対立することは不可能で、大阪・神戸・京都といった京阪神で括って、初めて東京と対抗できるといったのが実情である。やはり関西では文化は大阪よりも京都というのが未だに実情である。

 ただ、一度大阪を出たものの、やはり根っから大阪に染まっている者は、東京には馴染めなかったのではないか。結局は彼は「東京もパリもなんぼのもんじゃい」という風になったようである(笑)。大阪人のアイデンティティーというのは、結構強いのである(笑)。実際、東京に行っても頑なに方言を使い続けるのは大阪人だけという話もある(笑)。

 なお番組中では芦屋市立美術博物館に小出楢重のアトリエが復元されていると言っていたが、私はここは何度か訪れているが、そのことは全く知らなかった(笑)。谷崎潤一郎の家はあったと思うのだが・・・。ちなみにアトリエと言えば、神戸の小磯記念美術館は、小磯のアトリエがまるまる移築されています。

 

6/4 フランス・ハルス作「養老院の女性理事たち」

 表題作は17世紀のオランダの画家・ハルクが描いた老婦人の肖像画である。今見ると全く何の変哲もない絵に見えるのだが、ある点で非常に画期的な絵画だという。

 17世紀頃には経済力をつけた市民が増加しており、それまで貴族の特権であった肖像画を描かせて自身の功績を後代に残そうとする者が現れていた。この頃に現れた肖像画に「集団肖像画」と呼ばれるものがある。これは公共施設の理事などを務めた者が、金を出し合って描かせた肖像画であるという。しかし各人を平等に描くことが重視されるため、各人のポーズは似通ったものになり、表情などにも差がない極めて不自然な絵になる(実際、番組中に登場した集団肖像画も笑ってしまうようなものがあったが)。しかしそこにハルスは自然な要素を取り入れたのである。ハルスの絵画では人々の一瞬の動きが描かれており、絵画全体でストーリーが見える上に、各人の個性までが垣間見えるのである。例えば表題作やそれの男性版である「養老院の理事たち」でも、各人の役割が動きや小道具で分かる上に、それぞれが個性的に描かれているのである。

 しかしその後、オランダではレンブラントやフェルメールなどが登場し、オランダ絵画の全盛を迎える。その中でハルスの存在は忘れられていく。しかし後にゴッホを初めとして多くの画家がハルスの作品に魅せられて、再び脚光を浴びることになったという。ゴッホらを魅せたハルスの絵画の特徴は黒。ゴッホによるとハルスは27色の黒を使っているという。当時の権力者などは黒い服をよく着たので、ハルスの肖像画は黒い絵が多いのだが、ハルスは黒をベースに他の色などを混ぜ込んだ多彩な黒色を使い分けており、これが絵に深みを与えているのだという。

 原色を炸裂させたマティスなどと対照的な話である(笑)。確かにハルスの絵は、ほとんど黒のモノトーンに見えるにもかかわらず、そこにメリハリと表現が含まれているのは事実であり、やはり卓越した技法があるのだろう。ただハルスの絵画の神髄は、黒の使い方もさることながら、やはり人物の特徴をつかむ感覚だったのではない。当時の他の肖像画などと比較しても、明らかにハルスの肖像画は個性的で、モデルとなった人物の本質をよく伝えているように思われる。この辺りは彼の観察眼が卓越していたということの証明であり、同じ黒でも使い分けられた彼のテクニックは、この観察眼に根ざしているのではないかと感じる。

 

5/28 土田麦僊作「大原女」

 日本画の画家・麦僊は洋画の技法も取り入れながら、日本画の革新を図った画家である。京都国立近代美術館に収蔵されている表題作は、絹地に描かれた(そのために傷みやすく、公開は限られているという)明るい美しい画である。

 彼は京都円山派の流れを汲む画家であり、そのデッサン力には定評があるが、その枠に飽きたらず、若手画家の仲間達と日本画の革新に乗り出したという。麦僊のライバルといわれたのが村上華岳、独特な風景画を描いた入江波光、画塾からの仲間で精密風景画を描いた小野竹喬などが仲間にいるという。

 麦僊は印象派の絵画を手本に、独自の境地を拓いていく。しかし彼はより本格的に西洋画を学ぶことを考え、1921年にヨーロッパに渡る。そこで彼は洋画の研究に没頭し、中世フレスコ画などから、日本画における線の表現に可能性を感じる。帰国した彼が4年をかけて描いたのが表題作である。西洋画と日本画のエッセンスが微妙に混じった画面となっている。しかし彼はこれから自らの画業を達成しようとする途中、49才で膵臓癌で倒れる。

 実は表題作を私は京都国立近代美術館で見たことがあるのだが、美しいという印象が鮮明に残る絵画である。その一方で、やけにリアルな人物と対照的に極めて様式化されているような背景とが妙なバランスを保っていたことや、日本画とも西洋画とも言いにくいその画風も強烈な印象となった。恐らくそこまでの印象は、テレビ画面からだけでは残念ながら伝わって来まい。この辺りはやはり美術においては現物に触れることが大事であるということである。

 

5/21 ジャン・ロレンツォ・ベルニーニ作「聖女テレージアの法悦」

 ベルニーニはローマを代表する彫刻家であり、かつて教皇に「ベルニーニはローマのためにあり、ローマはベルニーニのためにある」と言わしめた天才であるという。彼の父も高名な彫刻家であり、ベルニーニは幼い頃から彫刻の英才教育を受けた。そのベルニーニの才能に目を付けたのが教皇パウルス5世だったという。彼は「この子供が彼の時代のミケランジェロになることを期待しよう」と語り、彼を屋敷に招いてバチカンに出入りさせ、ミケランジェロなどの作品を見せたという。

 彼の彫刻の特徴は、まさに躍動するような生命感であり、静寂の美であるミケランジェロに対し、躍動の美と言われているという。彼のこの躍動感ある表現は、ルネサンスの時代からバロックの時代への変化を導いたという。

 彼はローマの多くの噴水建設などに携わっているが、教皇がイノケンティウス10世に替わった時、前教皇に溺愛されていたベルニーニは妬まれ、ローマの彫刻の仕事からはずされたという。しかしこの頃に彼が作った四大河の噴水がローマ市民達に絶賛され、また同じ時期に作った表題作は、彼を疎んじていたイノケンティウス10世を唸らさずにはいられず、結局は教皇も彼の天才を認めざるを得なくなったという。結局彼は8人の教皇に仕え、1680年に82才で亡くなったという。イタリアバロックの時代はベルニーニと共に生まれ、ベルニーニと共に去ったという。

 教皇でなくても彼の天才は認めないわけにはいかないだろう。彼の作品が凄まじいのは、冷たくて硬い大理石を加工しているはずの作品から、人の肌の柔らかさと暖かさが伝わってくること。圧倒的な表現力である。以前に彼の作品は「世界美術館紀行」のボルテーゼ美術館の回に登場しているが、その時も彼の彫刻の凄まじい表現力には圧倒された記憶がある。これだけの天才となれば、万人が才能を認めないわけに行かないから、いくら教皇が個人的に彼を嫌っていても、排除することは不可能になったのだろう。納得のいくことである。

 

5/14 三岸節子作「さいたさいたさくらがさいた」

 先週は夫だった三岸好太郎だったが、今週は妻の方である。

 夫に先立たれた節子は子供3人を抱えて生活に追われることになるが、創作の点では逆に制約がはずれたようになる。男性が中心の画壇に対抗して女流画家7人で美術団体を設立するなど、積極的な活動を行う一方で、子供の食い扶持を稼ぐためにあらゆる仕事を受ける「血みどろの戦い」をしたという。

 戦前から戦後にかけて、年下の画家・菅野圭介との恋愛と別れなどがあった後、子供を養う義務を終えた彼女は、60才を越えてヨーロッパに渡る。ヨーロッパの石と壁の街が彼女の心を捉え、天性のカラーリストであった彼女の才能が爆発する。

 その彼女が日本に帰国したのは84才の時であった。大磯にあったアトリエに戻って、そこで制作を始める。そして1996年、90歳を超えた彼女は桜の絵に挑んだのだという。こうして描き上げた100号の大作が表題作であるという。

 昔から、男が長生きするには妻にも長生きして貰うこと、女が長生きするには夫に早めに死んで貰うことなどと言うが、結局のところ節子も夫が早逝したことで長生きしたという印象がある。

 さて節子の作品であるが、初期の頃のマティス風の作品よりも、明らかに晩年の作品の方が凄みが増している。特に表題作などは確かになかなか面白い。画家は長生きして円熟した作品を見せるのが使命というのが彼女の考えだったらしいが、確かにその通りになっている。私個人としては夫の好太郎の作品はあまり面白いとは感じなかったが、彼女の作品の方は結構面白い。

 

5/7 三岸好太郎作「飛ぶ蝶」

 三岸好太郎は札幌で生まれた画家で、31才と若くして夭折したが、その10年の画業の中で目まぐるしく画風が変遷した画家である。

 大正期の画家である彼は、昭和でも明治でもない大正という自由な雰囲気の中で、まさに駆け抜けた画家であったようである。貧乏の中で独学で画を学んだ彼は、女子美術学生であった節子に猛烈なアタックをかけて結婚したが、後に彼女も画家として名を上げる節子の話によると、金持ちの娘として生まれた彼女にとって、好太郎との生活は苦しいものであり、また結婚生活の後半は好太郎の女性問題(かなりしょっちゅう愛人をつくったようだ)に悩まされ、自殺のことばかり考えている状態だったという。なお節子によると、好太郎の画風が変わるのは、新しい女性を愛人にするのがきっかけだったとのこと。

 確かに好太郎の画風の変遷は目まぐるしい。10年で近代絵画の歴史を駆け抜けた印象である。表題作を描いたの死の1週間前だったというが、この時も彼は、蝶と貝という新たに見つけた画題を元に、一気に7枚の作品を描き上げたという。表題作は、標本にされていたはずの蝶の一匹が、束縛を離れて飛んでいこうとしている場面を描いたものである。ここには好太郎の何らかの精神が含まれていたのだろうが、彼はこの直後、旅先の旅館で胃潰瘍から来る心臓発作で客死する。

 なお夫の死を知らされた妻の節子の心に浮かんだ言葉は「そうだ、これでやっと生きられる。私は生きられる。」というものだったと言うが、この後の彼女のエピソードは次回とのこと。連チャンかいな・・。なお今、高島屋で三岸節子の作品展が開催されているようなので、これとの連携企画なんだろう。

 ちなみに三岸好太郎の作品は、節子の寄贈(晩年の彼女は夫の作品を集めることに精力を傾けたという)によって札幌に建設された三岸好太郎美術館に、収蔵されているという。

 で、彼の作品なんだが・・・うーん、現代芸術に対して懐疑的な私にとっては・・・。画風がコロコロ変わるというのは、進化が早いという言い方ものできるかもしれないが、単に節操がないだけと言えなくもないし。表題作にしても、蝶があまり好きでない私には気持ち悪いだけ。

 

4/30 ジェームズ・アンソール作「首吊り死体を奪い合う骸骨たち」

 奇妙な絵画である。1つの首吊り死体を囲んで骸骨が争っており、それを多くの仮面が眺めているという光景である。グロテスクでかつ妙にユーモラスでもある。

 この作品を描いたアンソールは、今日ではベルギーの巨匠として知られているが、彼がこれを描いた19世紀にはベルギーの画壇は古典絵画が中心であり、彼の作品は「アトリエの汚物」とまで言われて忌み嫌われたという。

 アンソールは裕福なイギリス人の父と、土産物屋をしていた母の間に生まれた。彼の故郷は避暑地として有名な海岸の街・オーステンドであるが、そこは元々は古戦場であり、海岸の砂を掘れば骸骨はいくらでも出てきた。また仮面は彼が育った店に多く並べられていたものであるという。

 ただ彼がそのような奇っ怪な絵画を描くようになるには変遷があった。彼は尊敬する父の薦めで絵画を習ったが、当時の彼の荒々しいタッチの絵画は、印象派でさえ邪道と考えているベルギーの画壇から猛烈な反発を受け、評論家らから散々なる悪評を蒙った。そんな彼を支持し続けてくれたのは父であったが、その頃には事業で失敗した父はアルコール中毒になっており、それをなじる母との間で不和が生じ、家庭は惨憺たる有様になっていたという。かつての尊敬する父とやさしい母のその状況が、彼を仮面と骸骨の絵に向かわせることになったとのこと。通常、仮面は内心を偽るためにつけるものだが、彼の仮面は人間の内面を現しているものだという。しかし当然のように彼の絵画は猛反発を受ける。そんな彼を支えたのは彼の理解者であり、友人でもあったルソー一家である。傷つきやすい彼は、ルソー一家の支えによって作品を描き続けた。

 やがてベルギーでも画壇の革命運動が起き、新しい芸術を目指す画家達が二十人会を立ち上げ、彼もそれに参加する。しかしそのメンバーでさえ彼の作品は突飛すぎて理解できず、彼は画壇からも孤立する。表題作はそのような周囲の無理解に対して、彼がそれを皮肉る精神を現したものだという。彼が時代に受け入れられたのは、ピカソやマチスが登場したの後になる。

 時代の先を行きすぎて受け入れられなかった芸術家というお決まりのパターンである。彼の作品に強烈な風刺が含まれていることは一見して分かるが、その背景に諸々の屈折があったようだ。まあもっとも、彼の作品は面白くはあるが、それが芸術的に感心するかと言えば、正直なところ別次元である。なお今日でも「時代に受け入れられない不遇な芸術家」を気取っている者は多くいるが、その中で本当に時代に受け入れられていないだけの者はごく少数であり、大抵は「自分の世界だけで自己完結して悦に入っているだけの独善者」であるのが事実だったりする。時代に受け入れられないのではなく、他人には理解しようがない(自分だけで分かった気になっている)作品を作っている輩がどれだけ多いか・・・。

 

4/23 谷中安規作「街の本」

 表題作は、異色の版画家として活躍したが、終戦の翌年に餓死した谷中安規による街の風景を描いた独特の版画である。

 浮浪者同然の身なりでフラフラと放浪していた彼は、風船画伯と呼ばれていたという。25歳の時、創作版画の第一人者であった永瀬義朗の入門書をきっかけにして独学で版画を学んだ彼は、3年後には永瀬の元を作品を持って訪れたという。谷中の姿を見た永瀬は「未だかつてこんなに痩せた男を見たことがない」と腰を抜かしたという。さらに彼の作品については「感想を述べよと訊かれるなら、大いなるショッキングであった云う外はない」と語っているという。幻想とも妄想ともつかない谷中の世界は、永瀬を大いに戸惑わせたという。

 谷中の版画の才能を見出したのは、版画雑誌「白と黒」を主催していた料治熊太である。盟友には棟方志功などがおり、棟方は画壇の注目を浴びていくことになるが、谷中は独自の世界に走っていったという。小説家・内田百聞に挿絵と装丁を依頼されて制作した童話「王様の背中」は、ユーモアにあふれる天真爛漫な世界が展開しており、希代の偏屈と云われた百聞も谷中の作品に魅入られ、この共同作業はその後も続いたという。ただこのようになっても、谷中の生活は浮浪者のようなものであったという。

 しかし時代は彼のような人間にとっては暮らしにくいものとなる。そして戦後、彼はバラックの中で栄養失調で死亡する。

 なんと言おうか、確かに凄まじい作品である。棟方志功の作品に独特のパワーがあるが、谷中の作品はまた棟方と違ったパワーがあふれている。社会からはみ出した自由人といおうかアウトサイダーの視点がそこにあるのだろう。しかし、一つ間違うとうなされそうな版画だ(笑)。

 

4/16 英一蝶作「布晒舞図」

 表題作は元禄時代の絵師、英一蝶が描いた躍動感あふれる絵画である。長い布を地面につけないように激しく舞う踊り子と、それを伴奏する(しかも見たら分かるように相当にテンションが上がっている)男達を描いた絵画である。

 元禄時代は文化が花咲いた時代でもあるが、この時代は同時に綱吉の治世下で、浅野事件に見られるように裁きは公平を欠き、あの馬鹿法・生類憐れみの令によって人間よりも犬が大事にされるといった不条理な世であった。そして一蝶もその不条理に翻弄された絵師であったという。

 京の医師の家に生まれた一蝶は、狩野派の元で絵画の技法を学んだが、人を楽しませる絵画を描きたいとして、狩野派の絢爛豪華な世界ではなく、庶民の姿や吉原の光景などを描いた。一蝶は実は絵師であると同時に、一流の太鼓持ち(男芸者)でもあったのだという。彼は非常にもてなし上手で、彼にもてなされると大名などは気持ちが良くなってどんどん散財したらしい。しかしこれが彼にとっての不幸になる。

 一蝶は突然に島流しに遭う。罪状は流説「馬のものいう」を広めた罪だという。この「馬のものいう」とは馬や犬が「今は何をやっても人間にいじめられることがないいい時代」だと言い合ったという、生類憐れみの令を皮肉った流説だった(早い話が社会批判)とのこと。しかし実は一蝶がえん罪だったことは、別の真犯人が捕らえられたことで明らかになったのだが、それにも関わらず一蝶は島流しにされたのだという。それは将軍の母の桂冒院に関わりのある大名などを吉原に誘い出して散財させたとして「大名の毒虫」として処罰されたのだという(つまりは一蝶を処罰することが目的としてあって、口実は何でも良かったということ。これもこの時代の裁きが公平性を欠いていた証明でもある。)。

 一蝶は三宅島に流されて、そこで窮乏生活を送るが、それでも江戸で自分の絵を支持してくれる人々のために絵を描き続けたのだという(生活のためという側面もあったと思うが)。表題作は実はこの時代に描かれたものであり、高価な絵の具などが使えないため、一部が退色していたり色が剥がれていたりするという。

 そのような一蝶に思わぬ転機が訪れる。1709年、綱吉が死に、六代将軍は生類憐れみの令を廃止する(六代将軍が行った唯一の良い政策と言われていることである)。そしてそれに関する罪状となっていた一蝶は放免されて江戸に帰還する。57才で江戸に戻った一蝶は、失われた時を取り戻すかのように大作を手がける。彼は人気絵師として復活するが、吉原には通い続けたとのことである。

 元禄時代の庶民文化の象徴のような画家と、それを統制しようとする権力の物語である。しかしながらそのような逆境にもかかわらず、一蝶の画には全くの暗さやつらさが見られないのは、やはり彼は根っからのエンターティナーだったのだろう。多分、現在ならテレビの芸人兼プロデューサーとして大活躍したのではないかと思われる。

 それにしても綱吉という将軍、調べれば調べるほどアホな話しか出てこないんだよな・・・。やっぱり「生類憐れみの令」なんて世界にまで知られるほどの馬鹿法を作ってしまったのがすべてだろうな。多分、綱吉自身の本来の意図はもっと違っていただろうと思うのだが(彼自身は武士時代の殺伐とした空気を一掃し、より文化的で規律のある世の中を目指していたんだろうが、理念が先行して方法論を間違えたのだろう)。

 

4/9 アンリ・マティス作「ロザリオ礼拝堂」

 フランスのニースに、画家マティスがデザインした礼拝堂がある。内部に入ると独特の空間になっているのだが、なぜか暖かみを感じるような建物である。

 マティスは色彩の魔術師と言われた20世紀を代表する画家である。彼の作品は極めて単純に見えて実はかなりの試行錯誤を行っているものである。そのマティスはニースに魅せられて、毎年冬にはニースに来ていた。

 1939年、第二次世界大戦が勃発した頃、70才のマティスは十二指腸癌による二度の手術で死線をさまよっていた。彼は看護士モニクの手厚い看護で辛うじて一命を取り留めるが、パリでレジスタンス活動をしていた妻と娘がナチスに拘留されたという報が届く。やがてニースでも空襲が始まり、彼は山間の田舎町のヴァンスに疎開する。彼はそこで戦争を思わせない平和な絵を描き続ける。

 戦争が終わって彼の病も落ち着いた頃、彼のアトリエの向かいの修道院からジャック・マリーという修道女がやってきて、彼に礼拝所再建のステンドグラスのアドバイスを求める。しかしその修道女を見たマティスは驚く。彼女こそがかつて彼を看病したモニクだった。この出会いに運命を感じた彼は、無報酬で礼拝堂のすべての監修を請け負う。

 礼拝堂は命の樹を基本モチーフに用いている。当初はミツバチをモチーフに用いた様々な色彩を使用したステンドグラスを想定していたが、最終的には青と黄色と緑だけを用いた命の樹に落ち着いたという。その単純な色彩と簡略化された壁のモチーフが相乗効果をあげている。なおこれではマティスの好む赤を使えないが、偶然にも青と緑の光が乱反射で混合し、赤紫の色彩が現れ、これがマティスを大喜びさせたという。

 礼拝堂は1951年に完成し、その4年後にマティスは84才の生涯を終える。

 奇妙な建物であるが、あのマティスがデザインしたと言えば頷ける建物である。私自身はマティスについてはさして興味のある画家ではなかったのだが、去年末に国立西洋美術館で開催された「マティス展」を見に行って、その独特の色彩の構成に強い衝撃を受けたのをおぼえている。そのマティスの世界をそのまま持ってきたような建物である。けばけばしいまでの原色を用いながら、それでいて全体から受ける印象は暖かくて柔らかい。それにしても宗教施設にこのようなデザインを持ってくるというのも大胆ではあるが。日本の神社仏閣ではこういうわけにもいくまい。

 

4/2 いわさきちひろ作「こどもたち」

 水彩絵の具を使った淡い色彩でこどもたちを描いたいわさきちひろ。彼女はこどもの頃から絵が好きで、彼女の画才は評判になり、14才で画家の岡田三郎助に師事する。画家になりたいと考える彼女だが、その夢は戦争で妨げられる。戦後彼女は雑誌記者や本の挿絵をしながら生活する。1950年に結婚、翌年には長男が生まれ、このことが彼女に無上の画題を与えることになる。

 彼女の挿絵は評判が高くなり、やがて絵本で大評判となっていく。そして彼女は絵で語っていく絵本を作り上げる。彼女はこの絵本のために数百の絵を描き、それをだんだんと絞り込んでいったのだという。その結果、完成した絵本は非常に余白の多いものとなった。番組によると「引き算の絵本」だという。

 やがてベトナム戦争が始まり、アメリカによる無差別北爆が始まる。現地から送られるこどもたちの写真は彼女を傷つける。彼女がその戦争に対する怒りをこめて描いたのが、黒一色で淡々と描かれた「戦火のなかの子どもたち」である。静かな作品だけに、逆に彼女の憤りの深さが伝わってくる。彼女はこの作品に全身全霊をこめたのか、その後病死したとのこと。

 なお最後にエプソンの宣伝としか思えない紹介(ピエゾグラフについて)と大丸ミュージアム梅田での展覧会の案内があった。やっぱりタイアップ企画か。健康番組がインチキ健康食品メーカーとタイアップして宣伝するのとは違って、まあいいが。

 彼女の絵画は非常に有名なので、ほとんどの人が一度は見たことがあると思う。かく言う私も、「いわさきちひろ」という名前には全く心当たりはなかったが、あの絵が出てくると「ああ、あれ」って感じであった。絵の具の濃淡やにじみだけで空間を表現した手法は確かに凄いし、現代の水墨画とも言えるような画風は、日本人が好みそうなところでもある。ただ個人的には、確かに絵本としては雰囲気は良いが、「だからどうなの?」と感じてしまうところがあるのは事実。なお、ベトナム戦争に激しい憤りを感じた彼女、今も相も変わらずイラクで同じことを繰り返しているアメリカを見たら、どんな作品を作り上げただろうか。

 

3/26 トゥールーズ=ロートレック作「ムーラン街のサロン」

 ポスターで有名なロートレックであるが、表題作はロートレックが娼婦達の日常の光景を描いた作品である。

 ロートレックは貴族の家に生まれ、父から跡取りとして期待されていたが、14歳の時に転倒したことで足の骨が折れ、これで成長が止まってしまったという。もはや馬にも乗ることも出来なくなってしまった彼に対し、父は声をかけることさえなくなったという。そして彼は絵画の道に進んだとのこと。彼は偉そうな者や横柄な者には皮肉の効いた攻撃を繰り出し、自分自身の不幸をもあざ笑っていたようであるという。実際に彼の描いた歌手の絵などは、モデルの人間性をもあぶり出すようなデフォルメの効いたものになっている(それだけに、彼がモデルとなった人物から訴えられたということも多々あったようである)。またそのようなデフォルメや単純化は彼が傾倒した日本の浮世絵などの影響もあるという。

 そのような中、彼が生きている人間の姿を感じたのが、娼婦達であった。彼は彼女たちの多くのスケッチを残しているという。彼の言葉によると「人間は醜い、しかし人生は美しい」とのこと。娼婦の館は彼にとっては生活の場であったのだという。しかし彼は極端な不摂生が祟って37才でこの世を去る。

 どうも「転倒して足を折って、成長が止まってしまった」というのが今一つよく分からない。ただ単純に事故によってそうなったのではなく、既に骨に起因する病気を持っていたので、転倒しただけで足を折ってしまったのではないかと思えるのだが、そこのところは私には判断しかねる。また人間をかなり漫画チックにデフォルメしているロートレックの作品は好き嫌いの分かれるところ。私は個人的にはあのくねくねした線はあまり好きでない。また少なくとも女性なら、ロートレックにポスターを描いて貰うよりは、ミュシャにポスターを描いて貰いたいと思うだろう(笑)。

 なおロートレックの作品は現在、大丸心斎橋店で展覧会が行われており、どうも今回の番組はその辺りとの連携企画のように思われる。また来週のテーマである「いわさきちひろ」も今年が没後40年ということで、先の大丸も含めて各地で展覧会が企画されているようなので、恐らくそれとの連携であろう。最近とみに連携企画が増しているこの番組である。もっともそのような「裏のスポンサー」がついたところで、健康系番組と違って中身が歪められるということはないし、こっちとしても展覧会に出かける前の予習になってちょうど良いが。

 

3/19 ギュスターヴ・エッフェル作「エッフェル塔」

 パリのエッフェル塔はパリで開催された万国博覧会の目玉として建設された鉄塔であるが、建設当時から様々な議論があったという。

 エッフェル塔を設計したギュスターヴ・エッフェルは鉄橋などを手がけた技術者である。万国博覧会用の塔の案は2つあり、もう1つは著名な建築家であるジュール・ブルデが設計した「太陽の塔」という石造りの塔であったという。しかし産業の象徴という観点から鉄塔であるエッフェルの案が採用された。

 しかしこの塔の建築が始まるや、「醜悪である」とパリの文化人の間から激しい抗議が盛り上がったという。その中にはモーパッサンの姿もあったという。ちなみにモーパッサンの行きつけの店がなぜかエッフェル塔の第2テラスにあるレストランであるというが、その理由が「ここがエッフェル塔の見えない唯一の場所である」という理由だったらしい。またモネやルノワールもあえてこの塔を無視してパリの風景を描いた。

 そんな中、逆にエッフェル塔に魅せられた芸術家もいた。アンリ・リヴィエールは葛飾北斎の影響を受け、エッフェル塔を描いたパリの三十六景の版画作品を作り上げたという(これがまたまるで北斎のパロディのようにさえ見える作品なんだが)。

 しかし建設後もエッフェル塔は様々な議論を呼んだ。実はこの塔は20年で解体される予定になっていたという。また改装の計画などが持ち上がったりしたが、これにはエッフェルが猛反対し、結局は「そこにあるから」という消極的な理由だけで残ることになったとか(解体の費用が負担できなかったのではないかという気もする)。

 その後、ナチスのパリ占領後、連合軍の猛攻撃を受けたヒトラーから、パリを燃やせという指令が出、エッフェル塔の破壊のために大量の爆薬が仕掛けられたこともあるが、なぜかこの計画は実施されなかったという(既にこの頃には第三帝国は完全に落ち目で、ヒトラーも下からの信頼を失っていたのではないか)。

 以上、今回は1時間のスペシャルであったのだが、要約してみるとやけに少ない内容になってしまった(笑)。小林薫が出演しての観光ガイドが多かったせいか? なお私は個人的にはモーパッサンの言っていることが一番実感として分かる。私が京都でよく行く場所に京都駅ビルがあるのだが、その理由も「ここにいればこの醜悪なビルを見ずにすむから」である。エッフェル塔は今やパリの風景に溶け込んでいると言われているが、この下品なビルだけは多分100年経っても京都には溶け込むまい。京都にとっての唯一の救いは、桂川にセーヌ川の橋のデザインを持って来るという大馬鹿計画が頓挫したことぐらいか(本当にあれが実現していたら、京都は世界中から笑いものになっていたろう)。

 

3/12 浅井忠作「収穫」

 表題作は日本のミレーと言われた浅井忠の代表作である。農村の収穫の風景を描いた油絵であるが、ここに日本の油絵の原点があるのだという。彼は黒田清輝と共に日本の近代洋画界の先駆者と言われた人物である。

 彼が油絵を描き始めたのは、まだ日本人の大半が油絵を見たこともない時代だった。明治維新の後、新政府によって欧米化が図られる中、美術の世界においても西洋化を目指すべく、明治9年、多くの外国人教師を招いて工部美術学校を設立した。浅井忠は20歳の時に第1期生としてそこに入学した。そこで彼はイタリア人画家のアントニオ・フォンタネージと出会う。西洋絵画について全く知らなかった若者達に対し、フォンタネージは絵の具の混ぜ方、筆の使い方から遠近法などに至るまでの西洋絵画の基礎を教える。バルビゾン派の流れを汲む風景画家であった彼から、浅井は絵画の基本を学ぶと共に、ミレーの絵画を見せられて大いに触発を受けた。しかしその後、フォンタネージは本格的な美術学校を作るという提案を明治政府に拒絶されたことから、浅井らの卒業を見ることなく帰国する。

 フォンタネージ去った後の浅井達を時代の激流が襲う。東京帝国大学に赴任したアメリカ人教師、アーネスト・フェノロサが日本伝統の美術を高く評価すると共に、日本の洋画を歴史を顧みない有害文化と攻撃したことから、明治維新直後に伝統絵画が排斥された反動が来たかのように、今度は洋画家達が迫害を受けることになる。1889年東京美術学校が創設されたが、フェノロサの弟子であった初代校長の岡倉天心は、学校に西洋画科をおかなかった。このままで日本の西洋画が衰退することを恐れた浅野はここで行動を起こす。彼は自らが中心となり80名の洋画家を集めて、明治美術会を結成、その秋には上野で第1回展覧会を開催する。まさに日本の洋画の存亡をかけた勝負だったが、評判が評判を呼び、明治天皇の皇后が来場したことで評価が決定的となり、それまであからさまに洋画を排斥していた者達も口をつむぐことになった。この評価を完全に確実にするために翌年の第二回展覧会のために作成したのが表題作である。そして1896年、ついに東京美術学校に西洋画科が設置され、翌年に浅野はそこの教授となる。44才でフランスに留学、帰国した彼は洋画研究所を開き、後進の指導に当たった。彼の元からは安井曾太郎や梅原龍三郎が育っていった。

 まさに日本の洋画の基礎を築いた人物のエピソードである。それにしても今まで西洋絵画を全く見たことのなかった20才の若者が、わずかな期間でこれだけの絵画を描けるようになったのだから、浅井忠の才能もさることながら、フォンタネージの指導者としての力量もなかなかのものであったのだろう。浅井の作品に関しては、題材は明らかに日本の風景であるにもかかわらず、画風は典型的なバルビゾン派系の風景画であることから、和洋折衷的な妙な魅力を感じる。明治初期は文化面でも急進派と保守派がしのぎを削った煽りで、大混乱が生じた時期だが(東京美術学校の校長の岡倉天心も、その後に内紛絡みで学校から追放されている)、この時期に日本画も日本の洋画も双方がどうにか生き残ったのは、後から見れば幸いである。

 

3/5 香月泰男作「青の太陽」

 山口生まれの画家・香月泰男は昭和17年12月に徴兵されて満州に渡り、そこでひたすら人殺しの訓練をさせられる中で終戦を迎える。しかし彼は帰国が叶わず、そのままシベリアに抑留される(なおこの番組は歴史番組ではないので触れていないが、このシベリア抑留は、ロシアに対する賠償金支払いを逃れるために、日本政府が意図的に捕虜を見捨てたのだということが近年に明らかになった)。飢えと寒さの中で戦友達が次々と死んでいく中、香月は画家として死にゆく友の顔を描き続けていたという。彼自身、この時に正気を保てたのは画家としての目を持ち続けていたからだと後年に語っているという。

 2年後、帰国を果たした彼が描き始めたのは一連のシベリアシリーズである。彼が死にゆく友の顔を描いたスケッチは奪われて焼却されたが、彼はその顔の記憶を甦らせるかのように作品を描いたという。彼が戦友達の顔を甦らせるイメージとなったのは、ヨーロッパにおけるキリスト像の姿であったとのことで、だから彼が描く彼らの顔は苦痛を訴えながらもどこか神々しいのだと言う。

 表題作は彼がシベリアで匍匐前進の訓練を受けていた時、地面に見た蟻になりたいと感じた記憶から描かれているという。あれは蟻の穴の中から覗いた空のイメージなのだという。蟻になって地面の中に潜っていれば、くだらない地上の争いに巻き込まれなくてすむという意志がこめられているという。

 番組では実際にシベリア抑留を体験した人物にこの絵画を見せ「多くの人間がもがいている中に、一抹の希望の存在を描いているように見える」とのコメントを得ている。実際にシベリアの地獄を体験した人物の言だけあって、含蓄深い。それにしても彼がいきなり冒頭から出てきた時、ナレーションの雰囲気といい、NNNドキュメントかと思ってしまった。違う番組になってしまっている。

 結局のところ、あまりにひどい体験をしたことから、香月はその体験を描き続ける使命感を背負ってしまったのだろう。ただ表現者としてはそれでも良いのかもしれないが、芸術家としてそのことが幅を狭めることにつながっていないだろうかということが気になるところ。とにかくあんな馬鹿な戦争は二度と起こさないことが重要である。にも関わらず、もう一度やりたがっているバカが日本の権力機構の中には多いが。

 

2/26 長谷川隣二郎作「猫」

 長谷川隣二郎は「伝説の画家」だという。それは超がつくほど寡作な画家であったということがあるという。彼は一つの作品を完成させるのに2、3年もかかったりしたという。表題作は隣二郎が飼い猫のタローを描いたものであるが、6年をかけての未完成作だという。

 彼は実物を前にしないと絶対に描かない画家だったとのことで、その製作法もまず木なら木を先に仕上げるという方法をとるが、季節が変わって葉の色が変わってしまったりしたら、翌年まで作品の制作は持ち越しだったのだという。土の色などに対してもこだわりがあり、そのために絵を描ける期間が限られてしまい、そのことが彼の作品の完成を遅らせる原因だったという。桃を描いた時など、描いている最中に桃が腐ってしまい、絵画が完成せずに習作になってしまったということもあるという。表題作についても飼い猫のタローがたまたまとったポーズを描いたのだと言うが、タローがこのような姿勢をとる季節は限られており、結局は数年がかりの作品になってしまっているのだとのこと。この絵も最後にタローのひげが残ったのだが、ひげを描く前にタローが病気で死んでしまい、このひげだけは彼が唯一自身の作風に反して「想像で」加えたものだという。

 画家にはほとんど想像だけで描く画家や、自分が目にした風景を忠実に写し取ろうとする画家、目にした風景を一旦自分の心の中で消化して再構成してから描く画家などいろいろいるが、長谷川隣二郎の場合、忠実に写し取ろうとするスタンスの画家だったのだろう。ただ奇妙なのは、その割には彼の絵にはあまり緻密さを感じられないことである(笑)。多分、自分なりにいろいろなところにこだわりがあり、そのことが制作を遅らせたのだと思う。彼は絵を独学で習得したとのことだから、そのことがこのような独特な製作法に至った一番の原因だったように思われる。しかしこれって、画家としてはどうなんだろう?

 

2/19 ジョルジュ・ド・ラ・トゥール作「常夜灯のあるマグダラのマリア」

 ラ・トゥールは17世紀のフランスの画家であるが、その後急激に忘れ去られ、再び発見されたのは20世紀になってからだという。1915年に美術史科のヘルマン・フォスが作者不詳の3枚の絵について同一人物の作であると発表、そのうちの2枚からサインを発見した。それがラ・トゥールの発見であったという。それによって色めきだったのがルーヴルで、ルーヴルは威信をかけてフランスの至宝と言えるラ・トゥールの絵画の収集を始めたのだという。今ではおよそ40点の作品が見つかっているが、それは彼の全作品の1/10にすぎないと言われているとのこと。

 ラ・トゥールの作品の特徴として、まずその独特の光と影の使い方がある(この光の使い方の巧みさは、私としては先々週のジョセフ・ライトを連想したが)。また表題作にしてもその他の作品にしても聖人を描いているにもかかわらず、市井の普通の人のように描いているという。確かに神々しい雰囲気よりも内面的な苦悩のようなものの方が良く現れている(だからこそ魅力的な絵画なのだが)。

 なお彼の光の表現はカラヴァッジオから学んでいるという(先々週のジョセフ・ライトもそうであった)。ただカラヴァッジオと異なるのは炎をあからさまに描いていることだとか。彼の生まれ育ったロレーヌ公国では、彼が38歳の時にペストが蔓延、さらにカトリックとプロテスタントの対立から始まった30年戦争により、多くの人々が死に、彼の10人の子供も3人しか生き残らなかったという。そのような死の影が忍び寄っている中で描かれたのが表題作だという。ラ・トゥールが描く炎はまさに希望の光だったのではないかとしている。しかし彼は1652年に58歳でこの世を去り、ロレーヌ公国はさらに戦争や疫病に見舞われ、その混乱の中で彼の名声も消え去ったのだという。

 番組ではラ・トゥールの作品を探して一山当てようと狙っている美術館関係者という設定の人物が登場していたが、確かに完全に忘れ去られたいた画家だけに、思わぬところから作品が登場する可能性はあるだろう。問題はそんな無名の画家の作品が300年以上も残っているかどうかだが。下手すると上から誰かの作品を描かれていたりして・・・。

 

2/12 長澤蘆雪作「虎図」

 長澤蘆雪は円山応挙の一番弟子だったそうだが、酒好きで破門3回などいろいろと伝説のある人物らしい。

 蘆雪は応挙について絵を学んだが、師匠の技術を完璧にマスターしており、1000人を超える弟子の中でメキメキと頭角を現す。彼の転機になったのは、天明6年に串本の無量寺の住職が応挙を訪問した時だという。この時、無量寺は津波で破壊された本堂を修復した後であり、障壁画の依頼をしてきたのだという。しかし応挙は多忙なため、蘆雪を名代として送り込んだのだ。そして彼はここで豹変したのだという。

 この時代の作品が数種紹介されるが、いずれもそれまでの応挙の画法を模倣した精密描写から一転し、実に奔放で一気呵成に仕上げたとみられる作品ばかりである。表題作はこの頃に描かれたという。

 番組によると、この虎図の裏側には薔薇図があり、そこには魚を狙う猫が描かれており、実はこの虎図は虎ではなくて魚から見た猫の姿なのではないかとしている。

 この頃から彼の絵筆はさらに冴え渡る。その作品は種々の仕掛けがあり、奇想の画家と呼ばれているとのこと。しかし彼は45歳で死亡する。応挙の跡目争い絡みで暗殺されたとの噂もあるという。

 京都で面白味に欠ける師匠の元で少々息苦しい生活をしていた蘆雪にとって、南国の風土が自身の潜在的志向を解き放つきっかけとなったということか。確かに芸術家に限らず、何かのきっかけで思いがけない才能を発揮し出す人間というものはいるものである。もっとも彼の場合、奔放と言っても完全に無秩序になるのではなく、応挙の技術をマスターした上で奔放な画風を確立したから一つの世界が出来たのだろうが。

 なお番組ではアイドルと教授が虎図を見に行くというまるっきりの紀行もの形式になっていたのだが、はっきり言ってこの構成が全く無意味。多分作品が作品だけに軽いノリを出そうとしたのだろうが、企画としては不発である。この手の番組を作る時の難しさと言えよう。

 

2/5 ジョセフ・ライト作「空気ポンプの実験」

 ライトは18世紀半ばの画家である。当初は肖像画家として食っていこうとしたらしいが、被写体をあまりも正直に描いてしまう彼の肖像画は依頼主には好まれず、肖像画家としては無名で終わるところであったという。しかし18世紀の産業革命を迎えていたイギリスは、彼に新しい画題を与える。それが科学だったという。

 表題作について、彼の絵のテクニックとして興味深いのは、光の効果を巧みに用いていることである。番組ではこの画面を再現するために何本のろうそくが必要かを実験しているが、実に6本のろうそくが必要だったという(絵には描かれていないにかかわらず)。彼はオランダのカラヴァッジオ派の明暗法からヒントを得ていると考えられるが、実際は光について深く研究していたことから、まるでそこに光があるかのような効果をあげることが出来ているのだという(非常に科学的だ)。

 この番組では、この表題作には科学に対する作者のメッセージもこめられているという。真空の実験のために小鳥を犠牲にしようとしているシチュエーションというのは、今日でも科学の実験などによくある状況であるが、この状況に対する人々の反応を描くことで、見る者に問いかけているのだという。確かに画中の科学者の目は明らかに問いかける目である。

 奇妙奇天烈な絵(題材的にもまさに「キテレツ大百科」?)だが、よくよく考えると技法的にかなりしっかりしているからこそ、その奇妙奇天烈さがこちらに問いかけてくる絵である。産業革命が起こりつつあるこの時代のイギリスの状況を考え合わせないと理解しにくいのだろう。彼以外に科学を題材にした作家と言えば・・・学研の科学漫画を多く手がけたあさりよしとお氏しか浮かばん(笑)。

 

1/29 佐藤哲三作「みぞれ」

 佐藤哲三は早熟な画家で天才とも呼ばれたという。しかし彼は中央画壇に背を向けて新潟に籠もり続けたために、忘れ去られた天才であるという。表題作はその佐藤哲三の晩年の作品である。彼はこの絵を描くためにこの世に生まれたという人があるぐらいの作品であるという。

 幼くして脊椎カリエスを患った佐藤は、若くして画家を目指したという。独学で技術を磨いた彼は、ゴッホを思わせるような鮮やかな色彩によって、やがて梅原龍三郎らに認められ画壇の寵児となる。しかし新潟の農村に根を下ろした彼はそこから離れようとせず、画風も一変し、それまでの華やかな色彩を捨てて赤と黒だけで農家を風景を描き始めた。そして彼は中央の画壇に忘れ去られるのである。

 戦中には彼は児童に絵画を教える活動や、農民のための社会活動なども行っていたと言う。そのような期間を通じて油絵を描かなかった彼が、再び絵筆を取ったのは戦後であった。そして描いたのが表題作である。そこにはまさに蒲原平野の風景画写し取られていた。しかし彼は腎臓結核という厄介な病気を患っていた。そしてこの絵の完成から1年後に44歳の生涯を終える。

 「画家の展覧会があれば出かけてみてください」と番組は語っていたが、実はまさに1/29から神奈川県立近代美術館鎌倉において「佐藤哲三展」が開催される模様(裏がありそうだと睨んだひねくれた性格の私は、ネットで検索してみたわけですが)。つまり今回の内容はあからさまには語っていないが、実は宣伝企画だったりするわけである。この番組は実はそういう回が意外と多いです(美術館名まで挙げてもろに宣伝する時もありますから)。まあ健康系番組と違って、そのことが番組内容の信憑性にまで影響を与えるということはないので、特別な害はないです(笑)。むしろ美術館によく行く人間には参考になる。実際、この番組で見るまでは、滋賀県立近代美術館に小倉遊亀の作品がそんなに収蔵されているなんて、全く知りませんでしたから。

 

1/15 岩佐又兵衛作「山中常磐物語絵巻」

 表題作は戦国時代に生まれた画家・岩佐又兵衛が描いた独特の世界の作品である。題材は義経の母の常磐が義経に会うために奥羽に旅をするが、途中で無念にも山賊に殺され、それを知った息子の義経が敵討ちをするという全12巻の仇討ち絵巻である。全般的にバイオレンスアクションの要素が強く、今日で言えば「北斗の拳」辺りであるかのような強烈さがあるが、その一方で漫画のようなユニークさも持っている。

 番組では、又兵衛は織田信長に謀反を起こして一族が皆殺しになった荒木村重の遺児であり、その怨念のようなものが社会に対するひねた目線になって現れているのではないかとのことである。とにかく謎の絵師だとのことなので、どの辺りまでが事実として確認されていることで、どの辺りからが番組の推理なのかが今一つはっきりしなかったのが難点である。

 

1/8 トマス・ゲインズバラ作「アンドリューズ夫妻」

 表題作は18世紀のイギリスの画家・ゲインズバラが描いた地元の貴族の肖像画である。しかしこの画については肖像画であるか、風景画であるかが議論が分かれるところである。というのも、彼はこの絵画の左半分にこの貴族夫妻の肖像画を描いているものの、右半分には彼等の領土の風景を描いており、夫妻の肖像は風景に溶け込んでいる形になっているからである。

 肖像画家として名を上げたゲインズバラであるが、実は彼は肖像画を描きたいとは思っていなかったのだという。しかし当時は画家が生活をしていくには肖像画を描くしかなく、彼も生活のために肖像画を描いていたものの、心は風景画の方に向かっていたのだという(写真のなかった当時は、肖像画には写真代わりの実用的な目的があり、その分芸術性が薄かったので、そのことが彼が肖像画を描きたいと思わなかった理由ではと私は推測するが)。

 イギリスの田舎町・サドバリーで1727年に生まれたゲインズバラは(未だに生家が美術館として残っているという)、アマチュア画家だった母親に絵の手ほどきを受けた彼は、幼少期から画家としての才能を示し、13歳でロンドンに出、18歳でアトリエを持つ。しかし駆け出し画家の彼には肖像画の仕事は少なく、17世紀のオランダ風景画の模写ばかりをしていた。彼はその過程で風景画の魅力にとりつかれたのだという。21歳の時に彼は故郷のサドバリーに帰るが、小さな町では肖像画の依頼は少なかった。そんな時に彼に舞い込んだ仕事の一つが表題作だったのだという。彼はこの絵で肖像画と風景画を融合することを目指したと考えられている。

 ゲインズバラは32歳の時、温泉街として賑わうバースに移住する。ここで彼はその実力で、30代にして押しも押されぬ当代一の売れっ子の肖像画になり、王室にまで知れ渡るほどになる。こうして自信をつけた彼は、1774年にロンドンに上京し、ファンシーピクチャーと呼ばれる新しい絵画に挑戦する。これは特定の人物の肖像を描くのではなく、情景の一部として人物を配置した独特の柔らかいタッチの絵画だった。当時のイギリスの人々はこの絵画を絶賛したとのこと。この後、彼の絵画は風景と人物を調和させる方向で進化し、今日では彼の風景画は非常に高い評価を受けており、後のイギリスの風景画に大きな影響を与えたという。

 自身の芸術的衝動と生活のための手段との葛藤に悩んだ芸術家というありがちのエピソードである。彼の場合はそれが幸福な結末を迎えたが、それは彼の実力の賜物であろう。しかし中途半端な実力の(自称)芸術家で、変にこういうところが頑固な輩は、大体は食いっぱぐれてしまうことになる。なお彼のファンシーピクチャーについては、現在のイラストの先駆けのような趣もある。つくづく才能にあふれた人物だったようだ。

 なおほとんどの芸術に言えることだが、大抵はそもそもは本来の実用的目的があったもの(音楽は宗教行事やBGM、文学は記録、そして絵画は写真代わりだった)が、後に単独の芸術として独立している。これは一種の進化であり、最近でも単なる記録の手段だった写真が、これも芸術になったのは理解できるだろう。この調子で行けば、いずれはコンピュータのプログラミングなども芸術になる? なお私は、単なる番組の記録であるこのページを、最終的には芸術にまで昇華することを目指しております(嘘)。

 

12/25 鉄川与助作「カトリック田平教会」

 表題作は日本の教会建築の草分けとも言われている鉄川与助が作った教会である。しかし長崎の五島列島出身の鉄川与助自身は、実は一度も西洋に渡ったことがないという。大工の棟梁の息子に生まれ、17歳で家を建てられるだけの技術をつけた彼は、フランス人のペルー神父に出会い、彼から教会建築の手ほどきを受けた。明治になってキリスト教が認められたことで、隠れキリシタン達がカトリックに転向、彼らは教会を建てようとする。その時に多くの教会を手がけたのが鉄川与助である。

 当初は木造教会を建築していた彼だが、やがては煉瓦建築に挑戦する。そしてその集大成が田平教会である。彼は自分で設計から施工まですべて手がけ、彼独自の工夫を凝らしていく。彼の建造した教会は、西洋の設計に日本の心を取り入れて独自のやさしい世界を造り出している。彼自体は最後までキリスト教徒になることはなかったと言うが、彼の教会は今でも信者達にとってのよりどころとなっている。

 大工の棟梁が教会建築の大家になったというのが興味深い話。また彼をここまで教会建築に突き動かした原動力は、てっきり信仰心だと思っていたのだが、どうやらそうではなかったようだ。となると、純粋に教会に建物として魅了されたのか。何やらその辺りが今一つよく分からない。彼が活躍したのは、明治になって西洋建築が急速に入り込んでいた時だから、それまでの日本建築と違う西洋建築の象徴としての教会に技術者として魅せられたのだろうか。謎は多い。

 

12/18 グイド・レーニ作「ベアトリーチェ・チェンチの肖像」

 表題作は父親殺しの罪で断頭台で処刑された悲劇の少女ベアトリーチェ・チェンチの最後の姿を、16世紀のイタリアバロック最高の画家の一人と言われていたグイド・レーニが描いたものである。ベアトリーチェの父・フランチェスコは最悪のクズであった。彼は若い女と見れば見境もなく陵辱するなど、ありとあらゆる悪事をつくした極悪非道の男であった(どうやら犯罪を行う自分に強さを感じるタイプの、典型的な性格破綻者だったようである。いわゆる宅間守タイプ。)。彼女はこの父親によってあらゆる虐待をされ(含む、性的虐待)、ついにはそれに耐えかねて彼女の境遇に同情した継母や家来などと共に父親を殺害したのだという。当時のローマ市民は彼女に深く同情し除名を求めたが(彼女の父親がいかにクズであったかの証明でもある)、当時の教皇・クレメンス8世はチェンチ家の領土と財産の没収を企み、一族全員の処刑を言い渡したのだという(この時代は教皇もクズなんです)。そして彼女は断頭台の登って22歳の生涯を終えた。表題作は、処刑前の彼女の最後のせいの瞬間を茶と白を主体に描いたものである。

 この絵を見た時に私も感じたのだが、この絵の構図はフェルメールの「真珠の耳飾りの少女」とそっくりである。番組ではフェルメールはグイド・レーニのこの作品を知っていたのではないかとしている。

 非常に印象的な作品である。振り返った少女の美しくも悲しげな表情の意味が、今回の番組を見たおかげで理解できた。なおこの時代の画家は人体の研究をかなりしており、リアルな人体を描けるようになっており、グイド・レーニはその技術に最も優れていた画家とのこと。ハッと息を呑むほどのリアリティはそこから来ているのだろう。私は宗教臭い絵画は嫌いであるが、この時代の画家はグイド・レーニといい、フェルメールといい、絵画の技術としては感嘆せずにはいられない画家も多い。今時の自称芸術家には、これだけの技量を持った者ははたしていることやら。

 

12/11 ジュリオ・ロマーノ作「テ宮殿」

 イタリアのマントヴァにあるのが表題の宮殿である。これを設計したのはラファエロの最後にして最高の弟子と言われたジュリオ・ロマーノ。しかしこの建物が非常に曲者である。

 ラファエロが早逝した後、彼の後を継いでヴァチカンの壁画を完成させたのがロマーノだった。彼はその才能でマントヴァに招かれたのだが、そこでさらに凄まじい才能を開花させる。

 テ宮殿はロマーノを招いたフェデリコ・ゴンザーガが愛人のために建設させたものだという。しかしここには新しいものを作ろうとしていたロマーノの意志が反映し、かなり風変わりな(ゲテモノと言った方がよいのでは)世界が展開している。柱は均等ではないわ、アーチには隙間があるわ、壁の石はずれているわといった次第。また室内の壁画もだまし絵になっていたりと普通ではない。圧巻は巨人の間で、ここには神に背いて滅ぼされる巨人たちのまさに世界崩壊のスペクタクルが描かれているのだが、この部屋に入った者は押しつぶされるような錯覚にさいなまれるという次第である。

 ロマーノを招いたゴンザーガは、偉大な存在であった母・イザベラ・デステと張り合うような心境があったのだという。また彼の愛人・イザベラ(奇しくも母と同名である)の存在を母に反対されたこともその動機となっていたようである。結局、ゴンザーガのやや屈折した心情とロマーノの意志とが共鳴しあった結果がこの奇妙な宮殿に現れているようである。しかも時代は、ローマ教皇がスペイン王との戦いに敗れ、ルネサンスが終わりを告げる時代であった。

 かなり怪しげな建物である。ルネサンスの優等生であったようなラファエロの一番弟子が彼であるというのだから、これまた奇妙な者である。明らかに現代芸術に通じるようなセンスが感じられ、ロマーノはかなりひねくれ者であったのではないかと推測される。そしてそのひねくれ者のセンスとラファエロを継いだ技術が融合した結果が、あの巨人の間の凄まじい仕掛けになっているわけである。これを作れる者は、当時にはいないだろうし(当時にこれだけのセンスを持つ者はいないだろう)、現代にもいない(現代にこれだけの技術を持つものはいないだろう)。何やら時代から浮いているように感じられた。奇妙な天才だったのだろう彼は。しかし、これで果たして時代に受け入れられたのかだけが疑問なのであるが。

 

10/23 司馬江漢作「駿州薩陀山富士遠望図」

 表題作は明治維新よりも60年も以前に描かれた作品であるが、実は絹に油彩絵の具で描かれた油絵である。

 司馬江漢は最初は鈴木春信に師事して浮世絵で名を上げた。彼は師匠の死後に二代目春信を名乗ったほどであるが、突然に浮世絵をやめ、宋紫石に中国の写実的な花鳥画を学び、師匠を凌ぐほどの腕になる。この時から司馬江漢の雅号を名乗り始めたという。彼はこの時に西洋の写実的なエッチングに出会い、そのような絵を描きたいと考え始める。彼の周囲には平賀源内や杉田玄白などが西洋の文化を入れ始めていた時期であり、江漢は美術の世界でそれをしようとエッチングを始めるという。彼は日本で初めてエッチングを行った人物である。好奇心の強い江漢は、次々と新しい分野に挑戦していったのである。

 やがて彼は長崎に出向き、そこで西洋絵画に触れ、大いに触発される。そのたびの過程で彼の心をつかんだのが富士の風景であった。彼は長崎の旅の10年後に表題作を描く。

 彼は時代の銭湯を走っていたが、あまりに先頭を走りすぎた故に、誰も彼について来れなかったという。彼は67歳の時に自ら死亡広告を出して、彼流の世捨て人生活にはいる。その後に彼が描く富士は再び墨と岩絵の具のものになったという。

 司馬江漢を真の自由人であったとして解説したのが今回。しかし彼は必ずしも時代に認められたとは言い難いようである(あまりにも常人離れしていた)。もっとも彼がそのことを気にしている様子がまるでないところが、自由人の自由人たる所以か。一般に江戸時代は封建社会で抑圧されたイメージがあるが、彼のような人物が存在できる余地もあったのはある意味驚き。

 

10/16 アロイス・カリジェ作「ウルスリのすず」

 表題作はスイスの国民的画家であるアロイス・カリジェの描いた絵本である。この作品は祭りの時にもらった祭りのためのすずがあまりに小さいことを嘆いた主人公のウルスリが、山の中の小屋にまで大きなすずを探しに行くという、小さな奇跡と冒険の物語であるという。

 1902年にトゥルンに生まれたアロイス・カリジェは、9歳の時に父が破産したのを機に、50キロ離れたクールの町に移り住むが、そこでの暮らしは彼にとっては苦痛だったという。16才で彼は装飾画家に弟子入りし、21才でチューリッヒで才能を開花させ、売れっ子デザイナーの仲間入りをする。ポスターなどのイラスト方面で名を上げて順風満帆だったはずの彼だが、突然に放浪の旅に出、田舎町プラテンガに移住する。しかし第二次大戦が勃発、仕事のないカリジェはキノコやカタツムリまで食べて飢えをしのいでいたという。しかし彼にとってはこの生活は貧乏であることを除けば夢のようであったという。この頃に彼が出会ったのがウルスリのすずの原作者・ゼリーナ・ヘンツであった。彼女の薦めに従って彼は絵本の制作を開始、完成したのは戦争が終了した頃だったという。主人公のウルスリにカリジェは自身の少年時代を投影したとのこと。その後、トゥルンに移り住んだ彼は、この町をキャンバスに多くの壁画を残しているという。

 何やらのどかなスイスの山村の風景と、迫り来る戦争の危機が対照的だった今回。もっとも彼はスイスにいたからこそ、「戦争の気配が苛立たせる」ぐらいですんだわけだが。絵本の原画というものは最近も展覧会に見に行ったことがありますが、非常に多種多彩であり、独善の世界に陥っている現代芸術などよりもよほど活気があった。今後はこの手のイラストなどの軽いアートが世間の主流になっていきそうな気配。

 

10/9 勅使河原蒼風作「樹獣」

 表題作は生け花の草月流の家元・勅使河原蒼風が松の根に真鍮を貼り付けものを組み合わせて作った作品である。

 蒼風は華道の家元の家に生まれたが、様式化してしまってがんじがらめの生け花が嫌で家を飛び出し、独自の生け花の世界を追究した。その試行錯誤の結果、自由度の高い草月流を確立、蒼風がラジオに出演したこともあって一気に普及したという。

 しかしやがて戦争に突入、日本は生け花どころでない時代になってしまう。そして戦後、焼け跡の中で蒼風は今までの生け花とは違って、鉄くずや針金を活けるということを始める。蒼風はこれらをすべて生け花であると言っていたらしいが、明らかに現代芸術のオブジェになってくるのである。

 やがて彼は花ではなくて、植物の根に目を付けて作品を作り始める。それが表題作だという。しかしこの作品に対しては、発表当時はかなりの批判に出くわし、ある評論家は「私でも出来ると思った。結局は出来るだけ珍妙な格好の枯れ木や木の根っこを探し出した者が勝ちとなる」と言ったという。

 しかしフランスの世界的な前衛芸術の評論家ミシェル・タピエが蒼風の作品を絶賛したことから風向きが変わる。タピエによって蒼風の作品は世界中に紹介され、海外での評価が上昇する。そのことによって彼の国内での評価も変わったのだとか。

 どうも現代芸術に対していろいろと考えさせられる例である。まず海外で高評価が出れば国内の評価がすぐにそれになびくというのは、以前からこの国ではよくある光景である。なにも芸術の世界だけでなく学会などにおいてさえ未だにそうである。だから日本で認められない若者が、海外に流出するということが起こる。

 なお蒼風の作品に対してある評論家が言った言葉は、この番組では頑迷な保守派の言葉の代表のつもりで取り上げたのだろうが、私が感じるには、現代芸術などと称している作品の本質を突いている言葉だと思う。私は蒼風の表題作については「誰でも作れる」とは思わないが、現代芸術と称している作品の中には「誰でも作れる、誰でも思いつく」という作品がほとんどになってきているのが事実である。ミケランジェロの真似は誰でもは出来ないが、現代芸術については誰でも真似が出来るものは多い。それはそこに「技」がないからである。それでも初期の現代芸術は「アイディアの斬新さ」はあったし、感性みたいなものもあった(蒼風の表題作にはそれを感じる)。しかし最近の現代芸術にはそれさえもなく、まさに「誰でも作れる、誰でも思いつく」という作品が多い。このようなものを作っているだけの輩を私は「自称芸術家」と呼んでいるが、結局のところ現代芸術の行き着いたところは、芸術家は不要だという不毛な結論だけのようにしか思えない。これこそが今、芸術界が行き詰まりつつある最大の理由のように思えるのだが。自称芸術家の自己満足につき合わされるだけでは、誰もついて行けなくなるのが道理というものだ。

 

10/2 セガンティーニ作「アルプス三連作「生 自然 死」

 セガンティーニはアルプスの風景を描くことに生涯を費やした画家である。表題作は彼の名を冠した美術館に収蔵されている彼の代表作である。彼は北イタリア出身であるが、アルプスの光景に魅せられてアルプスに住み着いてアルプスの絵を描き続けた。

 彼の絵の特徴は光に満ちていることだが、それには彼の技法が効いている。彼の技法はスーラの点描に対して、細かい線で描いていく方法である。絵の具はどうしても混合すると色がくすむので、パレット上で絵の具を混合せずに、視界で混合するという方式である。

 表題作はパリ万国博に向けて企画された作品だったとのこと。当初の企画では巨大なドームにサンモリッツの風景をパノラマにしようとしていたらしいが、予算不足で挫折、結局は三連作の形で仕上げられることになったという。彼は縦2メートル横4メートルの巨大なキャンバスを山に持って上がって制作に励んだという。しかしこの作品は実は未完である。彼は山小屋で急性腹膜炎になり、41才でこの世を去っている。

 ところで以前にも感じたのだが、この作品は未完だと言われても、私ごときの目ではどこが未完なのかがさっぱり分からない。恐ろしいほどに自然で美しい絵である。いつかは現物を見てみたいとの気がする。

 なお今回のテーマは、内容的には7/23の「世界美術館紀行」とかなりかぶるので、そちらの方も参考にされたい。

 

9/25 小川三知作「宮越邸ステンドグラス」

 表題作は近年になって発見された作品であるが、日本のステンドグラス史にとっては非常に重要なものであるという。

 日本にステンドグラスの技術が入ったのは明治以降であるという。先駆者となったの宇野澤辰雄であるが、彼は国家の象徴になるような建造物の窓を手がけたが、44才という若さでこの世を去る。その後に登場したのが小沢三知であるという。彼は東京美術学院で橋本雅邦の元で日本画の基礎から徹底的に学んだという。しかし東京美術学校の内紛(多分、岡倉天心らが追放された一件だろう)で橋本雅邦ら日本画家が下野した時、彼はアメリカを目指したという。彼は絵本の挿絵の仕事をしながら細々と命をつなぐ毎日の中、独特の光を放つオパールセントグラスに出会った。その後、彼はアメリカを駆け回って各地のガラス工房で7年の歳月を費やして修業したという。

 ヨーロッパから伝わっていたステンドグラスの工法は、鉛を使用して半田でガラスをつなぐ方法であったが、三知がアメリカで修得したのはカッパーホイルという銅と半田を使用する工法であったという。この工法を使用することで、従来のステンドグラスよりも繊細な表現が可能になったのだという。

 三知の作品の大半は関東大震災で失われたという。そして復興事業で建設されることになる科学博物館のステンドグラスを彼が担当することになったのだが、その事業は予算不足で中断、無期延期となる。。彼はすべての材料を集めて図案も用意していたのだが、事業再開を待つことなくスケッチ旅行先の朝鮮半島で体調を崩して61才で死亡するのだという。事業が再開されたのは昭和3年、残された者達が三知の図案を元にして科学博物館のステンドグラスを完成させたとのこと(このステンドグラスは今でも科学博物館にある)。その後、彼の後継者達が細々とステンドグラスを作り続けていたが、戦争でステンドグラスをつなぐための線が資源として回収されるに及び、日本におけるステンドグラスの歴史が消えていったようである(またもや、あのアホな戦争の悲劇である)。

 芸術品というよりは工芸品に属するステンドグラスという変わった題材を扱った今回。そう言えばこの番組のタイトルは「美の巨人たち」であり、そこには芸術とは銘打っていない。そのためか、建築物が登場することがあったりと幅の広さがこの番組の特徴である。

 日本画を学んでいた三知が、ステンドグラスに走るというのはかなり唐突なように思われたのだが、彼はそれだけステンドグラスに魅せられたのだろう。また彼がアメリカに渡った時は、東京芸術学院の内紛で日本画の将来に閉塞を感じていただろうから、ステンドグラスに新しい活路を見つけようとしたという心理もあったろう。ちょうどその頃、日本ではステンドグラスを手がける者がいなかったことから、ある意味では彼はその隙間にうまく入り込んだというようにも思える。

 ところで、上野の科学博物館には今まで2回ほど行ったことがありますが、ステンドグラスにはあまり注意していませんでした。私はどうもステンドグラスと言えば宗教臭い(はっきり言えばキリスト教臭い)イメージだけがあって、どうも良い印象を持っていないのが事実である。改めて言われてみれば、工芸としてのステンドグラスにももう少し注目しても良かったと思わされた次第。次に行った時には、ステンドグラスにももう少し注目してみるか・・・と思ったものの上野に次に行くことなんていつになるやら。

 

9/18 ポール・デルヴォー作「魔女たちの夜宴」

 表題作はシュールレアリズムの巨匠が描いた奇妙な世界である。現実とも幻想とも、現代とも過去ともつかない世界に裸体の女性達が並んでいる。女性達は官能的だが無機物的で、その異様な光景は見る者の目を引きつけずにいられない。

 当初は印象派のような絵画を描いていたデルヴォーであるが、ある衝撃で画風が一変したのだという。一つは35歳の時、フランスのスピッツナー博士の展示会で機械仕掛けの女性の人形に出会ったこと。もう一つは9才年上でシュールレアリズムの巨匠であるデ・キリコと遭遇ししたことだという。

 また母に溺愛されて育った彼は、母から女性に対する不信感を植え付けられており、また母の反対によって愛した女性・タムと別れるということまでしているという。このことが彼の女性像に影響を与えたとのことである。やがて彼の母は「タムとは二度と会わないように」と言い残してこの世を去り、彼はその約束を守って他の女性と結婚したという。しかし10年後、タムと再会した彼は離婚して彼女と結婚。表題作はタムと幸せな結婚生活を送っていた頃に描かれたものだという。

 今回の説明は、何やら分かったような分からないような印象である。デルヴォーの絵画自体が分かったような分からないような作品であるが、それにあわせたと言うわけでもあるまい(笑)。そもそも私にはシュールレアリズムの定義さえもよく分かっていないから、さらに理解がしにくい。今回の内容を要約してしまったら、マザコン男が女の絵を描き続けたということにしかならないように思えるのだが。

 ちなみにデルヴォーの作品は、つい最近に現物を見たことがあるのだが、非常にインパクトの強い作品である。そこに描かれている女性は非常にエロチックであるのだが、同時に全く生気が感じられないのである。幻想的と言うより、私には悪夢のようにしか見えなかったのだが。

 

9/11 横山大観作「海山十題」

 表題作は日本画の大家・横山大観が海や山を題材にして描いた連作である。しかしこれらの絵は展示された時点では売買契約が成立していたという代物であり、その後数奇な運命をたどることになる。

 大観がこの作品を描いた時代は、日本が大陸に侵攻していた時代である。大観が表題作を描いたのは昭和15年、太平洋戦争の開戦前夜であった。大観はこの絵の売り上げ50万円を軍に寄付している。軍はこの寄付金で4機の爆撃機と戦闘機を購入して大観号と名付けて前線に送ったという。

 しかし敗戦、大観の作品は流転の運命をたどることになる。足立美術館の創設者である足立全康はその頃に大観の海山十題と劇的な出会いをしたという。商売のためにいた大阪の骨董屋で大観の作品を見かけた彼は、そのとんでもない価格のために手を出せなかったものの、いつかこの作品を手に入れることを決意したという。後に彼は事業で成功し、自らの美術館を設立して大観の海山十題を収拾したという。

 作品の中には造船疑獄の賄賂に使われていたり、東洋バルブの破綻によって売りに出されたりなどの数奇な運命をたどっていた。その中の一枚「曙色」はアメリカにあったという。そして一昨年、最後まで消息が不明になっていた「龍踊る」と「海潮四題秋」が63年ぶり発見され、足立美術館に収蔵される海山十題の作品は8つとなったという。

 やけに宣伝めいた内容だなと思ったのだが、どうやら件の足立美術館では9/3〜9/26にかけて「海山十題展」が開催されるので、それとリンクした半CM企画だったようである。興味のある方は出かけられるのも良いかと思うが、さすがに島根となると私にも遠すぎてわざわざ出かけるのは無理である。

 番組的には大観がこの作品を軍のために製作したのは、モチベーションを上げるための一種の口実という扱いだったが、正直なところこれは少々きれいに流しすぎたという印象。大観が皇室に対して非常に強い崇拝の念を持っていたことは有名で、いわゆる右翼的思想が背後にあったのは間違いないところであるが、これにあまり触れるとドロドロした話になりかねないことを懸念したか。政治と芸術の関係はどうなるかというのは結構難しい問題で、音楽家などでもナチに協力したリヒャルト・シュトラウス(かの「ツァラトゥストラはかく語りき」で有名な)などの扱いをどうするかなんて問題もあったりする。私個人としては、本人がどんな思想信条を持っていようと、ようは作品が面白いか面白くないかだけだろうという考えであるが。ちなみに大観の作品については、つい最近に京都での「横山大観展」に出かけたが、やけに当たりはずれのムラがある作家だというのが正直な印象であった。参考までに「教ドキュWeekly」に掲載したその時のレポートを再掲しておく。

 

「横山大観展」京都国立近代美術館で8/8まで

 日本画の巨匠・横山大観の作品を、明治期、大正期、昭和期を通して一望できる展覧会である。通して見ることで大観の画風の変遷も把握することができるようになっている。

 東京美術学校を卒業後、日本画の新しい流れを作るべく奮闘していたのが明治期にあたる。この時期の大観の絵画は、まだ日本画の伝統から大きくは踏み出していない。しかしその後、岡倉天心が東京美術学校を追われるという事件があり、この時に彼がやり場のない怒りをこめたと言われているのが話題作となった「屈原」である。その後、朦朧体などと言われる書式を経由した後、傑作と名高い「流燈」が登場する。

 大正期の大観の作品は、以前より自由奔放な画風となる。実験的な作品が多いのもこの時期であり、私の目から見ても「ムラが多いな」というのが若干気になったりする。ハッとする作品もある一方で「?」と思わずにいられないような作品もかなりあったりする。

 そして昭和期になって円熟味が増してきた時期に、戦争の影が忍び寄る。皇室を敬愛していたことから、積極的に戦意高揚に協力した大観の作品は、また玉石混淆の模様を呈する。深い精神性を示す優れた絵画がある一方で、宣伝色ばかりが強くて首をひねるような作品も存在したりする印象を受けた。

 以上のように、私の個人的印象を述べると、意外と作品にばらつきの多い画家だと感じずにはいられなかった。さすがに巨匠と思わせる絵から「なんじゃ、こりゃ」と言葉が出てしまった作品まで実に千差万別である。なんともとらえどころのないといったのが本音である。

 うなったり、首をひねったり、とにかく大観芸術とはなんたるかを楽しめるので、一見の価値はあろう。なお残念だったのは「生々流転」が一部しか見られないこと。しかしあの絵の全体を展示するのはスペース的には不可能であり仕方のないことかもしれないが。

 

9/4 ピーテル・ブリューゲル作「バベルの塔」

 ネーデルラントの画家であるブリューゲル。しかしその生涯には不明な点が多いという。またブリューゲルに限らず、この時代のネーデルラントの画家に共通する特徴だが、彼等は絵画に多くの暗喩を含んでいる。

 バベルの塔の物語は旧約聖書に掲載されている有名な話であるが、ブリューゲルはこの物語を実は幾度も描いているという。ウィーン美術史美術館に収蔵されている表題作以外に、オランダのボイマンス=ファン・ブーニンゲン美術館にもう一枚のバベルの塔が存在するという。こちらの絵画はウィーンのものよりも後に描かれたものと言われており、塔の高さもより高くなっている。なおこれ以外にもさらに一枚、小さなサイズの絵画が存在したとのことだが、これは紛失されてしまってどんな絵画だったかは今日では分からないという。

 ブリューゲルの描いたバベルの塔の姿は実はかなり独特であり、ローマのコロッセウムをモデルにしているという。またこの絵画には紀元前には存在しなかったクレーンや16世紀の船が描かれているのだという。

 彼が表題作を描いた時代は、宗教改革に伴うカトリックとプロテスタントの対立が激化していた時代で、ブリューゲルはその愚行を訴えたのだと考えられるとのこと。しかし彼の訴えにもかかわらず、ネーデルラントは両派の争いなどからベルギーなどが分離する。

 彼は聖書などの神話を題材とした絵画を多く描いたが、その中では英雄や神を普通の人々と同じ大きさで描いており、それは彼の目線が民衆に向いていたことを現しているという。だから現地でも未だにブリューゲルの人気は高いとのこと。

 ブリューゲルの絵は私も見たことがあるが、確かに意味は分からないのだが明らかに皮肉っぽいなというのは感じた。当時の人間ならすぐにピンとくるような風刺が入っていたのだろう。今も昔も、権力者に虐げられている民衆には風刺の類がウケるものである。

 

8/28 絵師金蔵作「二月堂良弁杉之由来」

 高知県の赤岡町では年に一度、家々が軒下に二曲一双の芝居絵の屏風を並べる絵金祭が行われる。ここで披露されるのは絵金こと絵師金蔵の作品である。この祭は世界でも珍しい絵画が主役の祭である。

 絵金は幕末に髪結いの子と産まれ、若くして画才を示した彼は、江戸に上って幕府の御用絵師狩野洞益の元で絵を学び、10年はかかると言われている修業を3年で終えて帰国した彼は、林洞意と名乗り山内藩家老のお抱え絵師となる。しかしそれが周囲の嫉妬をかい、罠にはめられ、贋作絵師の烙印を押されて追放される。彼は御用絵師解任、狩野派破門、城下追放という絵師としての死刑判決に等しい処分を受ける。

 その後の絵金は、染め物の下絵や凧絵などを描きながら放浪し、上方で芝居の世界に身を沈めたと言われている。彼の芝居絵はその頃から始まったとのこと。そして40代の後半に赤岡町にやって来て、廻船問屋を営む叔母の家の土蔵で絵を描き始めたのだとか。

 絵金の絵がもっとも栄えるのは夜にろうそくの明かりに照らされた時だという。これは絵金が墨一つを使うにしても、その下地に胡粉とニカワを使って光沢を出すなど、あらゆる技法を駆使しているからだという。この絵金が使用した技法は未だにすべてが明らかにはなっていないとのこと。

 狩野派という正統派の技法を学びながら、破門されたことによって庶民に近い絵画を描き出したことが、かえって絵金の才能を華々しく開花させたように思われる。確かにおどろおどろしい部分がある絵画ながら、なぜかグロテスクなだけでは終わっていないというところに、独特の魅力のある絵である。

 なお意味不明の男女のドラマを挟んでかなり番組を水増ししていたように思われるのは、絵金の生涯に謎の部分が多くて番組の構成に困ったのだろうか。多分赤岡町の絵金祭に合わせて番組を企画したものの、一本分を作るネタに不足したではないかと想像する。

 

8/21 辰野金吾作「東京駅」

 東京駅を設計したのは、明治の建築王と呼ばれた辰野金吾である。佐賀の唐津の下級武士の家に生まれた彼は、工部省工学寮(東京大学工学部の前身)で建築を学び、首席で卒業後、官費留学生としてロンドンで建築を学んだという。彼の望みは中央銀行、中央停車場、国会議事堂の3つの建物を建てることだったと言うが、まず明治21年に日本銀行の設計を任されたことでその1つが叶う。彼はここに2万1千個の石を積み上げることで、厳格な銀行の建物を作り上げる。

 そして次に持ち上がったのが中央停車場(東京駅)の計画であった。実は辰野の設計の前に、ドイツ人のバルツァーという鉄道技師による別の案が存在したという。彼は日本の駅として和洋折衷な外観の東京駅を構想していたようであるが、この案に関しては辰野は激しい抵抗を見せたという。

 辰野はすべてを一つの建物におさめるデザインを考え、外壁には煉瓦を採用する。そして6年の歳月をかけて1914年(大正3年)東京駅は完成する。

 しかし完成当時の東京駅の建築界での評判は散々だったという。実は煉瓦を採用した外観が新しく見えたのは明治30年代ぐらいであって、この時代には既に煉瓦の外観は時代遅れに見えたのだという。しかし90年が経過した現在になって、東京駅の存在感は町の中で際だっているという。

 番組としては、東京駅がいかにすごい建築であるのかをやたらに持ち上げるのだが、正直なところ、私自身はこの建築をそれほどすごいと思っていないので、そこのところがどうもしっくり来ないところ。もっともこれだけ一貫したデザインの駅舎は全国でもほとんどない。そもそもデザインらしきものが存在しない大阪駅は問題外としても、わざわざデザインを公募した京都駅があんな最悪のデザインであるのだから、どうしようもない。

 ちなみに京都駅のあの下品なデザインだけはどうしようもない。京都の街の中で浮いていること甚だしいし、しかもあの建物自体が景観保護のための高さ規制に違反しているというとんでもない建物である。確かにあの建物の屋上から見る京都の町並みは良いが、他のところから見る京都の景観はあの建物がぶち壊しているのである。はっきり言って、今からでもあの建物をぶち壊して新しい建物に建て直して欲しいぐらいである。

 日本は建物単独の設計ではなく、都市の景観そのものを考えたデザインを行って貰いたいところである。今の東京なんかを見ているとよく分かるが、単独のビルはそれぞれ独自のデザインで斬新さをアピールしているが、それらが寄り集まってしまうと、町の景観としてはてんでバラバラでとんでもないことになってしまうのである。ヨーロッパなんかの町並みと比較した時、日本の町並みはなんと落ち着きのないことか。

 

8/14 葛飾北斎作「怒濤図」

 表題作は北斎が86才の時に描いた天井画だという。彼は波の姿を多く描いた画家ではあるが、この作品はその中でも異色作に入る。この番組ではこの怒濤図には北斎の隠されたメッセージが秘められているというのである。

 北斎が今の長野県の小布施町を訪れたのが86歳の時、そして地元の豪商・高井鴻山の元に身を寄せる。かつてより北斎に憧れていた鴻山は、北斎のために専用のアトリエを建設して優遇する。ここで北斎が上町祭屋台の天井画として描いたのが「怒濤図」である。しかしこの絵はよく見ると、枠の部分に動物が描かれているのだが、その中にエンゼルが存在すると言うのである。

 この番組の解釈では、まず北斎が小布施町を訪れる直前に、彼の友人であった戯作者の柳亭種彦が死んでいることが影響を与えているという。柳亭種彦は戯作者として人気があったのだが、天保の改革における文化弾圧によって捕らえられ、奉行の鳥居耀蔵の調べをうけることになったが、その時に死亡したのだという(早い話が獄死なのだろう。つまりは拷問死させられたということか。)。柳亭種彦の死後に描かれた「拷問図」では拷問をうけている女性は柳亭種彦を暗示しており、この絵の中には鳥居耀蔵を暗示する鳥居も描かれている。彼はこの事件で幕府の政策に対して強い不満を抱いていた(極めて当然のことであるが)のである。

 そして怒濤図に戻るのだが、これに描かれているのはリス、インコ、エンゼルといった西洋の事物と、獅子、キリン、クジャクといった日本にもなじみのある事物の2種である。これらはつまり西洋と日本の関わりのことを暗示したのだという。そして青と緑の波がぶつかり合っている男波図が開国前の日本。二つの波が互いに絡まり合っている女波図が開国後の日本というように、日本の開国を暗示しているのだというのがこの番組による解釈(元ネタは多分、番組中に登場したノンフィクションライターの荒井勉氏によるのだろうが)。

 まあ面白い解釈ではあるが、「○○の謎」とか「○○の暗号」といった類の本に多い、典型的な「深読みのしすぎ」であると思われる。拷問図における解釈までは多分正しいと言えるだろうと感じるが、怒濤図に対する解釈に至っては、あまりにひねりすぎているように思えてならない。

 もっともこの怒濤図は、解釈云々を抜きにしてもかなり凄まじい作品であり、さすがに北斎の天才を感じずにはいられないものであるが。

 

8/7 河合玉堂作「鵜飼」

 日本画の大家・河合玉堂は日本の自然の絵画を描き続けてきたが、その中でもっとも多く扱った素材が鵜飼いであり、生涯で500枚以上の鵜飼いの絵を描いたという。鵜飼いというテーマは、日本画にとっては各種の技法を確認するのに最適な素材なのだという。だから彼は常にその時点での最高の画法を鵜飼いの絵で試しているとのこと。

 彼によると日本画は風景をそのままスケッチするのではなく、自然の風景を再構成して描くのだという。彼は自然を描くためによくスケッチに出かけたが、いざ絵画を制作する段になると、そのスケッチに目を通すことはほとんどなかったという。彼はその自然の場に自らをおくことによって、その雰囲気と空気に自らを一体化させ、心の中でその風景を昇華させているのだという。だからこそそうして描き上げた絵については「別に工夫なし」と語っているという。

 日本画は風景を再構成しているというのはまさにその通りで、構成を考えた意図的な配置が多い。もっともその辺りが逆に私などには「あまりに作為的すぎて」かえって嫌みに見えたりすることが多い。同じく日本画の大家である横山大観の絵でも感じたのだが、あまりに作為的に構成された場面は、私のようなひねくれた者には、わざとらしく見えて仕方ない場合があるのだ。正直なところ、河合玉堂の絵にも同じ印象を感じない部分もなくはない。もっともその卓越した描写力には感心せずにはいられないが。

 

7/31 土門拳作「子供達」

 報道写真家だった土門拳は、昭和30年代の子供達の写真を残している。なぜ彼はこのような写真を残したのか。

 土門にはアマチュア写真家の時期はなく、最初からプロの写真家であったという。戦後に頭角を現した彼は、リアリズム写真を提唱し、被写体とカメラを直接つなぐ絶対非演出を目指したという。彼にとっては子供達というのは、演出なしに社会の状況を伝える格好のモチーフだったという。

 下町の子供達を撮影した彼は、その後広島での現実や、閉鎖された筑豊の状況を訴えるために用いたのも子供の写真だったという。これらの写真は非常に話題になり、土門のリアリズムを世に示した。

 イキイキとした写真中の子供たちが非常に印象的。そう言えば昔はこのような生活の息吹のようなものがあったなとつくづく思い出される。私が子供時代を送ったのは、彼の写真で残されている時代よりもさらに遅い昭和40年代であるが、この頃はまだ昔の面影は濃厚に残っていたと思われる。風景がもっとも一変したのは、あの罪深きバブルの時代である。こういうことを考えていると、果たして本当に日本は豊かになったんだろうか。

 

7/17 久隅守景作「国宝 夕顔棚納涼図屏風」

 さて表題作であるが、国宝という割りにはなんとなく肩肘の張らない気合いの抜けた絵(笑)である。この番組でも、この絵画を「癒し系」と評している。そもそもこの作品を描いた久隅守影は、そもそもは狩野探幽の元で修業した水墨画の名手であったのだが、その人生についてはほとんど知られていないという。彼は狩野探幽門下の四天王の一人であり「山水、人物を得意とす その趣雪舟と伯仲 探幽門下右に出る者なし」と残された資料では評されているとのこと。しかしそのような彼に不幸が訪れる。彼は一男一女をもうけたが、娘は駆け落ち、息子は遊郭遊びがすぎたことで探幽から破門、挙げ句は刃傷沙汰を起こして佐渡に流されてしまう。そして彼自身も破門を余儀なくされるのだという。

 江戸を離れた彼が6年近くをすごした金沢に、彼の傑作が残されている。その四季耕作図屏風に表題作とよく似た男の姿が描かれている。彼は実際に農村を歩き回り、ルポルタージュ的感覚でこの絵を描いているという。そしてここに描かれているくつろいだ雰囲気の男は、守影自身ではないかと考えられるとのこと。このことから表題作は、守影が晩年に至った境地の表現ではないかという。彼は自分には失われてしまったかけがえのない家族の姿を描いたのではないかと言うのである。

 そうだとすれば、この絵画は非常に悲しい絵画でもあるわけであるが・・・。

 

7/10 向井潤吉作「春映・山間草炎」他

 洋画家・向井潤吉は戦後一貫して「民家のある風景」を描いてきた画家である。従軍画家として南方に行っていた向井は、帰国後に焼け野原になった東京を見、日本の古い民家がなくなってしまう前に絵に記録をしておこうと、全国を転々として絵を描き続けたという。

 彼は各地で古い民家を描きながら、自分が描いている風景が「残された風景」ではなく「消え去っていく風景」であることを痛感する。まるで時代と競うかのように彼は全国を転々とした。そして生涯、日本の原風景を描き続けた。

 何やら切ない美しさを感じさせる絵画。彼の画風自体は典型的な精密描写のタイプであり、技術的には高いものがあるが、芸術的独創性に走るタイプの絵画ではない。従軍画家をしていたということからもうかがえるように、記録型の絵画である。ただし題材が題材だけに日本人には郷愁を感じさせずにはいられない。私などは生まれた頃から都会の生まれであるので(昭和40年代の神戸)、この絵に描かれているような光景は実際に目にしたことはないはずであるにもかかわらず、何とも表現しようのない郷愁を抱かされるのは何であろうか。やはりここに日本の原点はあるのではないかと感じずにはいられない。

 番組の方も、ドラマとも紀行ものともつかない奇妙な構成になっていた。消え去ったものに対する哀愁をスタッフ達も感じたのだろう。それにしてもああいう自然と一体になった生活は、日本に限らず世界中で消えつつある。それが一番心配だ。

 

7/3 ラファエロ・サンツィオ作「アテネの学堂」

 表題作はバチカンのサンピエトロ寺院に存在するフレスコ画である。アリストテレス、ピタゴラス、ソクラテス、ユークリッドなどが一同に集結している絵画である。

 このユークリッドのモデルとなっているのが建築家のブラマンテだという。そしてこのブラマンテこそがラファエロにこの壁画を依頼した人物であり、彼がラファエロを起用したのはミケランジェロに対する嫉妬だったのだという。ラファエロが壁画を依頼されたのは署名の間、そこから数十メートル離れただけのシスティーナ礼拝堂では、ちょうどその頃ミケランジェロが天井画の制作に携わっていた。現在から考えると奇跡のようなことが起こっていたのである。

 幼少の頃から絵画の才能を示したラファエロはフィレンツェなどで絵画の修業をし、その時にダヴィンチの技法なども学んだという。ラファエロはダヴィンチを表題作のプラトンのモデルにしているとのこと。

 ミケランジェロに対する敵視から、ブラマンテはラファエロに制作中のミケランジェロの天井画を見せるが(この番組ではこうなっているが、実際にブラマンテがラファエロに見せたのか、ラファエロが自分でのぞき見たのかは明らかでない)、それはラファエロを打ちのめす。この時以来、ラファエロの中で何かが変わったのだという。当初は予定していなかったヘラクレイトスをミケランジェロをモデルとして書き足したのだという。さらにこのヘラクレイトスの絵は、ミケランジェロのタッチを意識しており、明らかに他と画風が違っているという(これは私の目で見てさえ分かる)。天才ラファエロは天才故にミケランジェロの天才を理解したのだという。こうして出来上がった壁画の出来に教皇ユリウス2世は彼の才能を高く評価し、彼に隣のヘリオドロスの間の壁画も依頼する。ここにラファエロはミケランジェロ的タッチの荒々しい絵画を描き上げる。

 ラファエロが表題作に自分と同時代の偉人達と、自身の姿をも描き込んだというところには何やら茶目っ気のようなものを感じる。若く才能に満ちあふれ、人当たりも良い優等生的なラファエロと、職人かたぎで偏屈ながらその技はまさに鬼神の如きというべきミケランジェロ。この二人の対比がなかなか面白かった。ミケランジェロの作品に打ちのめされ、あっさりとその技法を取り入れてしまうラファエロの素直さは、むしろ好ましくさえ見えてしまうのだが。天才は天才を知るということか。

 

6/26 フンデルトヴァッサー作「フンデルトヴァッサーハウス」

 ウィーンにある奇妙な建物。原色が配されて曲がりくねった曲線を描くその独特の建物こそがフンデルトヴァッサーハウスである。一見何かのアトラクションのように見えるが、実はこれは市営の集合住宅である。これを発注したのリベラル派であった当時のウィーン市長。彼が依頼を受けたのは1977年であるが、彼の奇妙なデザインは強い反対を受けて実際の完成まで9年かかったという。

 実は彼の作品は大阪市にもあるという。一つは北区にある「子供の街」。もう一つは舞州のゴミ焼却施設である。どちらも遊び心たっぷりであるのが特徴となっている。

 フンデルトヴァッサーは元々は画家であり、抽象画の鬼才であるという。本名はフリートリッヒ・シュトヴァッサー。フンデルトヴァッサーというのは彼の雅号であるという。彼は子供の頃から独自の色彩感覚を発揮し、画家を目指して美術学校に入学するが、ウィーンの美術学校は3ヶ月で、パリの美術学校に至っては1日で飛び出してしまったという。

 彼は直線を徹底的に憎悪し、渦巻きにこだわったという。彼は渦巻きこそ人間性の本質から発するものだと考えていたという。その影にはナチスの台頭により少年時代を奪われた苦い記憶があるのではとのことである。つまり彼の精神の中では直線=ナチス=抑圧であったのだろう。

 彼は無機質で冷たい施設を次々と曲線と極彩色で彩っていった。彼の哲学は「人間は何枚もの皮膚を持っている」というものだという。彼の言う皮膚とは、実際の皮膚から、衣服、住居を意味する。彼は住居の自由を訴えるために、裸になってのアピールも行ったという。そしてさら第4の皮膚は社会環境、第5の皮膚が地球環境であり、彼は地球環境の保護も訴えたという。このフンデルトヴァッサーハウスにも木が植えられており、彼の地球環境に対する考え方が実践されているという。

 現代建築の類は街中に持ってくると浮いてしまって周囲と全く調和しないことが多いのだが、不思議と彼の建築は古都ウィーンに溶け込んでいるのには驚かされる。恐らく彼の芸術が単なる独善ではなく、自然との調和という信念を持っているからなんだろう。あの遊び心たっぷりの建物は、確かに見ていて楽しい。もっともどちらかと言えば直線にこだわるたちの私としては、住んでみたいとは思わないが(笑)。彼は直線を抑圧の象徴と見たようだが、私は直線は科学的合理性の象徴と見てますので(笑)。

 

6/19 モーリス・カンタン・ド・ラ・トゥール作「ポンパドゥール公爵夫人の肖像」

 表題作はルイ15世の愛人としてヴェルサイユに君臨した女性を、18世紀を代表する肖像画家ラ・トゥールがパステルで描いたものである。

 平民出身の彼女は意図的に王に近寄ってその地位を得たとのことである。彼女は文化や芸術の庇護者として育成に努めたとのことで、セーブルの磁器のポンパドゥールピンクの色にその名を残しているという。太陽王ルイ14世の死後、狩りとコーヒーをいれることと刺繍と情事にしか興味を示すことのなかったルイ15世に代わって国事を仕切ったのは彼女だった。

 一方のラ・トゥールはパステルを使った絵画により、肖像画家として名を上げていく。彼の信念は「顔は心の鏡である」というものであり、この二人の出会いがこの表題作を産んだという。ラ・トゥールは5年をかけてこの作品を完成させたという。

 ポンパドゥールは42才でこの世を去るが、その後のラ・トゥールの作品はさらに凄みを増し、さらに人間の内面に入り込んでいく。しかし晩年のラ・トゥールは精神を病んだことで線を重ねすぎた挙げ句に作品を駄目にするようなことなどが多くなり、最後は親戚によって故郷に連れ戻され、少し気の触れた老人として生涯を終える。そしてパンを求める暴徒がヴェルサイユに押しかけたのはその翌年のことだという。

 晩年のラ・トゥールの作品は凄みを増したと番組で言っていたが、確かにこの番組で紹介された数点の作品は尋常ではなかった。肖像画には決して興味があるとは言えない私でも、思わず息を呑んだほどである。ここまで到達してしまうと、やはり後は精神を病むしかなかったのだろうか。番組的にはフランスの崩壊とラ・トゥールの世界の崩壊を重ね合わせていた構成の妙はなかなか面白い。

 

5/29 イ・ジュンソプ作「黄牛」

 表題作は時価2億円とも言われる絵画だそうだが、某財閥総帥の秘密コレクションであるために持ち主は明かせないとのこと。日本人は韓国の文化にほとんど興味を持っていないため(未だに差別意識が根底にあるのではないかと思うが)イ・ジュンソプは日本での知名度は皆無に近いが、彼は韓国の国民的英雄であり、牛と子どもの画家と言われているとのこと。

 昭和10年、日本で西洋絵画を学んだ彼は、1943年、美術創作家協会展で最高賞を受賞し、当時「日本洋画界期待の星」と呼ばれたという。昭和18年に朝鮮のウォンサンに帰り、そこで画学生時代に知り合っていた山本方子と結婚。やがて終戦を迎え、朝鮮は日本から独立する。この頃、彼は朝鮮民族が勝ち取った平和の象徴として故郷の牛に魅入られる。しかしその平和は破られる。朝鮮動乱が勃発し、彼は故郷を捨てて南に脱出、最終的に彼は済州島のソグィポに移り住む。避難民がひしめく済州島で彼は家族と共に貧しい生活を送る。この頃の彼の作品にはユートピア願望が現れているという。またタバコ箱の銀紙を使用した独特の芸術表現を編み出す。

 1952年、避難生活で結核になった妻と栄養失調になってしまった子どもたちを、彼は日本へ送り出す。これは彼にとって苦渋の選択であった。翌年、彼は友人たちの手配により船員の資格をとって東京の家族の元を訪れたのだが、船員の資格では二週間で釜山に帰らざるをえなかった。彼は家族と共に暮らすためにも、画家として名をあげる必要を感じるのだが、彼の絵はなかなか理解されず、焦りから彼は酒に溺れるようになる。

 朝鮮動乱休戦後、彼はトンヤンの漆器職人養成所で働く友人に招かれる。ここで彼の表題作が生まれる。人々はその絵から南北に分断された民族の悲しみとそれに立ち向かう勇気を感じたのだが、彼がそこに描いたのは彼自身の姿でもあったという。なかなか認められない焦りや憤りの中、彼は重い肝炎や栄養失調によって1956年、40才で亡くなる。結局彼は家族との再会を果たすことは出来なかったという。

 彼は死後に認められて、今では韓国でもっとも有名な画家の一人であるとのことだが、あまり報われなかったと言って良い人物である。往々にして芸術家はこういうパターンが多いようだ。ただ彼の場合も、その悲劇的な生涯ゆえに注目された部分もあるように思えてならないのだが。

 

5/22 小川芋銭作「水魅戯」

 茨城県牛久市は数々の河童伝説のある河童の里であるが、その結びつきをさらに深めたのが、人生の大半をこの地で暮らした画家・小川芋銭であるという。芋銭の河童とか、河童の芋銭と言われたそうであるが、彼は河童にとりつかれた画家であったという。茨城県近代美術館に収蔵されているのが表題作である。

 芋銭という雅号はかなり変わったものであるが、これはなんとか芋を買う銭を稼げるぐらいにならないかという意味があったという。東京で絵画を勉強した彼であるが、牛久で農業を営んでいた父が引退すると共に呼び戻され、田舎で農作業の合間に絵を描いていたという。そんな彼が出会ったのが、社会主義運動で有名になった幸徳秋水である。彼は秋水の平民新聞に農民の暮らしを描いた漫画を投稿した。彼自身は決して社会主義者ではなかったが、苦しくなりつつある農村の生活に社会の矛盾を感じてはいたようだ。そんな頃、芋銭の絵に河童が農民を助ける姿が描き始められたという。

 しかし明治43年、明治天皇暗殺事件である大逆事件の罪を着せられて処刑される(今日では秋水はこの事件に無関係であったことや、そもそも事件自体が社会主義者弾圧を目指した当局によるねつ造に近いものであったことが明らかになっている。)。これが芋銭を大きく落胆させる。

 最初は漫画家として始まった芋銭であるが、彼はそもそもは画家を目指していた。やがて芋銭の絵は横山大観の目に留まり、彼は画壇の一員となる。クリーブランドでの巡回展用に描いた彼の2枚の絵は人々の度肝を抜く。彼は河童に自由の意味をこめたのだという。その2年後、関東大震災の数ヶ月後に表題作が描かれる。ある種の風刺もこめられた絵であるとのこと。

 河童を描き続けた画家と聞いた時に「水木しげるか?」と思ったが、本当に水木しげるがゲストで出てきたのは大笑いである。やはり彼自身、芋銭の世界には影響を受けたのだという。確かに芋銭の河童の絵は、異様ではあるが何やら引きつけられるものがある。やはりこの自由な河童の世界には惹かれるものを感じるのだろう。この番組のドラマでも、サラリーマンが「会社なんか屁の河童」と言っていたが、まさにその通り。この絵を見ていたら、会社で馬鹿上司に振り回されている自分が馬鹿らしくなる。いつか私も自由の世界に出てみたいものである。

 

5/15 エクトル・ギマール作「メトロ12号線アベス駅入り口」

 アールヌーヴォを代表する建築家ギマール。ただし彼の建築は当初から評判が良かったというわけではないらしい。彼の生物を思われる独特の曲線に基づくデザインは、あまりに斬新すぎて当時の人々には理解されなかったという。彼の作った住宅などは、そこに入居した女性が一週間で寝込んでしまったという伝説があるという。

 鉄や石やガラスなどの固い素材を用いて、彼は植物を再現しようとしていたのだろうという。しかし彼の作った地下鉄の入り口も評判が悪く、30年後に大部分が取り壊されてしまったのだという。また彼にとって最大の悲劇だったのは彼が作った音楽堂が、持ち主の破産によって4年で取り壊されてしまったことだという。彼はこれで抜け殻のようになり、二度とパリに戻らなかったという。

 社会に理解されず、不遇の中で生涯を終えた悲運の建築家がギマールだったようである。しかし確かに彼の斬新すぎるデザインは一般人には受け入れがたかろう。現在でこそ、ああいうデザインもありだと思われるが、第一次大戦前の時代にはなかなか理解されにくいだろう。なお私も個人的には彼のデザインはあまり好きではない(私は直線的なデザインの方が好き)。

 時代よりも2,3年先を行けば最先端と言われるが、10年先を行けば全く理解されないし、50年以上先を行ってしまえばそれはもう狂人である。ギマールの悲劇は、時代の先を行きすぎた悲劇であろう。

 

5/8 池大雅・与謝蕪村作「十便図十宜図」

 二人の巨匠による合作が表題作。この作品は田舎暮らしの素晴らしさを訴えたもので、理想郷を描く漢詩と絵画からなっている。田舎だから出来る10の便利さを訴えた池大雅の十便図と、田舎だからこその良いことを描いた与謝蕪村の十宜図から構成される。

 同じ時代に共に京都に生きていた池大雅と与謝蕪村であるが、実は全く交流がなかったという。それどころかこの作品を作成した時でさえ交流がなかったようであるという。

 作品を見ると、奔放で自由な池大雅、几帳面で設計を計算している与謝蕪村といった作風の違いが出ている。これは幼少時より神童と騒がれて順調にキャリアを重ねた池大雅と、放浪の旅を重ねながら技術に磨きをかけて名を挙げた与謝蕪村といった経歴の違いがあるという。この番組では遊び上手の池大雅と無粋で野暮な与謝蕪村といった分類をしている。

 このようにそれぞれの巨匠の背景の違いはあるものの、この作品に描かれた世界は人を魅了するものがあり、実際にこの世界に魅了された川端康成は、家を買う代わりにこの作品を入手し、生涯傍らに置いていたという。

 

5/1 アルフォンス・ミュシャ作「スラヴ叙事詩」

 表題作は最大のもので縦6メートル横8メートルにも及ぶ大作からなる20枚の連作である。この作品のテーマはスラヴ民族1000年の歴史である。

 1860年、チェコの東部のモラビア地方の田舎町イヴァンチッツェで貧しい家庭に生まれたミュシャは、幼い頃から絵に興味を示していたという。絵と教会にしか興味を示さなかった彼は、学校を落第、絵で身を立てようと放浪する。1887年、パリにやってくるが、無名の彼は貧困の中に暮らしていた。そこで彼の運命が変わったのは、クリスマスの日に印刷工房に来たポスター製作の依頼だった。そのポスターの製作を行ったのがミュシャであるのだが、そのポスターが大評判を呼び、彼はパリ随一のポスター画家としての名声を確立する。

 一躍時代の寵児となった彼は、ポスターだけでなく室内装飾や宝飾品などのデザインにも仕事を広げ、パリがミュシャスタイルに席巻されることになる。

 1904年、アメリカに渡ったミュシャは、そこで十分に資金を集めた後、1910年に再び祖国チェコに戻る。そこで彼が制作を始めたのが表題作である。彼は富も名声もアールヌーヴォという先端の技法も捨ててこの作品に精魂を傾ける。彼は民族の未来をこの絵に託そうとしたのだが、現代美術が全盛だったチェコでは彼の絵は古臭いと理解されず、プラハ市に寄贈した彼の絵は展示場所さえ確保されずに倉庫入りしてしまう。その後、ナチスのチェコ侵攻で取り調べを受けた彼は肺炎を患って命を落とす。戦後も共産主義体制の下では彼の絵が公開されることはなかったという。

 描いた直後も展示されず、戦後も公開されなかったと言うことは、彼の絵が公開されたのはチェコの共産主義政権が転けた後ということになるので、つい最近のことということになる。道理で私がこの絵について全く聞いたことがなかったわけである。なお彼の名前も表題作も全く知らなかったが、確かにあのタッチのポスターは見たことがある。あの手のポスターは確かにアールヌーヴォの象徴として大流行したはずである。

 彼の祖国に対する想いを、スメタナの「我が祖国」と重ねていたのは秀逸。不思議な程に見事に画面が合致していた。恐らく彼らの祖国に対する想いがシンクロしているのだろう。ただミュシャのあまりに呆気なすぎる最後と、ドラマのはっきりしないオチのせいで、番組の構成としてはどうにも尻切れトンボの印象が残ったのは如何ともしがたい。

 

4/24 「高間筆子詩画集」

 高間筆子は大正時代に21歳で夭逝した画家である。同じく夭逝した村山槐多、関根正二(いずれもこの番組に既出)と合わせて、彼らを知っていた詩人の草野心平は、彼らを「大正の天才オリオンズ」と呼んだという。しかし高間筆子の作品で残っているものは、彼女の絵が印刷された表題の詩画集しかないのだという。今回この番組では、セイコーエプソンの技術(この番組のスポンサーが登場です)によって白黒の印刷のものについても色彩の再現に挑戦している。

 筆子が絵を描き始めたのは村山槐多と関根正二がなくなった大正7年であるという。彼女はスペイン風邪にかかって(この年に日本で大流行し、先の二人はこれで亡くなった)から、感情の高ぶりから絵画を始めたという。彼女は絵画をやっていた兄の元に通って絵を描き始めたという。彼の兄は最初、彼女に木炭を与えて絵を描かせたのだが、やがて彼女の絵は色彩の爆発を迎える。彼女は憑かれたように絵を描いたという。

 彼女の凄まじい人物画は話題になるが、彼女自身は展覧会に出展する絵を作成している最中に、再びスペイン風邪になり、絵を描き上げた後に興奮状態のまま飛び降り自殺してしまったとのこと。彼女の絵はその後、関東大震災と戦災ですべて消失してしまったのだという。

 彼女が絵を描いたのは、病気と病気の間の2年間だけだという。この番組を見ていると、つまりはスペイン風邪で脳をやられて(性格が変わったといっている)、その狂気の中で芸術の才能を開花させたということに思えるが、これこそまさに昔から言われている「天才と狂人は紙一重」というやつである。最近、サバン症候群というものが脳科学の分野で注目されているが、特異な能力は脳の損傷に対する代償行為で発現するというのが最近流行の説である(私が今読んでいる「天才はどうして生まれたか」という本は、まさしくそういう事例について紹介している本なのだが)。また昔から、特に芸術へ方面の才能は狂気と密接な関係があるようであり(天才と言われた芸術家に、晩年にこの一線を越えてしまった者がいかに多いか)、彼女も典型的なこのタイプのようである。確かに彼女の絵は「凄まじい」とは思うが、しかしこれを天才と言うかどうかは私には疑問だ。

 

4/17 ルネ・ラリック作「クレールフォンテーヌ」

 今回のテーマはガラス工芸である。表題作は作者が71歳の時に作った香水瓶である。

 ルネ・ラリックは元々はガラス工芸家ではなく、当代随一の宝飾工芸家だったという。彼はそれまでのいかに高い石を使っているか、いかに綺麗な石であるかを見せることが中心であった宝飾細工を一新し、瑪瑙などの安い石も使用したデザイン優先に宝飾工芸を創始する。彼にとっては宝石もただ単に色素材の一つにすぎなかったのだ。そんな彼にとってガラスは色を自由に支配できる有効な武器であった。そのうちに彼は宝飾工芸よりもガラス細工の方へ向かうことになる。

 ラリックに転機が訪れるのは、フランソワ・コティがラリックのショールームの向かいに香水店をオープンした1908年である。香水に客の興味を惹くために香りを瓶の形で表現することを考えたコティは、ラリックに香水瓶の制作を依頼する。こうしてラリックは量産品である香水瓶の制作に携わる。これがラリックと工業との本格的な関わりの第一歩である。そして1925年のアールデコ博覧会でラリックは名声を不動のものとする。その後、ラリックは豪華客船やオリエント急行の内装を手がけるなど、芸術と産業の融合に活躍する。

 そうした中で彼が最後まで忘れなかったのは香水瓶だという。彼の作品の特徴は栓にこだわっていることで、大きな栓のものが多いという。瓶ではできないデザインの制約を栓で使用することで克服しているのである。クレールフォンテーヌというのはラリックが工房を開いた地のことで、彼はそこで妻と子供に囲まれた幸せな生活を送ったといい、その思いがこの瓶にはこめられているのだという。

 例によってのドラマ構成が今回に関してはやや鬱陶しかった印象。それに作者に関するエピソードもやや薄かったように思える。番組構成としてはもう少し工夫が欲しかったところ。

 表題作は工芸品ということで量産を意識して作られているものであるが、それだけにむしろ機能美のようなものが感じられ、虚飾の多い芸術作品とはやや印象が異なる。このような工芸品も扱うのがこの番組の面白いところである。

 

4/10 東郷青児作「望郷」

 帝王と呼ばれた画家・東郷青児の代表作が今回のテーマ。彼の美人画は実に人工的な印象を受ける。のっぺりした肌の表現に、現実にはあり得ない記号化されたプロポーション(ある意味でアニメ的である)。

 二科会の再建に奔走した東郷は、観客を呼ぶために数々のイベントを仕掛け、自身のことを興行師と呼んでいたという。19才で二科賞を取った新進気鋭の画家。フランスに留学して当時のフランス画壇の空気を吸収して帰るが、日本に馴染めずに、年下の女性と心中未遂を起こすなど女性問題を繰り返す。やがて再婚をした東郷は、生活のために客がつきやすい小品を描き始めた。それが一連の美人画であったという。しかしそのうちに東郷に「誰もが美しいと思う絵を描きたい」という欲望が湧き起こり、彼独自の画風を確立していくことになる。

 やがて彼の絵画は人気を博することになっていくが、「大衆迎合」「大いなるマンネリ」との批判は常につきまとったとのことである。また大衆に人気を博する彼の絵画が、芸術なのかという議論もあったという。しかし彼自身は画壇の実力者として多くの名誉を得ることになる。

 「大いなるマンネリ」とはよく言ったものである。確かに彼の絵画はどれも同じパターンである。またそこに「どう描けばウケるか」という計算も垣間見えたりする。これは「芸術」を思考しているタイプの画家が嫌悪する元になるだろう。それに私の目から見ても、一見した時のインパクトはあるが、その後の深みがないきらいが感じられる。

 

4/3 マン・レイ作「アングルのバイオリン」

 奇妙な写真である。背中を向けた女性の写真にバイオリンのf穴を描いてある。女性の背中の形をバイオリンに見立ててある。ただこれを見ただけでは単なる一発ギャグのようである。私が連想したのは雪面に描かれたシュプールにタイヤを配したマッド・アマノ氏(だったと思うが名前はうろ覚え)の作品である(ちなみにこの作品は裁判沙汰になった)。

 作者のマン・レイは芸術の新たなスタイルを求めて苦闘した芸術家だったという。彼は絵画やオブジェの作成などをしたが、それらはさっぱり売れず、結局は写真の方でばかり名が上がったという。彼の写真は評判になりヴォーグのグラビアなどを手がけて多くの金を稼いだ。

 しかし芸術家を志向していた彼は、だんだんと写真を憎むようになり、ついには商業写真を撮ることを止めてしまうという。そんな彼が撮ったのが表題作。彼は写真に対して加工を施しており、単に事実をありのままに映すだけの写真ではなく、より芸術を志向したものになっているという。彼はこの後、写真をカンバスとした新たな芸術としての写真のジャンルを確立していく。

 本来志向していた芸術の方ではなく、生活のために撮った写真の方で名が上がり、その忸怩たる想いを結局は写真を芸術にすることで晴らしたというところのようだ。ただ彼の評価がそうなったのも個人的には分からないでもないのだが・・・というもの、彼のリアリティを映し出した写真に腕に比べれば、芸術を志向している絵画や後の芸術写真の方が明らかに平凡なのが私の目でも感じられるのだから。

 

3/27 「スペシャル 世界を巡った"危険な色"〜プルシャン・ブルー〜」

 今回はいつもと趣向を変えてプルシャン・ブルーを巡る古今東西のエピソードである。

 この色はプロシヤで錬金術師によって発明された。それまでは青色の絵の具はラピスラズリを使った「ウルトラマリン」しか存在しなかった。しかしラピスラズリはアフガニスタンとチリの特定の地域でしか産出されない高価な鉱石(と言うよりも宝石)であるので、ウルトラマリンは高貴な青と言われていた。

 錬金術師がプルシャン・ブルーを発明したのは全くの偶然だという。赤色の塗料の開発をしていた錬金術師が、仲間から借りたアルカリを加えたところ、そのアルカリが腐っていて、青い塗料が出来たのだという。プルシャン・ブルーは初めての青色の合成塗料であり、当時爆発的な人気を博したという。

 このプルシャン・ブルー(そもそもこの呼び名はプロシアン・ブルーから来ているらしい)は日本にも渡り、ペロ藍(ペロリン、ベルリンから転じたらしい)と呼ばれて浮世絵に使われたという。これをもっとも効果的に使用したのが葛飾北斎であり、彼の代表作「富嶽三十六景」にはこのペロ藍がふんだんに使用されているという。

 さらにこの北斎の浮世絵がゴッホに影響を与えた。浮世絵に感化を受けたゴッホは、プルシャン・ブルーを「北斎の青」として愛用したという。しかしこのプルシャン・ブルーは扱いの難しい絵の具で、他の色と混ぜた場合に、その色を食ってしまうことがあるとのこと。そのため輝きを重視したゴーギャンなどは、「危険な色」として気をつけるように訴えていたという。

 プルシャン・ブルーに魅入られたゴッホが悲劇的な最後を遂げた後、この色に魅入られたもう一人の画家がピカソだという。彼の「青の時代」と言われた時期の作品にはこのプルシャン・ブルーが大量に使用されているという。彼はこのプルシャンブルーを重ねることで、深い黒を表現したとのこと。

 色を中心に、東西の複数の画家をオムニバス的につなげていくという構成がなかなか面白かった。ただ最後に出てきた日本の芸術家もどきだけは余計。

 

3/20 渡邊崋山作「鷹見泉石像」

 複数の優れた才能を持つ者がたまにいるが、政治家と画家といったおよそ両立しがたいと思われる才能を両立させた希有な存在が、渡邊崋山である。

 貧困にあえぐ田原藩の下級藩士の息子として産まれた崋山が絵筆をとったのは、父の度重なる減俸で飢えに瀕している家族の中で、食っていくためのものであったという(つまりは内職のためである)。しかしやがて彼の絵師としての評判が上がり、江戸でも当代随一の絵師と言われる。

 40歳で崋山は心ならずも家老に抜擢され、藩政改革に乗り出すことになる。彼は新たな産業を興し、藩財政の改革に乗り出す。激務の合間でも彼は絵筆をとり続け、その画帳は身の丈ほどもなったという。

 しかし時代は激動の時代に突入する。大阪では貧民救済を掲げた大塩平八郎の乱が起こる。そしてこの乱が表題作の制作に関わってくる。表題作の鷹見泉石は、大塩の乱の鎮圧に活躍した人物であるという。伝統的な手法で描かれた衣服の部分と対照的に、顔の部分は墨の濃淡で立体感を表す手法を用いており、洋画のようにも思われる絵である。

 しかし崋山は開明派が弾圧を受けた蛮社の獄で謂われのない密航の罪で囚われ、蟄居を命じられる。だが彼の徳を慕う者など彼の元を訪れる者は後を絶たず、そのことを公儀の監督不行届だと讒言する者が出て、崋山は49歳で自刃したという。武士としての崋山の存在が、絵師としての崋山の存在を閉ざしてしまうことになったのだという。

 なんとなく、上杉鷹山のエピソードとも部分的にダブるなと思っていたら、ゲストが童門冬二氏であった。おかげで美術番組と言うよりも歴史番組の雰囲気が濃厚に漂ってしまった。この番組のイメージから行けば、やや特殊な印象を受けたのが今回である。

 さて表題作であるが、番組に指摘されるまでもなく、濃厚にリアリティを持って描写された顔の部分と、やや定型化されて簡略化されているようにも見える衣服の部分のギャップは一見して感じられる。また人物画を通してその人物の人となりまで透けて見えるような鋭い作者の目線を感じる。私自身、この時代の肖像画において、これほど存在感とリアリティを感じさせられる肖像画を見たことはない。一目見ただけで飲まれそうになる。これは驚異的な画力であると感じる。華山ももっと異なる時代に生まれていれば、絵の世界の方で革新をなしたと思われるのだが・・・。残念。

 

3/7 ゴッホ作「ひまわり」

 ゴッホのひまわりと言えば、バブル華やかかりし頃、日本企業が54億円で落札して話題になったが、実はゴッホのひまわりと言えば多くの作品が存在している。なぜゴッホはそんなに多くのひまわりを描いたのか。

 ゴッホが日本の浮世絵の影響を受けたのは有名であるが、影のない浮世絵に驚いたゴッホは、日本は光あふれる国だと誤解したのだという。そして光をあふれるアルルにやってきた彼は、黄色い絵を描きまくる。彼は光に執着していたのだ。

 彼はアルルの地で画家のコミュニティを作りたいという夢を抱き、ゴーギャンを招く。そのゴーギャンの部屋に飾るために描いたのがひまわりの絵だという。ここでゴッホは黄色だけでなく大量の白色も使用しているとのこと。これは浮世絵に影響されたゴッホが、油絵でそれを再現しようとしていたとのことである。

 やがてゴッホが待ち望んだゴーギャンが到着する。しかし彼らの共同生活は、お互いの制作姿勢の違いや性格の違いなどからわずか二ヶ月で破綻する。そしてやがてゴッホは自殺し、37歳という短い生涯を終える。

 やはりゴッホもひまわりも有名すぎるためか、あまり目新しい内容はなかったという印象である。ただ番組としての構成はなかなか工夫しており、お宝鑑定団まで登場するというやや悪のり気味の内容のせいで、結構面白く見られた。なお私は個人的にはゴッホのひまわりの絵はあまり面白いと感じないのが事実だったりする。

 

2/29 モネ作「ジヴェルニーの庭 三題」

 印象派の大家と言われているモネ。しかし彼の評価が上がったのは晩年のことで、その頃のモネは自宅の庭を題材にひたすら光を追究していた。特に最晩年に描かれた一連の睡蓮の絵は非常に有名である。今回はそのモネの庭園についての紹介である。

 モネがこの地・ジヴェルニーに移ってきたのは40歳になってからとのこと。30歳代後半で妻との死別や絵を買ってくれていた画商の破産といった人生上の苦難を体験したモネは、再婚した妻の家族らと共に、ジヴェルニーに家を借りて引っ越してくる。当初は生活のために野菜を植えたり、花壇を作ったりなどしていたのだが、だんだんと造園が本格的になってくる。季節のことや配色のことまで考えて設計した庭はモネにとって格好の画材となり、だんだんとモネはこの庭園ばかり描くようになる。そうして数年後、やっとこの家と庭園を自分のものとし、その後に「水の庭」と呼ばれる池を作ったということである。

 しかしこの池を作ったことがモネにとって芸術家としての苦悩の元になる。彼はこの水面に揺らめく光を表現するためにその一生を費やすのである。

 モネの絵よりも庭の方に中心的なスポットを当てていたのが印象的な回。絵の方は有名すぎて今更特に説明することもなかったか。なおモネの睡蓮の絵は私も現物を見たことがあるが、揺らめく光が眩しいぐらいの作品だった。なおこのシリーズの作品も、絵によって出来不出来のばらつきは結構あるようなので、あまり大したことのないのも見たことがある。

 

2/22 ルノワール作「田舎のダンス・都会のダンス」

 表題の2作は同時期に制作された対照的な作品である。そしてこの絵こそが後のルノワールの運命に大きく関わる絵であるのだという。

 この絵のモデルは田舎のダンスがアリーヌ・シャリゴという当時24歳の女性。都会のダンスはシュザンヌ・ヴァラドンで18歳の女性であるが、実はルノワールはこの時、両方の女性とつき合っており、シュザンヌは身ごもっていたという。この二人の女性は実に対照的で田舎出で素朴なアリーヌに対して、シュザンヌは多くの画家のモデルをしている上昇志向の強い女性で、多くの画家と浮き名を流していたようである。また彼女は後に自分自身も画家になったとのこと。

 当時のルノワールは印象派の手法に行き詰まりを感じて、真剣に悩んでいた。彼の悩みは、印象派の手法を使うと人物を鮮明に描くことが出来ないというものだった。この辺りは風景画がメインであったモネと彼が違うところでもある。悩んだ彼はたった一人でパリを去り、独自のスタイルを求める旅に出る。そしてイタリアで見たラファエロの絵によって迷いを吹っ切る心境に至る。そしてその時に彼が描いたのがこのダンスの絵だという。彼はこの絵で人物を浮かび上がらせるために、輪郭やコントラストをはっきりしたものにしたのである。これこそが彼がたどり着いた新たな境地だった。そしてこの時に彼がパリから呼び寄せたのはアリーヌであり、ルノワールは結局彼女を伴侶に選択したという。

 この選択は彼に幸福をもたらし、おかげで彼は生涯キャンバスに幸福な光景を描き続けることが出来たのだという。

 なおシュザンヌが産んだ男子の父親については、シュザンヌは生涯明かすことがなかったという。そしてその男子こそが20世紀を代表する画家であるモーリス・ユトリロだという。

 この絵の男のモデルであるポール・ロート(本職は作家だという)を語り手にすえた形で、ルノワールがアリーヌとシュザンヌのどちらを選択したかというのを一種の推理形式にしていたのが印象的。地味な番組の興味をつなぐための構成の工夫だろう。もっとも個人的には二枚の絵を見た時に直感的に結果は分かったような気がする。私の見立てでは明らかにアリーヌの絵の方にルノワールの愛情が見られた。なお生涯の伴侶の選択は、実に重要だと言うことである。

 なおこの後、ルノワールは女性の絵ばかりを描き続けることになり、これらの絵は現在非常に有名である。ところで私が大学生だった時の机の落書きの傑作に「ルノワールはロリコンか!」というのがあった。けだし名言(笑)。

 

2/15 カミーユ・ピサロ作「レルミタージュの丘、ポントワーズ」

 印象派と言えば、モネ・ルノワール・ドガなどを連想するのが一般的であるが、忘れてならない人物がピサロである。

 カリブ海のセント・トマス島で生まれたピサロは、画家を志してパリに渡航、そこで彼が知り合ったのは若き画家であるモネ・ルノワール・ドガ達である。彼らの中で年長であったピサロは「長老」と呼ばれ、個性の強い彼らのまとめ役のような立場になる。当時新しい芸術を目指していたものの、保守主義的なサロンに排除されていた彼らは、独自の展覧会を企画して開催する。こうして 1874年、第一回印象派展が開催された。この展覧会は審査のようなものがなく、会費さえ払えば参加できるという画期的なものであった。しかしこの展覧会は酷評を受け、売上金はほとんどなく、彼らの元には会費さえ帰ってこないという惨憺たる有様であった。

 しかしピサロはめげずに2年後、裕福な画家であるカイユボットの支援を受けて、第二回の印象派展が開催され、彼ら印象派に対する世間の評価はだんだんと上がってくる。世間の評価が上がってくるにつれて、モネ・ルノワール・ドガの3人はやがて印象派展から去っていくが、ピサロは最後の第八回の印象派展にまで毎回参加した唯一の画家であるという。

 このようにピサロの歩みはまさに印象派の歩みそのものであるのだが、そもそもピサロは実は印象派の枠だけにはまる画家ではなかったという。最初ピサロはコローに師事し、古典的な絵画を描いていたのだが、新しい絵画を求める衝動から印象派へ参加する。しかし彼はそこでとどまることはなく、後期印象派に属するセザンヌと共に新しい絵画の研究を行ったり(それが後のキュビズムにつながっているとのこと)、スーラの点描技法さえ取り入れたという。

 さてこのようなピサロの変遷を見ていると、新しい技法に貪欲だったという言い方も出来るのだろうが(番組ではそう表現している)、実は節操なく他人の影響を受けやすかったという意地の悪い見方も可能なように思われる。実際にピサロの絵を見ていると、あまりに画風が変わりすぎているので、「これがピサロの絵画である」という特徴のようなものは弱いように思われてしまう(これはセザンヌ調だとか、スーラ調だとか、どうも他人の画風の亜流に括られそう)。これは芸術家としてはマイナスだったのではないかと思える。むしろ彼の真骨頂は、個性の強い印象派の画家達を束ねて印象派展を開催した、プロデューサとしての能力だったように思われてならないのだが。

 

2/8 鏑木清方作「一葉女史の墓」

 鎌倉には鏑木清方の住居だった建物を使ったこじんまりとした美術館がある。そこに収蔵されているのが表題作。これは鏑木清方初期の代表作で、後に美人画の大家と言われた彼が本格的な絵に挑んだ初めての作品であるという。本人自身が後に「これは私生涯の制作の水上となる」と語っているという。

 東京の下町を愛し、各地を転々と移り住んだ彼は、若き日に樋口一葉の「たけくらべ」に感銘を受けた。そんな彼の元を訪れたのが気鋭の小説家・泉鏡花であった。彼は当時挿絵画家として名をあげていた清方に自分の本の挿絵を頼みに来たのである。二人は意気投合し、終生の友人となる。そして泉鏡花の文章がきっかけで一葉の墓地を尋ねた清方が描いたのが表題作である。

 墓にもたれかかる女性というかなり怪しくも美しい絵であるが、この女性はたけくらべのヒロイン・美登利であり、作者の墓に小説のヒロインが寄りかかっているという完全に幻想の世界を描いたものである。

 しかしその後、関東大震災によって清方の愛した東京の下町は壊滅する。東京の下町を思わせる風情の鎌倉・雪の下に移り住んだ清方は、東京の風景を思い出させる絵を描き上げていく。この時に住んでいた住居が先の美術館になっているのである。

 番組中で清方の絵は、表題作と数点が登場したが、いずれもドキリとさせるような美しさがある。美人画の大家と呼ばれたそうであるが、確かに女性の美しい描き方を心得ているという印象である。また下町の風情を愛したというのは何となく理解できる。私も神戸の下町(といってもこちらは昭和40年代の話だが)の風情を愛した人間で、高度成長の中でそれらが破壊されていくことに悲しみを感じていた。そしてこの下町が阪神大震災で壊滅してしまって、結局はまだ下町風情の残る田舎に引っ越したというところまで同じである。違うところと言えば、彼は希有な画才に恵まれていたのに対して、私は画才どころか特別な才能は持ち合わせていないと言うことぐらいか。

 

2/1 小倉遊亀作「シリーズ日本の美術館に「女」を見に行く」

 今回はいつもと趣向を変えて、一つの作品を扱うのでなく、一人の画家と一つの美術館をまとめて扱っている。今回の画家は小倉遊亀、美術館は彼女の作品を多く収蔵している(というか、彼女の要望によって作られたような美術館である)滋賀県立近代美術館である。

 小倉遊亀とは105歳で没するまで絵筆を握り続け、常に進化し続けていた画家だという。特徴としてはいかにも日本人の好みやすい柔らかいタッチであること。しかし彼女は鋭い観察眼でモデルの女性の本質を見抜き、それを絵に表現しているという。しかしその目は愛情に満ちており、暖かさのあふれる絵である。

 彼女の有名な作品に昭和の大スター・越路吹雪を描いたものがあるが、これなどは忙しい大スターのスケジュールの合間のほんの数時間でスケッチされているという。しかし彼女は最初に出会った時に、越路吹雪の人間を見抜いたという。

 故郷である大津に美術館も博物館もないことを惜しんだ彼女は、自分の絵を寄付する代わりに美術館を建設して欲しいと要請したらしい。彼女の要望に答えたのは、当時滋賀県知事だった武村正義氏だとのこと。この美術館は小倉遊亀のコレクションが充実しているのは当然であるが、全体的に女性をメインに扱っているという。

 番組は、下落合のある主婦が突然に思い立って美術館に出かけるという設定で、美術館の紹介を行っている。最後にかかったコストまで掲載しているのは、なんとなく紀行番組のようである。言わんとしようとしていることは「夜行バスで行けば意外と安く行けますよ」ということなので、興味のある人は実際に行ってみても良いかも。実に心地よい絵なので、特に女性の方は興味を持つのではないかと思う。

 

1/25 黒田清輝作「智」「感」「情」

 日本画壇を代表する洋画家の大家・黒田清輝。しかし彼は何も最初から画家を目指していたわけではない。彼の才能が開花したのは、フランスに法律を学ぶために留学した時である。しかしここで彼は絵に対しての天賦の才能を示し、当時にパリにいた日本人画家達の支援もあり、写実に徹したアカデミックな画風を学ぶ。フランスでサロンにも入選した黒田は、画家としての地位を確立する。

 しかし帰国した彼を待っていたのは非難と中傷の嵐だった。未だ保守的な気風の漂う日本では、黒田の裸体画はわいせつとして批判されたのである。そんな中で彼が発表したのが「湖畔」と表題作の「智」「感」「情」であったという。まるで画壇を挑発するような問題作であったが、この絵は後にパリの万国博覧会において銀賞を授与されたという。

 アカデミックな写実主義的絵画を学んだ黒田は、ルネサンスにおける理想化された肉体を描いており、それはこの絵にも現れているという。この絵に描かれている人物は、日本人離れをしたプロポーションをしているという。

 私が初めてこの絵を見た時に何となく違和感を感じたのだが、それは人体のプロポーションにあったのだということを、番組を見て気がついた。なお黒田の絵画は明らかに古典的絵画に属するわけで、これでも物議を醸したという辺りに、いかに日本の画壇が保守的だったかがうかがえる。

 

1/18 萬鉄五郎作「女の顔(ボアの女)」

 岩手出身の画家・萬鉄五郎は何度か大きく画風が変化した画家である。子供時代から絵の才能を示した鉄五郎は、画家を目指して上京。東京美術学校に優秀な成績で入学する。この頃の鉄五郎の画風は、精緻な描写を特徴とした繊細な絵である。

 しかしやがて日本にフォビズムやキュビズムの風が吹いてくる。多くの芸術家がその影響を受けたが、鉄五郎もその多大な影響を受け、大胆な色遣いや構図の絵を描き始める。おかげで卒業時の鉄五郎の成績は19人中16番目と散々だったとのこと。この頃の鉄五郎の絵の色彩は赤と緑が基本になっており、それは故郷の土澤の赤土と森の色だったという。

 もう学ぶことがないと感じた鉄五郎は、教員免許も取らずに画家として生きていく道を選ぶ。この頃に彼が妻を描いた絵が表題作とのこと。しかし彼の絵は売れず、やがては故郷の土澤に帰る。

 しかし肺結核を患った鉄三郎は、次は静養のために湘南へ引っ越す。ここで再び彼の画風は一変する。当時南画の影響を受けた鉄三郎は、鮮やかな色遣いの柔らかな絵を描き始める。

 2度も画風が一変した鉄三郎であるが、私の印象としては「いかにも外部の影響を受けやすい若者」といったものである。正直なところ、お上りさんがモダンな文化に触れて舞い上がったが失敗し、身体を病んだことで精神状態が変化し、また別のものにはまったというようなイメージしかしないのだが・・・。私としては彼の絵は「平凡」という印象がどうしても拭えない。

 

9/28 小磯良平作「斉唱」

 神戸ゆかりの小磯良平の表題作は、震災後に新装なった神戸の兵庫県立美術館に収蔵されている。ちなみに新装前の兵庫県立近代美術館(略して「ひょうきん」など言ったりしたが)は私が学生時代によく訪れたスポットであり、この美術館の名前を聞くと一抹のノスタルジーを感じずにはいられない。

 さて表題作であるが、これは小磯良平が38歳の時に描かれた作品であるという。小磯は学生時代から注目された画家であったが、西洋の古典に学ぶことをした画家であるという。実はこの表題作もヨーロッパの古典絵画の影響があるという。

 しかしこの表題作には一般的な小磯の作品にない特徴があるという。この作品には小磯の作品にあるきらびやかな色彩がなく、装飾もない。これはこの絵画が描かれた時代が影を落としている。この絵画が描かれたのは1941年、日本が戦争に突入していった時代である。クリスチャンでもあった小磯の平和に対する祈りがこの絵に込められているのだという。しかし小磯の願いも空しく、この絵画が発表された2ヶ月後、日本は阿呆な軍部に引きずられるままに太平洋戦争に突入する。

 番組の構成として、太平洋戦争前に神戸を去った外国人が再び神戸を訪れるというシチュエーションを設定していたのだが、このドラマが少々うるさい感じを受けた。それは片言の日本語のせいもあるのだろうが。

 なお神戸に居住していた私にとって、小磯良平の絵画は何度か見たことがあるが、正直な印象は「美しいが特別に面白いとは思わない絵」というところである。私個人としては感性があまり合わないらしい。

 

9/21 モーリス・ド・ヴラマンク作「サン・モーリス・レ・シャランセイ」

 ヴラマンクによる表題作は、まず目につくのは白と黒だけの地味な配色である。しかし単純にそれに騙されてはいけない。ヴラマンクはこの絵の下地に実に多彩な色を隠しているのである。かつてゴッホの絵に感動して本格的に絵画制作を始めたというヴラマンクは、爆発する色彩を白の絵の具で塗りつぶすということで独自の境地に至った画家であるという。

 ヴラマンクは常に権威に背を向け、自分の感性だけを頼りに独学で絵画の世界を歩んでいった。しかも非常に激しい性格をしていたために、絵画の世界にも敵が多く、批評家などにはかなり激しく叩かれていたという。そんな彼が晩年にたどり着いたのが表題作のような境地だったとか。

 芸術家が大成するにはこのような信念のようなものは必要なのだろう。もっとも最近は、全く才能もないのになぜか己の才能に対する過信だけはやたらに強い自称芸術家が多いのには少々辟易したりするが。

 

9/14 「三十三間堂 十一面千手千眼観世音菩薩」

 三十三間堂は平安時代に後白河上皇の意を受けた平清盛によって建立された寺院である。圧巻は1001体の観音像。この1001という数字がポイントなのだとのこと。万につながる1000にさらに1を加えた数字は、無限を意味するものだという。世の中が乱れ末法の世と言われた時代に、救いを求める後白河上皇の思いがこもっているという。

 三十三間堂の観音像の中には湛慶(運慶の息子)の名前が残っているものがあるとのことだが。三十三間堂が建立された平安時代にはまだ湛慶は生まれていない。これは三十三間堂が一度火災で焼け、この時に800体ほどの観音像が焼失したので、湛慶が指揮を執る多くの仏師によって再建がなされたという。この際、湛慶はただ単に平安時代の観音像を真似したのではなく、鎌倉時代の仏像の流れを取り入れているとのこと。湛慶は仏像に写実主義を取り入れた運慶の技法を引き継いでおり、湛慶によって作られた観音像は表情がはっきりしているという。 

 ここまで壮大な施設になると、仏師の技量がどうこうという世界よりもプロジェクトリーダーとしての資質が問われることになるのだろう。運慶の時代でも既にそうであったのだが、仏像の製作に分業制が取り入れ始めたのがこの時期であることを考えると、仏像製作というのは一種の巨大産業であったのではないかとさえ思わされる。

 

9/7 オノレ・ドーミエ作「洗濯女」

 ドーミエは画家としてではなく、風刺画家として有名だった人物だという。その彼が晩年にかいた油彩画がこれである。

 貧乏に育ったドーミエは常に視点を庶民におき、庶民の目線から7月革命後の動乱のフランスの政治の状況を風刺し続けたという。彼は正確なデッサン力と、物事の本質をすぐに見抜く洞察力、そしてそれを風刺として描く機知を持ち合わせていたという。彼の風刺画は庶民の喝采を浴びたが、彼としては「生活するために描いている」のであって、本当は芸術に興味があったのだとのこと。

 しかしその後にナポレオン三世の王朝が成立し、言論に対する統制が強くなったことで彼の生活は一変する。彼は今まで仕事をしていた新聞社との契約を解除される。このことによって彼は生活的に困窮することになるが、今まで出来なかった創作を行う時間が与えられた。ある意味では、貧しくとも充実した日々を送ることになったという。

 そのような時期に描かれたのが表題の作品。まさ庶民の生活の一コマを切り取ったような絵画である。この絵を一つ見ただけでも、彼の視線が常に庶民の側にあったことはうかがえる。

 結局のところ彼は生活のためにその人生の大半を風刺画家として送ったのだが、それは彼にとって幸福だったのか不幸だったのか、判断は難しいところである。彼が風刺画家としての仕事のために自身が考えていたような創作がほとんど出来なかったのは事実だが、彼の才能が花咲いたのも風刺画家としての経験があったからと見れなくもないからである。生活のための仕事と、自分が本来やりたい仕事の間のジレンマ。これはどのような創作家にもつきまとう問題なのではないだろうか。

 

4/7 ボナール作「入浴する裸婦」

 ボナールは妻の絵を生涯描き続けた画家である。またマルトが入浴好きだったことを反映してか、入浴中の構図が非常に多いとのこと。ただしボナールの描く妻のマルトの絵は、写実よりは記憶によって描いている。この辺りには彼の妻に対する複雑な心情が絡んでいるのだろう。ちなみにボナールは「親密派」と呼ばれているそうであるが、つまりは親密な題材ばかり扱ったということによるのだろう。

 色彩の魔術師と言われた彼の絵は、光が煌めいてる印象派の特徴的な絵柄である。ただ、本人自身も金のために描くという意識がなかったとのことだが、確かに多分に個人的感情が強すぎる絵である印象を受ける。

 

12/8 セザンヌ作「松の木のあるサント・ヴィクトワール山」

 セザンヌの手になる表題作は、セザンヌが何度も描いている題材である。油絵だけでも43枚もの絵があるという。

 セザンヌの絵画の特徴は、遠近法などを厳密に守らずに、絵の一部に嘘をつくということだという(だから私は彼の絵を見たときに、デッサンが狂っているようにしか見えないのだろう)。これはピカソなどの近代絵画につながる流れだという。そして表題作におけるサント・ヴィクトワール山も、現実よりも高く大きく描かれている。

 彼が一連のサント・ヴィクトワール山の絵を描いたのは、親友ゾラと決別し、結婚に失敗し、理解者であった父を失うという失意の中にあった頃であるという。この番組の解釈では、セザンヌは風を描こうとし、それはかつて子供の頃の幸せな日々を取り戻したいとの想いがあったのだろうというものである。

 セザンヌの絵画については、私も現物を見たことが何度もあるのだが、どうしも私には面白いと思えないものである。私はどちらかと言えば現代絵画に批判的な人間であるが、彼の中に現代絵画に通じるものを感じるせいだろうか。とにかく感性が合わないとしか表現のしようがないのである。一連のサント・ヴィクトワール山の絵画なども、残念ながら私には退屈至極なものであり、この番組でハイビジョン放送されたプロヴァンスの風景の方が数倍すばらしかったというのが本音。

 

11/25 デ・キリコ作「通りの神秘と憂鬱」

 形而上絵画といわれる非常に印象的な絵画を描いたデ・キリコ。その作品が今回登場する。

 表題作は一瞥しただけでもその異様さが心に迫ってくる。以上に強調された遠近感。凍り付いたように動きの感じられない無生物な画面。実在の風景というよりは、心象風景を描いたのではないかと思われる作品である。

 形而上絵画とは、目に見える世界の裏側に潜む世界を描く絵画だとのことだ。それはまさに心象風景そのものなのではないだろうか。

 前衛芸術の旗手として、デ・キリコはシュールレアリズムに大きな影響を与えた。しかし実はデ・キリコにはもうひとつの面があった。彼はラファエロ風の古典的な技法の絵画も残している。唐突に古典に帰った彼を、シュールレアリストは「裏切り者」とまで批判したという。しかし彼は生涯を通して形而上絵画の画家であり、常に現実の背後を追究しようとしていたのだという。

 今回はデ・キリコの世界にはまりこんだ男の与太話がかなり番組としては鬱陶しかったのだが、BSジャパンではその間にデータ放送の方でいろいろと情報を流していたので、こちらの方が興味深かった。番組の内容が面白くない場合は、こういう手もあるのだなと感心させられた次第(全く本筋と関係ないですが)。

 ところで、デ・キリコの絵画なのだが、彼の絵画に対しては非凡なものを感じるのだが、彼に続くシュールレアリストには平凡なものしか感じない者が多い。どうも独りよがりで分かりにくいものを作れば「前衛」だと勘違いしている連中が多いのではないかという印象を受けるのだ。「前衛」という言葉が、大して才能のない連中の格好の隠れ蓑になっているように思える。そう考えてみると、デ・キリコの場合、あのような古典調絵画を描けるだけの技術を持った上で、あえて前衛に走っていたからこそ、我々に衝撃を与える絵を描けているのではないかとの気がする。

 

11/18 ボッティチェリ作「ヴィーナスの誕生」

 表題作はルネッサンス時代、ボッティチェリのパトロンであったメディチ家に収蔵されていたという。ルネッサンス時代は、画家も他の職人と同様に扱われており、親方について修行をするという形をとっていた。ボッティチェリもそのようにして修行をした後、一人前の画家として作品を制作し始めた。

 当時の絵画は板に絵を描くテンペラ画や、漆喰に描いていくフレスコ画が中心だったのだが、彼はまだカンヴァスが一般化する100年以上前に、このカンヴァスを用いて表題作を制作したという。なおこの時代はまだ裸体画がタブーであり、公共の場に掲げられる絵画として描かれることはなく、この作品にしてもメディチ家という依頼主があったからこそ描けたという。

 しかしこの後、メディチ家の当主が死亡し、キリスト教原理主義者が台頭し、享楽的なフィレンツェの文化を否定した(邸宅の絵画や装飾を焼いたりもしたというから、焚書坑儒のようで野蛮なものである)。それに合わせて、彼の絵画からもかつての生気はなくなった(この時代の彼の作品は、私の目から見ても明らかに面白くない)。そしてやがて彼は筆を折ったという。

 時代に翻弄される芸術家の悲しい生涯という気もするが、このことは裏を返せば、彼がまだ「芸術家」というスタイルを完全に確立できず、依頼主の要望に対して確かな技術で答えていくという「職人」の立場を越えていなかったのではないかということを感じさせもする。

 

11/4 カラヴァッジオ作「洗礼者聖ヨハネの斬首」

 表題作は400年前に作者が、マルタ騎士団(十字軍の末裔)に捧げた絵だという。しかし彼はマルタ騎士団に送られたと思われる刺客によって受けた傷がもとで命を失ったという。一体彼に何が起こったのかという辺りをこの番組は推測している。

 「聖マタイの殉教」などの絵画で、カラヴァッジオはローマにおける名声を獲得する。彼の絵画の特徴は、聖書の中の物語をまるで現実の事件の1コマであるかのように切り取ってくることである。しかし彼の絵は生々しすぎるが故に、非宗教的であるという理由から、依頼主から受け取りを拒否されたこともあるという。彼の手に掛かれば、聖書の出来事も市井の出来事と同レベルのリアリティを持ってしまうためである。

 しかし名声を確立した後の彼は、荒れた生活を送り、ついに35才の時に殺人事件を起こしローマから逃亡し、マルタに流れ着く。騎士団に入団を望んだ彼は、騎士団に絵を捧げることを要求される。そうして描き上げたのが表題作だった。

 彼はモデルを使って、ヨハネが斬首される瞬間をリアルに描き上げた。これによって彼は殺人の罪を免じられ、騎士団への入団を認められる。

 しかし彼は3ヶ月後に再び殺人を犯す。騎士団内で些細な諍いから相手を殺してしまったのである。地下牢に投獄された彼はそこを逃げ出すが、騎士団から追放と抹殺が命じられる。そして彼は刺客に命を狙われることになったのだという。

 彼の遺作とも言われている作品には、生首が描かれているが、その生首のモデルは彼自身だという。彼はいつかは自分にそのような破綻がくることを予期していたのだろうというのが、この番組の結論である。

 何やら芸術家に多いタイプの性格破綻者が堕ちていく過程そのものだったように思える。異彩を放つ芸術的才能というのは、狂気と紙一重なのだろうか。

 

10/28 レオナルド・ダ・ヴィンチ作「モナ・リザ」

 この超有名な絵画については、今更説明するまでもないだろう。しかしこれだけ有名であるにもかかわらず、これだけ謎を秘めている絵画も珍しい。

 この絵画はモデルも描かれた年も不明である。そして最大の謎だと言われているのが、あの謎の微笑みである。そのために多くの研究者がいるという。(さらに極端な話では、現在ルーブルにあるモナリザは偽物だという説もある) ではこの作品をダ・ヴィンチはどうやって作成したのか、この番組ではそれを再現しようとしている。

 ダ・ヴィンチはまず最高の板と最高の絵の具を使用することにこだわっているという。この絵は白く塗った板の上(これは私は初めて知った)に絵の具を使って描かれているが、科学者でもあった彼はかなり凝った絵の具を使っていて、それは現在では完全に再現は出来ないとのこと。なお彼はこれらの絵の具を、下地の白を消さないように薄く塗り重ねられているという。

 モデルについては、ジョコンド婦人という子供を亡くした未亡人だという説があるが、実在する人物ではないという説もあるという。

 1452年にヴィンチ村で私生児として生まれた彼は、10才の時に母と別れてルネサンス期のフィレンツェに来たという。つまり彼は幼くして母と別離するという体験をしていることになる(この番組では、モデルが誰かという結論は全く出していないのだが、暗に母親の面影を追いかけていたのではないかと言いたげである)。

 彼は60才の時に既にモナリザの絵を持っており、常にこれに手を加えていたという(だからこの絵は未完成だったと言われているのだろう)。

 なお面白かったのは、実はこの絵は盗難事件で有名になってから、ルーブルに展示されるようになったのであって、かつては収蔵されているだけで展示もされていなかった作品だったという話。何か話題が必要なのは、美術作品でも同じなのか。

 

10/21 山下清作「長岡の花火」

 今回の主人公は、裸の大将こと山下清である。彼は全国を放浪しては、その時の光景を貼り絵にし、絶大な人気を誇った。彼は画家を目指していたわけでも、絵で生計を立てていたわけでもない。

 彼は八幡学園という知的障害者のための施設で才能を開花させた。この学園に預けられた時の彼は、笑うことがなく時には暴力を振るう子供だったという。彼が才能を現したのは、図画の時間に行った貼り絵であった。そこで彼は独創的な才能を発揮する(往々にして知的障害を持っている児童には、何かに対する異常な集中力など、特異な才能を示す場合が多い。これは今日では脳内の代償行為として説明されている。)。

 やがて彼の絵は展覧会で大評判となる。しかしそんな昭和15年、18才の彼は突然に学園から逃げ出す。彼は全国を物乞いをしながら放浪をするのである。

 そして昭和28年、ふらりと学園に帰ってきた彼は、多くの作品を制作する(表題作はこの時に製作されたという)。彼は抜群の記憶力を持っており、記憶を元に風景を再現することができたのだ。そうしてまた気が向くとふらりと放浪の旅に出るのだった。

 しかしやがて彼の放浪の生活も終わりをとげる。彼の知名度が上がり、放浪の生活が許されない立場になってしまったのだ。空前の山下清ブームの中で、彼は画家としての名を上げ、ヨーロッパにまで出かける。ただ彼の精神は、いつも放浪の旅を求めていたのではないだろうかとの疑問をこの番組は呈している。

 山下清の緻密な貼り絵を見ていると、やはり彼の才能は障害者特有の代償効果によっているのは間違いないと思われる。しかし彼の才能が受け入れられたのは、貧しくとものどかであった昭和初期の時代が影響しているだろうと思われる。効率第一主義の現在では、彼のような異能の士は受け入れられる余裕がないのでは。

 

10/14 エミール・ガレ作「ひとよ茸」

 ガレはフランスのナンシーの芸術家によって結成された「ナンシー派」の作家の一人として、アール・ヌーボーの牽引車であったとのこと。アール・ヌーボーは人工的な曲線を嫌い、自然物の曲線にこだわったという。

 ガレは子供の頃から植物に魅入られ、植物園に通っていたという。彼はナンシー植物協会の会員として、新種の植物を学会に発表したこともあるとのことである。

 これらの経験はガレの作品に反映されており、また生物の姿を活き活きと現すために、ガラス細工の新しい手法を開拓したという。この頃のガレの作品は、実に鮮やかな色彩であるのが特徴である。

 しかしガレは突然にこの色彩を捨てる。この時期のガレの作品は黒一色となる。これは当時ガレと親交があった日本画家高島北海の水墨画の影響があるとのことであるが、後にユダヤ人差別などに対する悲しみの意味も込められたとのこと。

 だが、時代は大量生産の時代を迎え、ガレの工房も芸術性と利益追求の狭間で悩むことになる。しかしその中で、ガレはあくまでも芸術性にこだわりながら、コスト低減の努力もしたという。この辺りは彼が単純な芸術家ではなく、工業デザイナーであった所以だろう。

 「ひとよ茸」はガレの最晩年の作品である。彼はこのはかないキノコに、実は永遠の命のシンボルを見たのだという。確かにひとよ茸はたった一晩で枯れてしまうはかないものだが、胞子を散らしてまた生えてくる。それが白血病に冒され自身の生命の最後が見えつつあった彼の心情の反映だという。

 彼の作品は美術館ではなく部屋で楽しんでもらうものであるから、高価ではあるが無理すれば買えないこともない額だという。ただ、果たして本当に彼の作品を部屋に飾れる家はいくつあるか。特に住宅事情の悪い日本では絶望的では(笑)。また幼児のいるところなども厳禁だろう。私としては、一体彼の作品のいくつかが「不慮の事故」によって破壊されたかなどというのも実は興味あるところなのだが。

 

10/7 長谷川等伯作「楓図」

 今回のテーマは京都の智積院にある国宝・楓図である。対象が対象だけに、何となく「国宝探訪」のような雰囲気であるが、これを民放で扱ったらこうなるというところか。語り手に幽霊を起用しているなんてのは、いかにもこの番組らしい。

 表題作は安土桃山時代を代表する画家・長谷川等伯の代表作である。豊臣秀吉の依頼で描かれたこの作品には、絵師の情念がこもっているという。

 等伯が絵師を目指して能登から京に上って来た当時は、日本画は狩野派の天下で、特に狩野永徳を中心とした黄金時代が築かれていた(金箔を多用しているので文字通り「黄金時代」である)。永徳は織田信長や豊臣秀吉の依頼によって襖絵などを制作していた(秀吉は特に成金趣味なので、金箔は大好きだったろう)。

 等伯は名を上げるために、勢い狩野派と対立することになる。しかしその最中永徳が死去し、狩野派の混乱の中、祥雲寺の障壁画という大仕事が回ってくる。彼は金箔をおした大作を制作するが、皮肉にもその絵は狩野派の作品とよく似た画風になっている(これは秀吉の趣味に合わせているわけだが)。

 しかしその制作中、等伯の嫡男・久蔵が急死する(暗殺説もあるらしい)。彼は失意の中、大作を完成させる。しかし嫡男を失ったことで、等伯にとっては狩野派にとって代わることは不可能になっていた。この作品の完成後、等伯は二度と御用絵師としての仕事をすることはなかったと言う。

 何やら画壇のドロドロした風景が見えてくるエピソードである。しかしこの手のドロドロ話は、何も画壇に限らず、文壇、学会、どこでもあるところである。人の業のようなものだろうか。晩年の等伯の水墨画が、そのような生臭さから解放された境地のように見えるのが、かえって辛かったりするのだが。

 

9/30 ドラクロワ作「民衆を導く自由の女神」

 表題作は実に有名な作品なのであるが、私はこの作品にどうも違和感を感じていた。なぜ、この絵の中央に自由の女神がいるのか? どうもそこだけが妙に浮世離れして見えたのが記憶に生々しい。この番組ではその辺りに迫っている。

 1822年、ドラクロワは「ダンテの小舟」(実に有名な絵なので、見たことがある人が多いと思う)でサロンに華々しくデビューする。その後、彼はギリシアで起こった事件を元にした「ギオス島の虐殺」で大センセーションを起こす。実際の事件を元にしたドキュメント調でもある彼の絵画は、古典絵画に慣れた民衆に衝撃を与え、大反発を受ける。結局彼の絵画は酷評され、彼は失意を感じることになる。

 失意の中で日々を送る彼は、フランスの7月革命に出くわす。そこの民衆のエネルギーに触発された彼は、それを描こうとするが、かつてそのあまりの生々しさのために酷評を受けた彼は、テーマの生々しさを和らげるために自由の女神を象徴的に描く。この絵はサロンで入選し、彼は画家としての名声を博する。

 「生々しさを和らげるため」と言われると、実に説得力を感じてしまう。確かにあの絵から自由の女神を除けば、かなり殺伐とした絵になるのは確かである。ただこの過程は、彼が「一般にウケる絵」を意識して描いたという意味であって、ある種の迎合のようなものも感じてしまうのであるが・・・。

 

9/9 ユトリロ作「コタン小路」

 ユトリロによる表題作は、パリの裏通りを描いただけの地味な絵である。ユトリロは「裏町の画家」とも言われ、ひたすらにパリの街角の絵ばかりを描いたという。なぜユトリロがこのようなものを描いたのか。これはユトリロの生活が関係しているという。

 1883年、モンマルトルに生まれたユトリロは父親を知らない子供だった。彼の母親のシュザンヌは自由奔放な女性だった(はっきり言って遊び人だったということだ)。母の愛情に飢えていた彼は、14才にして酒浸りの日々を送ることになる。

 18才でアルコール依存症になってしまった彼は、アルコールを断つために精神病院に入院し、医者に勧められて治療のために絵を描き始める。実はこれがユトリロの画家としての第一歩だったという。母親とすごしていた彼は、酒場に行かないように部屋に監禁された状態で母親に絵を教えられた。しかし20才をすぎた頃に母親が結婚したことで、居場所を失った彼はまたも酒浸りの日々を送ることになる。彼は酒を手に入れるために絵を描き、描くか飲むかの生活を送っていたという。しかしこの時期が彼にとっての傑作が多く描かれた時代で「白の時代」と言われる。

 ユトリロは30才ぐらいまで飲むか描くかの生活を続けていたが、この頃に彼の絵の評価が上がり、多くの画商が彼に絵を頼むようになる。

 ユトリロが結婚したのは50才の時である。彼の身を案じた母親のシュザンヌが彼をリュシーという年上の女性と結婚させたのである。彼はこの年上の妻を母親のように慕い、酒に浸ることもなくなり、1日6時間も祈ることもあるような信仰の世界に入ったという。しかしこの頃から彼の作品には冴えがなくなる。

 何やらユトリロのマザコンばかりが正面に出てきていた内容であった。結局、荒んだ生活の中で描いた絵は芸術的価値があったが、落ち着いた生活の中で描いた絵は価値の低いものだったという話は、天才と狂人は紙一重という言葉を連想させる。満たされない心を絵にぶつけていた頃は、絵がメッセージを持ったのだが、満たされてそれがなくなると出てくる作品も平凡にならざるを得なくなったのだろう。これは画家に限らず、芸術家にはよくある話である。

 なおユトリロの絵は非常に人気が高いというが、残念ながら私の目には当たり障りのない平凡な風景画にしか見えないのが事実である。確かに裏通りというのは、題材的には郷愁を誘うものなので、私も写真などに使うことはあるのだが、どうも作品としてのテクニックよりも題材の良さが影響しているような艦を受ける。

 

9/2 ルーベンス作「キリスト降架」

 ルーベンスの絵画というとすぐに連想するのが「フランダースの犬」なんですが、やはり一般的にもそうなのか、この番組でも一番に出てくるのが「フランダースの犬」。日本ではアニメ化までされてかなりメジャーなこの作品も、地元のベルギーではかなりマイナー作で、最近まであまり知られていなかったとのことである。理由は簡潔。周囲のベルギー人があまりに意地悪なのと、やはりストーリーがあまりに暗すぎることだそうである。

 フランダースの犬ということで、今回の案内人はアロア。しかしこれは少しオイオイである。

 ルーベンスの家はアントワープに現存しているが、彼自身も設計に参加したというその屋敷は、画家の家というよりは、貴族の屋敷のようである。彼は非常に多作で生涯に2000以上の作品を作ったという。この多作の秘密は、数十人の弟子を引き連れた工房で制作を行っていたことにあるという。つまり彼の作品は、弟子達との合作であるということである(この辺りは日本の運慶・快慶の金剛力士像の制作などと似ている)。

 若き日のルーベンスは凡庸な才能しか示さなかったという。彼の作風が変わったのは、イタリアに修行に行ってからとのことである。ルネサンス華やかかりしイタリアは、彼の才能を一気に開花させ、アントワープに戻った彼は、宮廷画家としての名声を得る。

 バロック派に属する彼の作品は、躍動的で臨場感があるものである。彼がキリスト降架とセットで描いたキリスト昇架は非常に動きのある絵画になっている。これに対してキリスト降架は静かで神々しい絵画である。当時はプロテスタントとカトリックの争いが盛んだった時期で、ルーベンスのキリストの絵画には平和への想いが込められているとこの番組ではしている。

 この番組での解釈は「ルーベンスは癒し系画家である」というものである(笑)。確かに彼の絵画からは、そのような優しさが感じられる。これはこの番組でも言っているとおり、ルーベンスが家庭的にも経済的にも非常に恵まれた環境にあったからであろう。人生の辛酸をなめている者では、どうしてももう少し翳りや屈折が現れてしまうものである。

 

8/26 ミレイ作「オフィーリア」

 オフィーリアとはシェークスピアの悲劇「ハムレット」に登場する悲劇のヒロインである。表題作はこのオフィーリアの最後のシーンを描いた絵画である。100年以上前の絵だというのに、実にきらびやかな色彩が目を奪う。 ミレイはこの絵画にあらゆる技術を尽くし、その背景を描くだけに4ヶ月を費やしたという。

 背景を描いた後、ミレイはいよいよオフィーリアの描き始める。彼がモデルに用いたのは、エリザベス・シダルという女性である。彼はアトリエに水を張ったバスタブを持ち込んで、彼女をその中に入れてデッサンをするということを続けたとのこと。彼はオフィーリアを描くのに4ヶ月、計8ヶ月でこの絵を描き上げたという。

 エリザベスはミレイら「ラファエル前派」の画家に愛されたモデルであるが、この絵の完成の10年後、彼女は事故とも自殺とも分からない最期を迎える。彼女は同棲していた恋人の画家・ロセッティの興味が他のモデルに向かったことに対する嫉妬の中、結核の薬として処方されていた阿片を大量に服用して死亡したとのことである。

 この番組の趣向としてはオフィーリアの悲劇と、モデルのエリザベスの悲劇を重ねて描いているが、かなりこれは強引。それはともかくとして、エリザベスに注目した結果、ミレイに関する説明がほとんど欠落してしまっているのはいかなるものであろうか。

 

8/19 ベン・シャーン作「盲目のアコーディオン弾き」

 アメリカのモダンアートの旗手ベン・シャーン。彼はユダヤ系移民としてアメリカに移り住んできた。彼は極貧の中、石版画職人として生計を立てるからわら、夜学で高校、大学、美術学校へと進む。

 大恐慌の最中、彼は貧しい人々を調べるために中西部にカメラを持って出かける。その旅で多くの人々に接した彼は、無名の人々の絵を描きはじめる。表題作はそんな頃の彼の作品である。シャーンが撮った写真には多くの人々が写っているのだが、彼が描き上げた絵画の背景に広がるのは、荒野だけである。

 ここには彼の悲しみが現れているという。彼のこの悲しみは、敬愛するルーズベルト大統領を失ったことではないかと、この番組は解釈している。貧しかったユダヤ系移民に、ニューディール政策で土地を与えたルーズベルトを彼は尊敬していたとのことである。ルーズベルトの名を冠したユダヤ移民の街には、彼が描いたニューディール政策を讃える壁画が残っているとのことである。

 社会の底辺の人々にこだわって、彼らを描き続けたシャーン。確かに彼の絵画からは、いわゆるブルジョワ絵画には見られない、人々の息づかいのようなものが感じられる。

 

8/12 ターナー作「雨、蒸気、スピード グレートウェスタン鉄道」

 この番組によるとターナーはさんずいや雨かんむりの画家とのこと。つまり海や湖など水のある光景や、霧や雨などの光景を好んで描いたとのことである。

 床屋の子供として生まれたターナーは、幼少の頃から絵の才能を示し、近くの牧師の薦めでアカデミーに入学後、さらにその才能を伸ばしたとのこと。

 彼は多くの顔を持つが一つ目の顔が「旅する画家」。20代の頃から方々を歩き回って膨大なスケッチを残したという。

 彼の画風が大きく変化するのは60才を越えてからである。この頃からの彼の絵は、輪郭のはっきりしない光を重視した画風になる(明らかに「印象・日の出」などと同じ印象派の画風である)。これが後の印象派に大きな影響を与える(大きな影響などというまでもなく、まんまである)。

 この頃から彼の生活も変化しはじめる。彼は偽名を使って、職業も隠し、世間から隠れて暮らすようになる。これが彼の二つ目の顔であるという。

 そして彼はこの頃から、他の画家達は描こうとしなかった素材を描きはじめる。それは蒸気機関車だった。この頃に彼が描いたのが表題の作品である。彼は蒸気機関車のスピードに惹かれたのだという。表題作でも機関車のスピードを描くための工夫が見られている。

 そしてもうひとつの顔が、わずかに残されたスケッチだけでうかがえる、エロチックな絵だという。しかしこれは彼の死後にほとんど焼かれてしまったので、現存していない。彼はただの風景画家ではなかったというのがこの番組の結論である。

 ターナーの画風の変化が一番印象に残る。若き日の彼の画風は明らかに古典的なかっちりした構図の絵であるのだが、それが晩年には完全に印象派的な画風に変化している(しかも印象派の登場よりは100年以上早い)。ここのところに彼のどういう心境の変化があったのかが興味深いところである。なお印象派は日本人に好まれやすいと言うが、ターナーの絵画も明らかに日本人好みのタイプであると感じた。

 

8/5 ウォーホル作「キャンベルスープ缶200個」

 表題の絵は、ただ単にスープの缶を並べただけの、美とか感動とかとは完全に無縁の、アートかどうかさえも議論の分かれている絵である。この番組でも、あんなものは芸術でも何でもないと考えているジャーナリストを主人公として設定して番組を進めている。

 ウォーホルは地方の工業高校を出て、工業デザイナーとしてニューヨークにやってくる。彼は工業デザイナーとして成功するが、それには満足せず、アーティストを目指す。ダリに出会って、自らに足りないのが奇抜さだと感じた彼は、銀髪のカツラをつけ化粧を始める。成形までして鼻の形を変えることまでしている。

 彼は表題の絵のヒントを友人からもらったという。彼はスーパーに飛んでいき、スープ缶を買い集めては、それをひたすら写した。それが表題の絵である。手作りっぽさを嫌った彼は、作品の制作にはシルクスクリーンを使用したという。彼は新聞の写真などで気に入ったものを集めては作品にしたという。

 彼は自分のアトリエをファクトリーと呼び、夜な夜なそこでは乱痴気騒ぎが行われていた。彼は「機械になりたい」と言い、テープレコーダーを妻と呼んだとか。その背後にはどうも孤独感と人間不信が有るようにも思える。

 そんなウォーホルに事件が起こる。39才の時、妄想に駆られた女性(どうも薬物中毒だったのではないかと思える)に撃たれ、生死の境をさまようことになる。だけど彼は友人達の忠告にも関わらず、ファクトリーでの夜な夜なの乱痴気騒ぎをやめようとはしなかったという。彼自身は、それらが自身の発想の源だと感じていたという。

 この番組では、ナンセンスということにこだわり続けた彼の存在自身が一つのアートだったのではないかと結論づけている。

 ところで私の彼の作品に対する印象だが、これは非常にはっきりしている。なんてことない「くだらないアート」である。つまり独りよがりの自称アートの一つに過ぎない。それ以上のことは何も感じない。あえて言うなら、こんなつまらないものを作って飯を食えたのだから、なんとも幸運で恵まれた奴だなということだけはうらやましい。結局、彼がこののちにごまんと出る(たとえば岡本太郎とか)勘違い芸術家の原点だったのかもしれない。

 

7/22 岸田劉生作「麗子微笑」

 今回は必ず美術の教科書などに載っている「麗子像」である。この番組でも「一度見たら忘れられない絵」と言っているが、確かにいろいろな意味で印象の強い絵である。私がこの絵を初めて見たときの印象は「めちゃめちゃ恐くて不気味な絵」というのが正直なところだった。そう言えば、いわゆる学校の怪談などの一つにも、歩く二宮金次郎像などとともに、動く麗子像ってのもあった気がする。

 情念の画家といわれた劉生は、ゴッホに心酔し、その影響を受けたという。彼は異常な癇癪持ちで、ゴッホの狂気に、自分と通じるものを感じたのだという。

 若き日の劉生は知人を次々とモデルにし、1〜2時間ぐらいで1枚の絵を仕上げたという。人はそんな彼を「首狩り劉生」と呼んだという。この頃の劉生の画風は、ある時はゴッホ風、ある時はセザンヌ風などというようにコロコロと変わったという。

 やがて彼は結婚し、娘の麗子が生まれる。麗子が5才になったころから、彼は麗子をモデルにして絵を描き始める。麗子のあらゆる絵を描きながら、西洋画の模倣から始まった劉生の絵画は独自の世界へと向かっていく(この独自の世界が、果たして好ましいのかどうかは判断が難しいが)。

 この辺りのエピソードはモデルになった岸田麗子氏の回想録で語っている。また彼女の娘にもインタビューしていたが、「普通は子供は天使などに描くのに、麗子像はそういうものでは全くない(はっきり言って不気味)」と語っていたのは非常に印象的。

 ちなみに一連の麗子像を描き上げてから間もなく岸田劉生は病死するのだが、父の回想録を書いた岸田麗子氏も、その出版を待たずして48才で死亡したとのこと。何やらこの家系は短命の家系のようである。しかしこういったエピソードは、麗子像の不気味さを余計に際立たせるだけで、学校の怪談のエピソードの追加になってしまうだけのように私には思えてしまうのだが・・・。

 

7/15 ドガ作「舞台の踊り子」

 印象派に属する画家、ドガの最も有名な作品がこの絵である。ではなぜドガがバレエを描いたのか。

 ドガが描こうとしたの「パリの日常生活」だという。皮肉屋ドガが描いているのは、もっぱら舞台裏の姿であった。同じ印象派と呼ばれる画家の中でもマネやモネは自然の光を描いたのに対して、ドガが描いたのは舞台の人工の光である。

 若い頃から絵の才能を示したドガは、美術学校で古典絵画を習う。しかし古典絵画の構図に飽き足らないものを感じていたドガは、アングルに出会う。ドガの才能を見抜いたアングルは、ドガに徹底的にデッサンをすることを勧める。ここでドガは線による優れた描写力を身につける。

 ドガにとっての課題は線と鮮やかな色彩の両立であったという。このためにドガが用いたのはパステル。しかしパステルは日光に弱いので、オルセー美術館でのドガの絵は、照明を暗くした部屋に置かれているという。さらに版画の技法も取り入れたりなど、かなり斬新な技法を使っているという。

 またドガがパステルを用いたのは、パステルだと油絵の具よりも手早く描けることにもあるという。それは借金を抱えていたドガは、多くの絵を手早く描いて金を作らないといけないということと、動きのある画題を素早く描くためだったという。

 パステルの件は私にとっては初耳であった。これだけはさすがに原画を見たことがないとわからないことである。この番組でも言っているが、確かにパステルの使用はドガにとっては表現上のメリットがあったのだろうが、おかげで絵画自体の耐久性は落としている。この辺りはドガ自身はあまり後世に残る絵画を描いているという意識がなかったのではないかとも思えるのだが・・。

 

7/8 伊藤若沖作「菜虫譜」

 今回のテーマは、伊藤若沖という決してメジャーとも思えない人物の、野菜と虫を描いた地味な絵である。しかしこの菜虫譜、地味ではあるがなかなかの大作である。

 若沖は青物問屋の息子に生まれたのだが、芸事も酒も遊びもしないかなり無粋な青年だったらしい。人嫌いの彼は、家業を放ったまま、出家同様の生活を始める。そして彼が絵を描き始めたのがこのころだという。最初は狩野派の画家に学んだり、昔の絵を模写したりし始めたのだが、やがてそういうことに疑問を持ち、自分で写生を始めたという(つまりここで彼は自分の絵のスタイルを確立したと言えるだろう)。

 彼は一年以上、鶏をずっと観察していたというが、その観察眼によって描かれた絵の緻密さには舌を巻く。実際に私も、これだけリアルに描かれた日本画は記憶にない。明らかに、装飾化された狩野派の絵画などとは一線を画している。

 彼は60をすぎてから、野菜を画題に用いるようになる。このころに彼が描いた変わった作品が「野菜涅槃図」というもの、釈迦の涅槃図を野菜にしているのである。これなどほとんどパロディにしか見えない。

 「菜虫譜」は最近見つかった彼の晩年の作品であるとのこと。野菜や虫が実に生き生きと描かれている。ここに彼の自然に対する愛情がうかがえる。

 途中で「若沖はいわゆる旦那様だったから、絵を描くときにコストパフォーマンスを考える必要がないので、実によい絵の具を使っていて、それが発色の良さにつながっている」という説明をしていたが、確かに古い絵にもかかわらず、非常に色が鮮やかなものであった。またビジネスを考えなくてよかったから、野菜の絵なんて地味なものを描き続けることも可能だったんだろう。そういう意味では究極の趣味の絵か。

 

7/1 ミレー作「晩鐘」

 今回のテーマは有名なミレーの「晩鐘」。

 ミレーはコローなどと共にバルビゾン派と言われる画家である。彼らはフランスの田舎の村バルビゾンで農民の絵を描いていた一派である。ミレーは結局はバルビゾンに一生住んでいたという。

 フランスの古い農家で生まれたミレーは、早くから絵の才能を示し、パリに留学する。しかし彼はここで大いなる失望を味わうことになる。彼は貧乏のどん底で、裸婦像で生活費を稼いでいたが、やがてそれが嫌になり、農民の生活を描くようになる。

 しかしその頃、フランスでは二月革命が起こり、パリは動乱の渦中に放り込まれる。それを嫌ったミレーは田舎の村バルビゾンへと逃亡する。彼はここで農作業をしながら絵を描く日々を送った(まさしく「晴耕雨読」という生活ですな)。ここでミレーは農民の生活を描き続ける。革命下のフランスでは彼の絵の評価はまっぷたつに分かれるが、彼はひたすら自分の絵を描き続ける。

 この番組では「晩鐘」には、ミレーの死んだ祖母に対する祈りが込められているのではないかと解釈している。ミレーの祖母は彼に絵を勧めてくれた人物であるが、彼の二回目の結婚に反対(相手が貧民の娘だったことが理由らしい)、彼は駆け落ち同然に故郷から逃げ出してきており、祖母が死んでも故郷に帰れなかったのだという。

 確かに「晩鐘」には「祈り」のトーンが漂っており、この解釈はそう無理なものでもないように思える。それにしてもミレーの絵に対して、革命の精神にかなっているか否かという観点から評価が分かれたというエピソードは、ソビエトでの芸術家が受けた問題と同じであることを思い出される。芸術というものも、政治と完全に切り離されるものではないと言うことなのである。

 

6/24 ブリューゲル作「ネーデルラントの諺」

 ブリューゲルの絵に「ネーデルラントの諺」と言われる作品がある。この作品は一見したところ庶民の生活を描いている絵に見えるのだが、これはよく見ると百以上の諺を描いているのであるとのこと。

 例えば粥をひっくり返して嘆いている人の絵があったりするのだが、これなどはまさしく「覆水盆に帰らず」である。この他にも豚に薔薇を与えている人物などもあり、これは「豚に真珠」なのだそうだ。

 ブリューゲルはこの作品以外にも、諺を題材にした多くの絵を描いているとのことである。彼はこのような多くの諺を描くことで、人間というものをあぶり出そうとした意図があるのだろうとのことである。それは十分に考えられることであるが、何やら嫌みな人間観察である(笑)。

 日本では諺を絵で表したものというものはあまりに見たことがなく、いろはカルタぐらいのような気がする。こういうタイプのものよりも「仲良きことは美しきかな」という言葉となすびなどの絵というパターンの方が記憶にある(笑)。

 なかなか面白いのであるが、ただこれが芸術としてどうかとなると・・・。

 なおこの番組は私は初チェックであるが、なかなか興味深い番組である。もし毎週チェックするようになれば、レギュラーコーナーへの移転も考えたい。

 

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