世界美術館紀行

 

 NHK教育で金曜日の午後10時から放送中。世界の美術館を、その美術館成立のエピソードなどを交えながら収蔵品と共に紹介していくというかなり渋い番組である。美術館の背景を知ると共に、その時代の状況というものが見えてくるというところが面白いところである。数字はとれそうにないがなかなか良質の番組であって楽しめる。 

 

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3/3 世界美術館紀行「パリの"アート革命" ポンピドゥー国立芸術文化センター」

 パリのポンピドゥーセンターは近代美術の殿堂として、ルーヴルに次ぐ入館者数を誇るという。この建物は近代美術館や図書館、映画館などが入居した複合文化センターである。その外観は斬新なガラス張りであるが、この建物も建設されて29年が経過しているという。当時は「モンスター」などと呼ばれ、その異様な設計に反対運動もあったという。しかし今ではすっかりパリの風景に溶け込んでいる。

 5階に入居する近代美術館には様々な現代アートの作品が展示されている。マティスやマグリットという比較的メジャーな芸術家の作品から、もっと無名な芸術家たちの作品もある。現在この美術館では「ビッグバン」と称して、館蔵品をテーマ別に集めた展示を行っている。

 ・・・とのことなんだが、やっぱり私には現代アートはくだらないとしか思えない。現代アートの先には何も残らないのではないかとつくづく感じさせられるのみ。一発ネタ芸人がいくら集まっても「文化」にはならないだろう。

 

2/17 世界美術館紀行「韓国・壮大なる美の殿堂〜ソウル 国立中央博物館〜」

 ソウルに昨年10月に開設されたのが国立中央博物館である。10年あまりの準備期間を経て建設された新しい建物には、開館から1月半で100万人が訪れたという。

 この博物館創設に至る過程には、この国固有の問題があった。日本の植民地支配時代、朝鮮総督府の巨大な建物が朝鮮時代の王宮である景福宮を覆い隠すように建っていた(こういう立地にしたのは、朝鮮などで強い風水の考え方からすると、朝鮮の国の龍脈を断ち切るという意味で意図的に計画されたものだという)。戦後この建物は韓国の中央政庁となり、さらにその後、中央博物館として使用されていた。

 しかし植民地時代の負の記憶を象徴するようなこの建物については取り壊しの議論が持ち上がり、10年前に当時の金泳三政権がこの建物の解体を決定し、ここに入居していた中央博物館が移転することになったのだという。現在はかつて破壊されていた景福宮が復元されている。

 この国の美術品は、日本の植民地時代だけでなく、朝鮮戦争などで何度も破壊されたという。朝鮮戦争の時はソウルが戦場になったため、多くの美術品が急遽海路で釜山に輸送され、そこで隠されたのだとか。そのような紆余曲折を経て開館した中央博物館は、個人などからの美術品の寄贈を歓迎してるのも特徴の一つで(多分、それだけ美術品の蒐集が大変なんだと思うが)、朝鮮の建築物の瓦を研究していた日本人からの寄贈された瓦なども展示されているという。

 博物館一つとってもどうしても苦難の歴史が出てしまうのがこの国。またここでも日本の過去の悪行が影響しているわけでもある。韓国もようやく近年になって経済成長が著しくなったことから、自国の過去の文化について振り返るという機運が高まったこともあると思う。

 なお、ここの展示物を見ていると、やはり日本のものとの共通項が多い。日本の文化が昔から朝鮮半島とかなり密接な交流をしていたことを思わせる。

 

2/10 世界美術館紀行「きらめくオスマンの館〜トルコ・トプカプ宮殿博物館〜」

 トルコのイスタンプールにあるトプカプ宮殿博物館は、かつてこの地を支配したオスマントルコ帝国の宮殿であり、1924年にスルタン(国王)の暮らしを物語る品々を展示する博物館として公開されたという。

 オスマントルコは始祖であるオスマンが遊牧系騎馬民族を率いて領土を拡大し、ついには東ローマ帝国の首都であるコンスタンティノーブル(現在のイスタンプール)を1453年に陥落させ、この地に巨大な帝国を築いたことに端を発している。

 展示されているのは豪華な宝石で飾られた宝飾品や、陶器の類などが中心。特に陶器に関しては中国をのぞいて最大の中国陶磁器のコレクションを誇るという。

 しかし栄華を極めたオスマン帝国も、やがては衰退の時を迎える。その衰退の一因となったのは、暗殺の恐怖に囚われたスルタンが、自分の跡取りの王子達を地下に幽閉するようになったことだという。部屋に監禁されて世間を知らない王子が、後には複雑で巨大な帝国を統治しないといけなくなるのだから、うまくいくはずがなかったのだという。徐々に衰退をしていったオスマン帝国は1922年に滅亡する。

 宝石には興味なく(その価値の方には興味あります。ただ私は一億円の宝石より、一億円の現金の方がありがたいです(笑))、陶磁器もあまり趣味ではない私には、展示物に今一つ興味が持てません。今回はどちらかと言えば、オスマン帝国の歴史背景の方が面白かった。それにしても国を統治する人間には、広く世間を見せて帝王学を教授する必要があるというのに、それを幽閉してしまうって何を考えているんだか、この国のスルタンは。まあ多分それだけ王宮内に陰謀が渦巻いていたと言うことだろうが。器の小さな人物が、自分の器量を超える権力を手にすると、まず第一に疑心暗鬼に陥ると言いますから・・・。

 

2/3 世界美術館紀行「世界の中心ここにありき ギリシャ デルフィ考古学博物館」

 ギリシアのデルフィは古代の聖域として知られている。かつてこの地にはアポロン神殿があり、ここでピュティアと呼ばれる巫女によって下される神託が多くの為政者に対して影響力を持っていたという。絶大な権力を誇っていたデルフィには、多くの都市などから宝物が献上されていた。

 しかしそれも歴史の彼方に去り、この地にはカストリという小さな村があるのみとなっていた。だか19世紀末にアポロンの神託の謎に迫ろうという気運が高まり、フランス考古学研究所が発掘に名乗りを上げる。そして1892年に、村の解体から始まる大規模な発掘作業が開始される。

 その過程で驚くべき発見が続出した。古代の彫像などが続々と発見されたのである。繁栄を極めたデルフィの往年の宝物が続々と見つかり、これらは考古学博物館に収蔵された。中にはアポロンに捧げる賛歌を記録した最古の楽譜もあるという(再現した音楽を番組で流していたが、私にはギリシアの音楽と言うよりは沖縄の音楽に聞こえたのだが)。またここで発見された紀元前5世紀の御者像は、古代から残された最も保存の良いブロンズ像の1つだという。

 ただ発掘者たちには大きな落胆もあったという。神殿の中心部分が最も激しく破壊されており、結局はアポロンの神託の謎は分からないままになったのだという。この破壊は異教徒によるものという説と、神託の秘密を守ろうとしたピュティア自身によるものという説があるという。

 アポロンの神託の謎に迫ることは出来なかったが、その代わり、美術史上考古学上の貴重な発見は続々と行われた。これらはこの博物館で触れることが出来る。

 私はギリシア系彫刻は結構好きなのだが、さすがにここの出土品はなかなかに完成度の高い面白いものが多い。奉納品だけあって、多分当時でも選りすぐりのものが収蔵されていたのだろうと思われる。ただ謎は、なぜこれらの彫刻類がそのまま放置されたままデルフィが滅んだかである。新緑で滅んだのなら、普通はもっと破壊や略奪が行われるものだし、天変地異で滅んだというようでもないような印象だ。まだまだ古代史には謎が多い。

 

1/20 世界美術館紀行「よみがえれ古代ギリシャ アテネ考古学博物館」

 古代文明発祥の地であるギリシャ。しかし苦難の歴史もあった。ローマによる支配、オスマントルコ帝国による支配などを経ているうちにこの地域の文化財は散逸し、さらに近年ではイギリスなどによっても文化財が持ち去られた。そんな状況の中で、自分たちの先祖の遺産を残すべくオスマントルコ帝国からの独立後に建設されたのがこの博物館だという。この博物館が設立されたのはギリシア人にとっては大きな喜びだったという。

 博物館が建設されると同時に多くの美術品が寄贈されたが、それに拍車をかけたのが1876年のミケーネ遺跡の発掘だったという。紀元前16〜11世紀にかけてギリシア地域の覇権を握ったミケーネ文明の一級品がこの博物館に収蔵されている。その中で特に有名なのがアガメムノンのマスクとも呼ばれる黄金のマスクである。このマスクを発掘したシュリーマンは、このマスクが伝説の王であるアガメムノンのものであると確信していたというが、その後の調査でアガメムノンの時代よりも3世紀も古いものであることが明らかになったという。。

 トロイ戦争などはホメロスのイーリアスなどで語られていたが、永らく単なる伝説だと考えられていた。しかしそれに異を唱えて、自ら発掘に乗り出したのがドイツの実業家であったシュリーマンである。彼はトロイ戦争に登場するミケーネの遺跡を発見、そこで発掘したのが先の黄金のマスクであったという。

 また思わぬところで発見された至宝もある。紀元前460年頃のものと思われるゼウス像は、漁師によって海底で発見されたという。量の最中に像の腕の部分が見つかったのだという。その当時、文化財の海外持ち出しが禁止されていると知らなかったその漁師は、引き上げて売り払おうと考えたらしいが、それが見つかって御用、像は国家に没収されて博物館に収蔵されたのだという。いかにもギリシア彫刻らしいしっかりした造形の逞しい像である。なお番組では像を引き上げた漁師の孫という人物が登場して証言したが「像が海外に流出することが防がれたのだから、結局はその方が良かった」と語っていた。彼にとっては自分の祖父があの像を引き上げたのはむしろ誇りであるようだ。

 同様の考古学遺跡の流出の問題はエジプトなどでも問題になっているし、日本でも明治維新期と戦後の動乱期に多くの貴重な文化品が海外に流出した。また現在も人類の古代文明にとって貴重な遺産がある地域がイラクやアフガンなどの政情不安定な地域であるために、戦争による破壊などが問題となっている(イラクの遺産については、アメリカにかなり部分が略奪されたと言われている)。このような人類共通の遺産をどうやって保護していくかは今後、世界的に考えていく必要があるだろう。

 

1/13 世界美術館紀行「ナポリ 名画に秘められた野望 カポディモンテ美術館」

 イタリアのナポリにあるカポディモンテ美術館は、1734年にナポリ王のカルロス7世によって設立された美術館である。丘の上を意味する名を持つこの美術館はかつてのナポリ王家の収蔵品を展示している。この美術館が世界に誇るのは3000点の絵画だが、特に名門貴族のファルネーゼ家のコレクションは珠玉の作品が含まれているという。

 コレクションの白眉と言われているのは、ティツィアーノによるファルネーゼ家の人々の肖像画だという。これに描かれている教皇パウルス3世は当時の一族の中心人物であり、彼は自身の権力を誇示する意味もあって、当時に大人気でなかなか絵画の依頼ができなかったというティツィアーノに肖像画を描かせた。ティツィアーノはうだつの上がらない息子の将来を教皇に保証して貰おうと、肖像画の依頼を引き受けたのだという。彼は息子のためにヴェネチアの近くの修道院を手に入れたいと考えており、教皇の影響力でそれを可能にして貰おうと思っていたのだという。

 そのようにかなり各人の思惑が入り乱れているのだが、作品自体はそんな思惑とは無関係に素晴らしいものとなっている。ただある肖像画については、いつまで経っても教皇との約束が果たされなかったことから、ティツィアーノが未完成のまま終わらせているという。

 何やら生臭い話がプンプンとしたが、ファルネーゼ家の人間はそのように権力志向の強い俗人であったにもかかわらず、美術に関する鑑識眼は優れていたという。必ずしも高貴な芸術性は高貴な人格と一致しないという古来からの矛盾でもある(笑)。まあ私に言わせれば、芸術というものはそもそも人間の業から発しているものだから、芸術的才能というのはある種の業との抱き合わせなのではないかと思っているが。

 

12/9 世界美術館紀行「仏に恋したアメリカ人 ボストン美術館2」

 ボストン美術館には優れた日本美術コレクションが収蔵されている。日本以外では世界一と言われており、日本にあれば国宝クラスの仏像などが展示されている。このコレクションの成立に当たっては一人の人物の功績があったという。

 ウィリアム・S・ビゲロー。彼は日本の美術品に魅入られ、仏門にまで入ったという。かねてよりの念願かなって、東京帝国大学医学部に入った彼は、日本美術に心酔することになった。彼は西智の「聖観音坐像」に出会い、これに魅せられ、住職に懇願して譲り受けたという。これがビゲローコレクションの始まりだという。地方の神社仏閣に足繁く通った彼は、元の武家屋敷に住まい、日本流の生活を送る。そして来日3年目に、ついに仏教徒にまでなったという(修験姿の写真が残されている)。明治政府の愚策・廃仏毀釈が進む中、彼は仏像の収集に精を出した。

 彼のコレクションはボストン美術館に送られたが、あまりに膨大すぎて展示ができなかったという。1909年には彼が資金を出して、日本の寺院を再現した「寺院の間」が建造され、そこには仏像が展示されている。ここを設計したのは岡倉天心だという。天心はその鑑識眼で東洋美術の収集を進め、美術館の東洋美術コレクションをさらに充実させた。

 ビゲローは76才でこの世を去ったが、財産をすべて寄付するよう遺言を残したという。彼の墓は資産家とは思えないほど質素なものである。仏教の僧として月心と名乗っていた彼は、その名のように静かで穏やかな最後を遂げたという。

 日本の美術に魅入られる外国人はたまにいるが、彼のように仏門にまで入ってしまうというのは希有な例だろう。なお彼に対しては、異教徒として蔑む目もあったと言うが、これについては異教徒に対して異常に排他的で攻撃的なキリスト教徒ならではである。

 明治時代の廃仏毀釈は国家神道を推進しようとした明治新政府の馬鹿さの象徴のような愚策で(私に言わせれば国家神道自体が馬鹿の極みだ。既に神道と仏教はかなり習合が進んでおり、それを意図的に切り分けることはナンセンスだった。)、実際にこの時に貴重な仏像などがかなり失われたという。ビゲローの活動は、そうして失われる恐れのあった貴重な仏像を保護することにもつながったわけである。日本人が価値が分からなかったものを、外国人がその価値を正しく見抜いていたというのは実に皮肉なことであるが、概してこういうことが起こるものなのである。例えば日本の平和憲法の真の価値も、実は日本人よりも外国人の方が分かっていたりする・・・おっと、これは脱線。

 

12/2 世界美術館紀行「印象派か?ベースボールか? ボストン美術館1」

 ボストン美術館は市民の寄付によって作られた美術館である。この美術館はアメリカ随一のモネのコレクションを誇るが、それにはある経緯があるのだという。

 貿易の中心、学術都市として栄えたボストンに足らないものは美術館であり、1870年にボストンを文化の都にしたいと市民が声を上げたのがその成立のきっかけだという。26万ドルの寄付が集められ、市民の寄付だけでこの美術館は作られた。アメリカで市民の寄付だけで成立した美術館は初めてだという。そして人々はここに自らのコレクションを寄贈したという。

 ボストン美術館成立から20年後に絵の修業でパリを訪れたライラ・キャボット・ペリーは、そこでモネの絵画に出会って魅せられる。アカデミズム派の絵画に幻滅していた彼女は、モネの新しい表現に魅せられ、帰国後にモネの宣伝に努める。彼女の努力があって、ボストンでモネの評価は次第に高まっていった。そこで彼女は1905年、アメリカ中のモネの作品を集め、大規模な回顧展を開こうと考える。しかし彼女の気がかりは展覧会の会期がベースボールの時期と重なっていたことであった。まさにボストンのチームが宿敵ニューヨークと激戦を繰り広げていた時だった。

 しかし彼女の心配に反して、展覧会は大盛況となる。当時のボストンではモネ展がベースボールと人気を二分したのだという。これ以来、ボストン美術館ではモネなどの印象派のコレクションが増加し、今日に至っている。

 なぜベースボールが関係するのかと思ったが、そういうことだったのか。ただ、時期が重なったところで別に客の取り合いにはならないと思うのだが・・・・。

 資料提供のところで名古屋ボストン美術館が登場していたが、私はそこでルノワールの「ブージヴァルのダンス」を見たことがある。非常に素晴らしい絵で、私はそれまで正直なところ、ルノワールは単なるロリコン画家ぐらいにしか思っていなかったのが(笑)、この時以来ルノワールの絵画に魅せられてしまったという経緯がある。ちなみにこの名古屋ボストン美術館は近いうちに閉館になるとか。市民の寄付で美術館が建てられたボストンと違い、どうも日本の文化の底力はまだまだ弱すぎることを常に感じさせられる。

 

11/18 世界美術館紀行「友情が生んだ日本美の殿堂 ワシントン フリーア・ギャラリー」

 ワシントンの世界最大の博物館の集合体スミソニアン協会に、スミソニアン初の美術館として1923年に設立されたフリーア・ギャラリーは東洋美術の殿堂として知られている。ここには快慶の手になる仏像や、尾形光琳、俵屋宗達の絵画など日本美術の至宝が収蔵されている。特に俵屋宗達の松島図屏風は日本にあれば国宝間違いなしと言われている逸品である。

 この美術館の設立には二人の男の友情があった。一人は実業家のチャールズ・ラング・フリーア。彼は鉄道業で巨万の富を成して美術品収集に乗り出した人物である。そして彼に影響を与えたのは画家のホイッスラーであった。ホイッスラーと無二の親友となったフリーアは、ホイッスラーのジャポニズムの影響を受け、日本美術に興味を持つ。そしてフリーアはホイッスラーの勧めで日本を訪れ、それ以来、彼は来日を重ねながら日本美術への造詣を深める。彼は日本の収集家や画商とつき合いを重ねて名品を次々と手にしていく。

 またフリーアはホイッスラーと出会った時から、ホイッスラーの作品を収蔵した美術館を設立する意志を持っていたという。ホイッスラーが心臓発作で突然に亡くなった後、彼はホイッスラーの作品などのコレクションと美術館設立の費用を寄付、そして彼の4年後に美術館がオープンしたという。

 またも個人の寄付による美術館である。パターンとしては先週と同じだが、彼は美術館に自分の名前を冠することは断らなかったようだ(笑)。

 この時代、特に印象派につながる芸術家達はジャポニズムの影響を非常に受けていたので、フリーアもホイッスラーを通してその影響をもろに被ったわけである。まあそれにしても、これだけの逸品を海外に流出させてしまった日本って・・・・。快慶の菩薩像なんて、慶派好きの私などはゾクゾクするぐらいの逸品。なんであんなものまで流出してるの?

 

11/11 世界美術館紀行「世界の首都に傑作を集めろ ワシントン・ナショナル・ギャラリー」

 ワシントン・ナショナル・ギャラリーはその名の通り、アメリカの首都ワシントンにある国立の美術館である。しかしここは国立の美術館が必要だと考えた個人の寄付によって設立された美術館なのだという。

 その設立に大きく貢献したのはアンドリュー・W・メロン。1855年にピッツバーグで生まれた彼は、銀行家の父の後を継いで事業を拡大、20世紀の初頭にはアメリカの経済を支配するだけの力を手にする。そしてその手腕を政治の世界でも買われ、3代の大統領の下で12年に渡って財務長官を務めたことがあるという。

 彼がコレクターとしてスタートを切ったのは60才を過ぎた晩年のこと。友人の美術コレクターとヨーロッパを旅行した時、古典的巨匠の作品に魅入られ、有り余る富で傑作を買い集めたのだという。彼は古典絵画を中心に収集し、その中にはフェルメールの「赤い帽子の女」などが含まれる。彼は最初から国立の美術館を設立することを考えて作品の収集を行っていたという。彼が特にコレクションを充実させたのは、ソ連のエルミタージュ美術館が財政難で名画を売り出した時である。彼は巨万の富をはたいてラファエロやファン・エイクの名作を購入した。そして彼はこれらの作品を国に寄贈すること、また設立する美術館は国立美術館であること、またその建設費や運営の資金まで提供することをルーズベルトに申し出た。そして彼の死から4年後に国立美術館が設立される。彼は美術館が国立であることにこだわり、あえて自分の名前を冠することがなかったという。

 そして彼の意志はその子孫にも継承された。彼の長男のポールはメロン財閥の経営をしながら、ワシントン・ナショナル・ギャラリーの理事長も務め、多くの作品を収集しては惜しげもなく寄贈して美術館を充実させた。彼は父のコレクションに欠けていた印象派や後期印象派の作品を補い。その中にはモネの「散歩、日傘の女」などがある。

 また長女のエルサも父の美術館を世界一の美術館にするため、フランス絵画を中心に収集をした。ルノワールの「ポン・ヌフ、パリ」やモネの「ヴェトゥイユの画家の庭」などが彼女によってコレクションに加えられたが、彼女の功績でもっとも大きなものはレオナルド・ダ・ヴィンチの「ジネヴラ・デ・ベンチの肖像」を入手したことだという。リヒテンシュタインからこの絵が売り出された時、今後二度とはないチャンスと、作品購入のための基金を彼女が設立し、500万ドルでこの作品を落札したという。現在、この作品はアメリカで見られるダ・ヴィンチの唯一の油彩画とのこと。

 まあ大富豪の道楽と言ってしまえばそれまでかもしれないが、ここまで徹底して寄贈を行っているのは感心する。多分、彼らの宗教哲学的なものも絡んでいるのだろう。プロテスタント的宗教道徳は、事業に励んで財をなし、その財で社会貢献を行うというものだという。多分、彼らの道徳もその口なんだろう。この辺りはキリスト教的倫理観の正の部分である。もっともあの宗教の倫理観は、負の部分の方もべらぼうに大きく、現在はそれが世界にとって洒落にならない事態になっているのだが。

 ヨーロッパの個人の美術館は、貴族などが自分のコレクションが散逸するのを防ぐために国家に寄贈したなんてパターンが結構多いが、アメリカの場合はそういうパターンがないので、大富豪が金で買い集めたコレクションを寄贈するというパターンになる。まあこの辺りは、歴史のある国と歴史のない国の違いということになる。ちなみに日本の場合は、戦後に国宝級の作品まで海外に流出してしまっている。またバブルの頃に調子に乗って買い漁った美術品は、バブルの崩壊で買値よりも安い価格で海外に再び流出していたりして、日本の成金の愚かしさを露呈させているわけなんだが・・・。

 

11/4 世界美術館紀行「秘蔵の印象派 森の館に集う オスカー・ラインハルト・コレクション」

 スイスの小さな町・ヴィンタートゥールは小さな町ながら、17もの美術館を持つ芸術の町である。ここの人々は昔から事業で財をなすと芸術を庇護していった。ここの町のはずれのローマ人の森と呼ばれている森の中に、オスカー・ラインハルトのコレクションが展示されている。印象派を中心とした珠玉の207点を誇るここは、ヨーロッパ屈指の邸宅美術館と言われているという。

 オスカー・ラインハルトは1885年、町でもっとも豊かな家庭の五人兄弟の一番下の男子として生まれる。国際的商社を築いていた彼の父は、多くの芸術家を援助しており、そのような環境で育った彼は自然に芸術への愛を育んでいく。芸術の研究に生涯を費やしたいと秘かに考えていた彼だが、彼の希望はかなわず、彼は父の会社に入社してビジネス修業をさせられる。しかし彼は出張先では仕事よりも美術館通いに精を出す始末で、その頃から父に無心しては版画などを購入していたという。父の反対にもかかわらず、オスカーのコレクター熱は高まるばかりで、ついには本格的コレクターへの路を歩み出す。

 1919年、父の死をきっかけに彼は一切の仕事から手を引き、彼は森の中の館に移り住んで、独身を通しながらコレクターに生涯を捧げることになる。彼はそこでフランス印象派の作品を集中的に集め始める。彼はそれらの作品を館に飾ったが、彼の展示の方法は年代順などにこだわるのではなく、絵の共通項を見出して、それを演出するようなものであったという。

 彼は69才の時、生涯最後の傑作マネの「カフェにて」を購入する。その3年後、彼は館からコレクションを門外不出にするのを条件に、館ごと国に寄贈したという。彼は自分の構築した世界をそのまま人々に楽しんで貰いたかったのだという。

 またも芸術に生涯を捧げたコレクターの物語だが、一つだけ気になったのは、すべての仕事から手を引いてコレクターに専念した彼の軍資金はどこから出ていたかである。彼が身を引いても父が確立した会社が勝手に資金を稼ぎ出していたのだろうか。まあ彼のコレクションは明らかに金持ちの道楽としか言いようがないのだが、うらやましい限りではある。

 ところで彼のようなコレクターは、どうも生涯独身で通した例が今まで多々出ているが、これって、二次元の世界に入り込んでしまって、現実の女性に興味を示さなくなってしまったタイプのオタクと完全に重なるのだが・・・(笑)。まあコレクターなんて、典型的オタクではあるが。

 

10/21 世界美術館紀行「北欧 癒しのモダニズム フィンランド・デザイン美術館」

 フィンランドのデザイン美術館には、デザインの国フィンランドを代表する作品が収められている。この美術館は国内外のデザインを研究するために設置された美術館である。

 フィンランドがデザインの国となる基礎を築いたのがアルヴァ・アアルトである。独特の曲線を活かしたアアルトのデザインが最大限活かされているのが、彼が30才の時に設計された結核患者のためのパイミオサナトリウムである。この施設では患者の心が少しでも明るくなるようにカラーリングなどに配慮しており、また医師の意見を取り入れて、椅子などは呼吸が楽になる角度にしてあるという。この曲線をふんだんに取り入れたパイミオチェアーは傑作と言われている。彼がこの椅子の素材として用いたのが白樺であり、元来は高級家具には向かないと言われていた白樺を彼は積極的に使用した。白樺の木材に薄い板を組み合わせることで曲げる技法は、彼が木工職人と協力して開発したものであり、特許も取得しているという。

 アアルト以降のフィンランドでは風土に根ざしたデザインの傑作が登場している。そして戦後に都市化が進む中で登場したのがカイ・フランクである。彼のデザインはシンプルかつ実用的で、彼は自由に組み合わせることが出来る機能的な色グラスなどで食卓に革命をもたらした。

 さらにグラスファイバーなどの新素材の登場は新たなデザインの登場を促した。「2001年宇宙の旅」に登場したボールチェアによって名を馳せた、エーロ・アールニオなどが現れている。そして現在の若い世代にもフィンランドのデザインの精神は引き継がれている。

 デザイン博物館と言うからどういうものが登場するのかと思えば、工業デザインがほとんどだった。私は最近にアール・デコ展に出かけたが、今回登場したデザインは、このアール・デコよりもさらに現在に近い年代に当たるようである(部分的にはかぶっていると思うが)。

 今回登場したデザインを見ていて感じたのは、いずれも気をてらったデザインに走るだけではなく、実に機能的で実用性が高いと言うこと。工業デザインの場合はこのことは重要である。よく駄目なデザイナーは単なる形遊びだけに走ってしまい、実用性の皆無なものを作ってしまうことがあるが、今回登場したものにはそういう駄作は皆無だったようである。この国のデザインの歴史には懐の深さのようなものも感じられ、非常に好感を持てる。

 

9/23 世界美術館紀行「パリの赤ひげ ロココ熱愛物語 ルーヴル美術館7」

 ルーヴル美術館には一人の医師による名が高いコレクションがあるという。ヴァトー作のピエロなどのロココ美術のコレクションである。

 これらの美術品を蒐集したのは19世紀のパリの医師のルイ・ラ・カーズ。彼は583点もの作品をルーヴルに寄贈したという。彼は医師でありながら、貧乏人からは治療代を請求しなかったという。彼の道楽は18世紀のフランスのロココ絵画の蒐集。裕福であったにもかかわらず、食べ物や身なりには全くかまわなかった彼だが、美術品の蒐集だけは金をいとわなかったという。また彼はかなりの変わり者でもあり、まるで絵と会話しているようだったという。彼が絵画を蒐集した時代は、貴族のコレクションが裕福や市民に売られ始めていた時代であり、彼は自身の鑑識眼を頼りに膨大な作品を買い集めたという。彼の鑑識眼は高く、彼の出現以前は注目されていなかったが、彼によって発掘された画家などもおり、ロココ芸術が正しく評価されるのに、彼が果たした役割は大きいという。

 彼の死後、彼のコレクションは遺言によってルーヴル美術館に寄贈されたという。

 早い話が、美術オタクの物語である。時流に安易に流されるのでなく、独自の判断基準に基づいての蒐集などというのは典型的なオタクの行動であるし、食事も身なりも無頓着で、ひたすらコレクションにばかり注力したなんていうのは、オタク的行動の最たるものであることは言うまでもない(どうやら独身で終わったらしいことも何となくね・・・)。その彼の行動がロココ芸術の評価につながったというのだから、私が以前より常々言っている「文化はオタクが作るもの」という事実の実証例の最たるもののようだ(笑)。最後まで自分の愛した美術品に囲まれたすごした彼には、生涯に対する後悔はなかったろう。

 

9/16 世界美術館紀行「剛胆王 美の王国に君臨す ドレスデン国立美術館」

 世界遺産にもなっているドイツの古都・ドレスデン。この町を作り上げたのは、剛胆王もしくは強王とも呼ばれたザクセン選帝候フリードリヒ・アウグスト1世である。彼は美術の世界に桁外れの情熱を注いだ。

 彼はドレスデン城にコレクションを集め、整理公開し、それが後のドレスデン国立美術館に発展したという。ここには豪華な美術品が収蔵されている。

 彼がさらに勢力を注いだのは陶磁器の蒐集であった。陶磁器に魅せられた彼は、陶磁器で作られた城に住みたいとまで言ったという。彼は中国や日本の磁器の蒐集だけでなく、そのコピーの制作もさせていたという。ヨーロッパで初めて磁器を作り、今日のマイセンの基礎を築いたのは剛胆王である。彼は錬金術師のヨハン・フリードリヒ・ベトガーに磁器の制作を命じ(ベトガーの錬金術のまやかしが剛胆王に見抜かれ、逆鱗に触れたのだという)、彼は四苦八苦しながらも磁器の製造法を発見したという。

 剛胆王が63才で世を去る時、コレクションを守っていくように伝えたという。息子のアウグスト3世は、コレクションを分類して守っていくだけでなく、さらにコレクションを拡大していったという。

 ドレスデンのコレクションは第二次大戦で危機を迎えるが(ドレスデンは大空襲を受けている)、作品は疎開して守られたという。戦後、ほとんど瓦礫となったドレスデン城などが修復され、コレクションが戻されたのだという。

 どう考えても王の単なる道楽なのだが、そのおかげで現代の我々がこれだけのコレクションを見ることが出来るというわけである。今日の我々にとっては喜ばしいことだが、果たして当時の民衆にとってはどうだったか。

 ところで私には「剛胆王」というのが「ホータン王」に聞こえて仕方がなかった。まだ「新シルクロード展」の余韻が抜けていないんだろうか(笑)。なお今回の内容は、ドレスデン国立美術館展が開催されていたことを意識してはいるんだろうな・・・・。

 

9/9 世界美術館紀行「ロシアに咲くマティスの花園 エルミタージュ美術館」

 エルミタージュ美術館はロシアのロマノフ王家のコレクションを収めた美術館だが、それらとは対称的な作品も収蔵されている。20世紀を代表する画家であるマティスの作品であり、エルミタージュには60点ほどが収蔵されている。特に圧巻はマティスの代表作とも言われる大作「ダンス」である。

 エルミタージュがマティスの作品を収蔵するようになった経緯には一人の実業家が関係している。それは繊維の商売によって財を成したセルゲイ・シチューキンである。40代の半ばでビジネスの拠点をパリに置いた彼は、モスクワにいる妻のリディアのために絵を買い集め始める。その時に彼が目を付けたのがマティスの絵であった。彼はまだ無名の画家であったマティスの絵を買ってはモスクワに送った。未だに印象派でさえも認められていなかったロシアでは、彼のコレクションを理解できるものはいなかったが、彼は自分の目を信じて絵を買い集めたという。

 しかしシチューキンを不幸が襲う。17才の長男を病気で失い、その2年後に続いて妻のリディアを病気で失うのである。立ち上がる気力がなくなったシチューキンの心を癒したのもマティスの絵であった。1911年、彼はマティスをモスクワの自宅に招く。その時にマティスは色のバランスを考えて自らの絵を並び替えたという。また「ダンス」はマティスがパリの展覧会に出展したものの惨憺たる評価を受けた作品だという。しかしシチューキンは「時代が私達の味方となり、最後はこの作品が勝利するはず」と語ってその作品を買い取ったという。

 しかし1917年、ロシア革命によってシチューキンはフランスへの亡命を余儀なくされ、彼のコレクションは屋敷と共に国家に接収される。その後、ロシアでは前衛芸術が生まれ、カンディンスキーなどの抽象画が登場するが、カンディンスキーに刺激を与えたのはマティスの色彩だったという。シチューキンはニースで晩年を過ごし、1936年に82才でこの世を去るが、生前「私はロシアのために作品を集めたので、コレクションはロシアにあった方が良い」と語っていたという。シチューキンのコレクションは一度ソビエト政府の財政を助けるために海外に売り払われそうになったが、ロシアの芸術家達の尽力でエルミタージュに移されたのだという。

 何やら運命に翻弄された人物の物語だが、彼のおかげで今日のエルミタージュのコレクションの一翼を成しているシチューキンコレクションが残っているわけである。それにしても彼も「芸術作品は人類のもの」という精神が徹底している人物である。この感覚はヨーロッパの上流階級には共通のものなのだろうか?

 ところで今回の番組では、シチューキンコレクションはエルミタージュに移されたと言っているが、実はシチューキンコレクションはエルミタージュだけでなく、プーシキン美術館にも分けて収蔵されており、そのプーシキン美術館のシチューキンコレクションの展覧会が10/22から東京都美術館で開催される(来年の1/11からは大阪の国立国際美術館でも開催される予定)。主催がNHKでない(朝日新聞社)のであからさまな宣伝はしていないが、多分今回の番組はこの展覧会のことを意識しているものと推測される。

 

9/2 世界美術館紀行「女帝が愛した美の隠れ家 エルミータジュ美術館」

 エルミタージュ美術館はかつてのロマノフ王朝の宮殿に設立された美術館である。この宮殿はロシアの歴代皇帝によって建造されたが、ここをエルミタージュ(「隠れ家」の意味)と名付けたのはロシアの女帝・エカテリーナ2世である。プロイセンから嫁いだ彼女は、宮廷革命によって政務能力のない夫を排除して皇帝の地位につくことになる。文化的に遅れていたロシアをヨーロッパと互角に渡り合えるようにするために、イタリアなどの優れた文化を取り入れようと腐心し、レオナルド・ダ・ヴィンチやレンブラントなどの絵画を収集した。政務に多忙であった彼女にとっては、ここはしばし政務を忘れて安らげる唯一の場所であったようである。

 しかし時代の激動が彼女を襲う。1789年に勃発したフランス革命を発端とした市民革命の嵐である。自身の開明政策がロシア国民の意識をも向上させていることに震撼した彼女は、言論弾圧などの抑圧政策に転じることになり、この頃からエルミタージュにこもることが多くなったという。そして1796年、彼女はエルミタージュを残して68才でこの世を去る。

 エルミタージュは絵画だけでなく宝石など装飾具のコレクションも有名で、私はそれを広島県立美術館で見たことがあるが、かなりキンキラキンの印象で、正直なところあまり洗練されているとは感じられなかった記憶が残っている。エカテリーナ2世は、落ち目になりつつあったロシアを立て直すため、必死に虚勢を張っていた部分があるように思われる。後世から見るとそれはやや空しくも感じられずにはいられないが。

 広島での展覧会はエルミタージュの装飾具などの方がメインであったので、絵画などの方は今一つだったことから、またどこかでエルミータジュ美術館の絵画を中心にした展覧会があれば出かけたいと思っているところである。とてもロシアまで出かけられないだけに。

 

8/5 世界美術館紀行「水の都・色彩の宴 ベネチア・アカデミア美術館」

 ベネチアにあるアカデミア美術館にはベネチアルネサンスを代表する絵画が収蔵されている。16世紀ベネチア絵画を代表する3人の巨匠がティツィアーノ、ヴェロネーゼ、ティントレットである。

 アカデミア美術館は、美術アカデミーを前身として1882年に開館した。ここに収蔵されている中で最大の巨匠であるのがティツィアーノである。彼の作品は豊かな色彩と自由で伸びやかなタッチを特徴としているが、この頃にそれまでのフレスコ画やテンペラに代わって、カンバスに油絵の具で描くという新しい手法が開発されており、そのことが彼のこのような作品が登場できた背景になっているという。ティツィアーノはその優れた表現力により、ヨーロッパ中の王侯貴族から仕事を依頼されることになる。

 ティツィアーノの後を受けてベネチア絵画界に登場した2人の天才がヴェロネーゼとティントレットであり、二人は同時代のライバルであった。ティツィアーノに認められたヴェロネーゼは一躍ベネチア絵画界で大活躍する。彼の作品は非常に人物がイキイキとしているが、この美術館に飾られている大作「レヴィ家の饗宴」も非常に人物がイキイキとした宴会の風景を描いた作品である。この絵画はそもそもは最後の晩餐を描いたらしいのだが、使徒達の廻りに描かれた人々のあまりの狂乱ぶりに「聖なる宗教画にふさわしくない」とされ、彼は宗教裁判にかけられることになったのだという。そこで彼は聖書にも登場する「レヴィ家の饗宴」にタイトルを変更することでそれを逃れたのだという(いかにも当時の社会の馬鹿らしさをあらわすエピソードだが、宗教などという愚かなものに支配された社会ではこうなる)。

 一方、この作品と同じ部屋にティントレットの作品も展示されている。彼は激しい性格のため、ティツィアーノの工房を数日で追い出されたという。貴族をパトロンとしたヴェロネーゼに対し、彼は同信会という裕福な市民の信仰団体をスポンサーにした。彼の作品は劇的表現が特徴となっており、いずれの作品も彼ならではの激しい情念がこもっている。

 ヴェロネーゼは1588年に病に倒れ世を去る。そしてティントレットもその1594年にこの世を去る。そして彼らの死後、ベネチアは衰退に向かっていくことになり、ベネチアルネサンスも終焉に向かっていく。

 宗教画は退屈なものが多くて面白くないのだが(特に中世の宗教画は完全に様式化しており、全く不毛である)、ルネサンスの頃からその中に人間性が表れるようになり、作品としては面白くなる。まさにその時代の象徴のような絵画が彼らの絵画である。まだまだ制約の多かった世界の中で、彼らは最大限人間を表現していたように見える。私の印象では、ティツィアーノは「精緻」、ヴェロネーゼは「機知」、ティントレットは「情念」といったイメージである。三者三様で面白いが、今日的には一番受けそうなのはティントレットだが、一番好き嫌いが分かれそうでもある。これに対してヴェロネーゼは誰にでも受けそうな品の良さのようなものが感じられる。こんな時代でも画家による個性というのは意外とあるものである。

 

6/17 世界美術館紀行「ミラノ・独身貴族の美的生活〜ポルディ・ペッツォーリ美術館〜」

 イタリアのミラノにひっそりとあるポルディ・ペッツォーリ美術館は、19世紀半ばミラノ有数の貴族であるポルディ・ペッツォーリの「自らのコレクションと屋敷を市民に開放する」という遺言によって1881年に開館した。

 この美術館は特にイタリアルネサンス期の作品のコレクションに優れている。11才で父の莫大な遺産と美術コレクションを引き継いだポルディ・ペッツオーリは、彼自身も独自の美術品収集を開始する。彼の鑑識眼は母であるロジーナ・トゥルヴルツィオによって養われたという。彼は当初は鎧や銃など当時若い貴族の間で流行していた武器のコレクションに精を出す。

 しかし当時のミラノはオーストリアの支配下にあり、イタリア各地に吹き荒れた民族主義の嵐の中、1848年ミラノで市民達が蜂起し「ミラノの5日間」と呼ばれる独立運動が起こる。ポルディ・ペッツォーリもこの蜂起を愛国者として支援するが、やがて蜂起は敗北、彼は重い罰金を科されると共に国外追放になる。

 スイスに亡命した彼は、1861年にヴィットリオ・エマヌエーレ2世によってイタリア統一がなされた後、ようやくミラノに帰るが、このことが彼の誇り高きイタリアルネサンス期の美術品に対する傾倒を強め、彼のコレクションはそちらの方向に向かっていくことになる。

 1879年、自ら蒐集した美術品に囲まれて一人56年の生涯を終えた彼は、独身で後継者がいなかったこともあり、「市民の利益のために屋敷とコレクションが永久に維持されるように」との遺言を残していた。

 以前にも聞いたことのあるような展開である。ロンドンのウォレスコレクションなどと全く同じで、貴族が自分の死後にそのコレクションを残したというパターンである。愛国者であった彼としては当然の選択だったのだろう。実際に、今日でもまとまったコレクションが残っているのはこのパターンが多く、こうならなかった場合には後に没落した子孫によってコレクションが散逸してしまうということになる場合が多い。またこの方法は、自分が死んだ後にも名前を残す手法でもある。

 ただ我々一般庶民には、後に残すコレクションなんかないな(笑)。私のコレクションなんか残しても単なる粗大ゴミだもんな(笑)。

 

6/10 世界美術館紀行「ロンドンの新名所 アートのテーマパーク〜テート・モダン〜」

 ロンドンのテムズ川沿い、2000年に生まれた現代的な橋で、セントポール大聖堂と結ばれているのが、ロンドンの新名所テート・モダンである。古い火力発電所の建物を改造し、ここには今や現代アートの殿堂となっている。

 番組ではテート・モダンでの現代芸術の楽しみ方を紹介している。

1.巨匠の作品と出会う テート・モダンにはピカソやウォーホルなど有名な芸術家の作品が展示されている。

2.新旧アート対決 壮大な風景という名の部屋にはモネの睡蓮の絵と、オリツキーの「インスタント・ラブランド」の2枚の絵が一緒に掛けられているが、両者を見比べると、晩年のモネが至ろうとした境地が抽象絵画であるオリツキーの作品と相通じることが分かるという仕掛けである。

3.ハイテクツアー 最近は日本の美術館でも音声ガイドが良くあるが、ここのガイドはさらにハイテクになっている。作品事にアーティスト自身による映像での解説を表示したり、その場にふさわしい音楽を流したり出来るとか。

4.アートに触発される 社会的テーマを扱った作品に刺激をされようということらしい。

 このテート・モダンの出現で、現代アートが盛んとは言い難かったロンドンでも現代アートの拠点が出来たし、かつては倉庫街で治安も良くなかったこの地域の再開発が進んだとか。それにしても再開発の拠点を美術館にするというのはさすがにロンドンか。日本ならどこにでもあるような商業施設を作って失敗するところだろう(例えば大阪のATCのような)。 

 まあ確かに分かりにくいといわれる現代芸術を分かりやすく紹介していたが、私は常々言っているが、現代芸術は何も難しいのではなくてくだらないだけである。難しく見えるのは、作者がテーマを訴えるのが下手なせいで分かりにくいだけである。またテーマが伝わってきたら作品として面白いというものでもない。果たして今アートと言っている作品の中で、100年先に生き残る作品がどれだけあることやら(ウォーホルのマリリン・モンローなんて、どこでもやたらに見かけるのでゲップが出るが)。

 ちなみに日本でも各地に近代美術館が多いのは、現代の芸術家達の発表の場を与えるという美術館の使命もさることながら、過去の名品と違って現代芸術作品は価格が安いということも最大の理由だったりするのである(モネやルノワールの作品を購入しようとしたらとんでもない価格になるが、現代芸術作品の場合、ゴミに近い値段のものもあるから・・・もっとも中身も本当にゴミの場合が多いのだが)。

 

6/3 世界美術館紀行「エジプト文明三千年の謎を解け ルーヴル美術館6」

 ルーヴルとエジプトとの関わりは深い。その基礎を作ったのが19世紀のエジプト学者ジャン=フランソワ・シャンポリオンである。彼は古代エジプト文字のヒエログリフを解読したことで知られる。

 1798年、シャンポリオンが8歳の時、ナポレオンのエジプト遠征が行われる。この遠征には軍隊だけでなく、多くの学者も従っており、この時にロゼッタストーンが発見される。ロゼッタストーンの発見で、古代エジプト文字が解明できる可能性が浮上し、エジプトブームが湧き起こる。そんな中、シャンポリオンもエジプト研究を志す。多くの学者が古代エジプト文字の解読競争を行う中、多くの古代後に通じる若き天才シャンポリオンが、プトレマイオスやクレオパトラといった名前を鍵に読み解き、さらにヒエログリフは表音文字だけでなく表意文字でもあるということを発見し、ヒエログリフの解読に成功する。

 シャンポリオンはルーヴルに古代エジプト展示室を作ることを国王に訴え、1826年、その許可が下りる。こうして開かれたルーヴルエジプト部門が今日にまで引き継がれている。ここに収められている資料はいずれも一級品のものであり、また美術品的にも優れたものが多い。

 ちなみに現在、福岡(福岡市博物館)でルーヴル美術館所蔵古代エジプト展が開催中であり、8月には東京都美術館に巡回予定である。今回、明らかにこの展覧会を意識した内容であることは間違いない(何しろこの展覧会の企画はNHKプロモーション)。今回番組に登場した石像の中からも展示されるものがあるので、一見の価値あり。私は名古屋開催時に行ってきましたが、あまりに大盛況すぎて少々疲れた(笑)。

 

5/20 世界美術館紀行「愛しのモダンアート MoMAニューヨーク近代美術館」

 ニューヨーク近代美術館は2人の女性によって設立された。1人はリリー・ブリス。1913年、同時代の前衛的な芸術作品に接した彼女は、積極的にそれらを蒐集する。もう1人はこれも資産家であるアビー・ロックフェラー。彼女は現代芸術を好まない夫に内緒で、密かに現代芸術品を買い集めた。彼女らは現代作品を集めた美術館を建設することを考えるが、その意志半ばにしてリリーは病でこの世を去る。死後、彼女は膨大なコレクションを寄付し、これを美術館の元にするように言い残す。アビーは屋敷を改造して美術館の敷地を提供し、こうしてMoMAが設立される。

 そのMoMAを託されたのが初代館長であるアルフレッド・バーである。彼の現代芸術に関する鑑識眼は高く評価されており、彼はコレクションをさらに充実させた。第二次大戦中、ヨーロッパで創作の危機に瀕した芸術家達をMoMAは積極的に支え、アメリカに渡った彼らの作品はMoMAの中心コレクションになっている。MoMAは多くの資産家によって支えられているが、その精神は「新しい時代のアートを先駆けて評価していくこと」だとか。

 ・・・と言っても、大半の作品は私にはゴミにしか見えないのであるが・・・。新しい時代のアートと言うが、本当に新しい時代のアートになるものがいくらあるんだ? 私に言わせればモダンアートのほとんどはいずれ消え去るゴミばかりである。まあ、その中の1%の可能性を守るために、99%のゴミも収集するんだと言うなら、それはそれで立派な理念であるが。まあアメリカのお金持ちの道楽と考えても良いのだろう。

 

5/13 世界美術館紀行「憧れの英国貴族ライフ〜ロンドン・ウォレスコレクション〜」

 イギリスのロンドン郊外のハートフォードハウスに収蔵されるウォレスコレクションは、かつてこの館を住まいとしていたハートフォード侯爵家によって集められた絵画コレクションである。18世紀から19世紀にかけての英国の黄金期に、ハートフォード侯爵家の5代に渡ってコレクションを充実させた。

 このコレクションをもっとも充実させたのが4代ハートフォード侯爵である。彼は30才にしてすべての公職から離れて美術品三昧の生活をした。彼は特にロココ様式の心地よい作品を愛し、多くの作品を収集した。またこの頃、フランスでは貴族階級の没落により、多くの美術品が海外に流出していた。このような作品を集めて後世に伝えていくのが、貴族としての使命であると彼は考えていたという。彼は生涯結婚しなかったが、愛人との間に息子をもうけていた。それがリチャード・ウォレスである(ウォレスは母方の姓であるという)。パリで祖母に育てられた彼は、25歳の時に侯爵に秘書として迎えられた。彼は父である侯爵から、美術の見方や知識を教えられ、また彼の美意識も仕込まれる。

 やがて4代侯爵が亡くなった時、彼はできる限り財産をリチャードに相続させたという。本来、正統な後継者ではない(彼は私生児であるわけだから)者に貴族の財産を引き継ぐというのは極めて異例なことであるが、4代侯爵は彼のコレクションをもっとも愛しているのはウォレスであることを知っており、このコレクションを引き継ぐのは彼しかいないと考えていたのだという。

 コレクションを引き継いだウォレスは、このコレクションを多くの人に公開したいと考え、後に国家にこれらを寄付したという。それが今日のウォレスコレクションであるという。

 今回はヨーロッパの貴族の意識についての物語。4代侯爵は貴族の使命として美術品を収集していたと言うが、こういう直接に利益に結びつかないように見える行為に血道を上げるのは、いわゆる貴族意識と言える(笑)。なお彼はすべてのコレクションを息子に託したこと、また生涯結婚しなかったことを見ると、その愛人と言われる人物は、何らかの理由で貴族の妻として迎えるわけにいかない人物であったのだが、侯爵自身は彼女だけを愛していたのだろう。この辺りも何やら貴族のドラマが感じられる。

 なおそうやって引き継いだコレクションを、ウォレスは後に国家に寄付するわけだが、これも「美術品は公共のもの」という意識の現れであり、この辺りは日本の成金との意識の違いである。

 ところでこのウォレスコレクション、確かに貴族好みの心地よい作品ばかりである。ただ心地よすぎて、芸術品としては少々物足りないきらいもなしにしもあらず(笑)。まあ人生の苦悩などは下賤な者達のテーマだと言うことか?

 

5/6 世界美術館紀行「アステカの太陽に抱かれて メキシコシティー・公園の美術館」

 メキシコシティのチャプルテペック公園には多くの美術館や博物館が存在している。古代文明の宝を収めた国立人類学博物館。植民地時代の歴史を伝える国立歴史博物館。美術品を収めたルフィーノ・タマヨ美術館などがある。

 国立人類博物館には古代オルメカ文明の遺品である巨石人頭像、テオティワカン文明の産物であるケツァルコアトル神殿などが展示されている。またアステカ文明を象徴する太陽の石は至宝中の至宝だという。アステカ文明は太陽に生け贄を捧げていたと言われており、この太陽の石に描かれている太陽の神も生け贄の心臓を手にしているという。

 アステカ文明がスペインに滅ぼされた後の話は国立歴史博物館に移る。ここに展示されているシケイロスの巨大な作品「ディアス独裁体制から革命へ」は独裁者を倒した1910年からの革命の歴史が描かれているという。この革命の中心となったのはスペイン人と原住民の混血であるメスティーソであるが、10年にわたる革命による犠牲者は100万人に及ぶとも言われている。この革命の歴史を圧倒的な表現で示している。

 ルフィーノ・タマヨはメキシコの現代芸術家である。タマヨはかつて考古学博物館で働いており、古代遺跡から刺激を受けて創作を行ったという。タマヨの作品は人類学博物館にも展示されているとのこと。

 なにやら脈絡のない内容で、いつもと雰囲気が違っていた(しかも案内はメキシコ版「テツ&トモ」ときたもんだ)。バラバラと番組が流れてしまって、最終的な感想は「チャプルテペック公園ってメキシコの上野公園か・・・」というもの。中身がなくて失礼。

 

4/29 世界美術館紀行「青の輝きフェルメールの魔術 マウリッツハイス美術館」

 オランダ第3の都市であるハーグは、かつて政治の中心として栄えて来た都市である。その一角にあるマウリッツハイス美術館は別名「王立絵画陳列室」と呼ばれており、かつて貴族の館であった豪華な建物の中に、歴代の王が集めてきた美術品が陳列されている。ここの2階に17世紀のオランダの繁栄期の絵画が展示されており、その中でも人気のあるのがフェルメールの作品である。

 特に人気の高いのが「真珠の耳飾りの少女」(私的には「青いターバンの少女」の呼び名の方がしっくり来る)である。この絵画はターバンの青色が印象的なのだが、ここに用いられているのが高価な顔料であるラピスラズリである。またかつてこの絵画が修復された時、フェルメール独自の光のマジックが明らかになったという。この絵画の少女の口元には白い斑点があるのだが、かつての修復の時はこれはシミだろうとして塗りつぶされたのだが、今回の修復でこれがフェルメールが唇の光沢を現すために描いたものであることが分かり、復活されたという。

 同じような技法はフェルメールの別の作品「デルフトの眺望」でも用いられているという。この絵画は空の色などが印象的であるが、ここにもラピスラズリが使用されているのだという。また意外なところとしては、植え込みの緑の部分にもラピスラズリが用いられており、フェルメールはあえて緑を用いずに青と黄色で描くことで樹木の質感を出しているのだという。また建物の煉瓦壁の部分には砂が混ぜられており、これも質感の表現に貢献しているという。

 フェルメールの絵画は現物を見ると、その表現にまさに奇跡のようなものを感じるのだが、そこにはこのような工夫や技術が隠されていたということのようである。このようなテクニックを殊更に前には出さずにさりげなくやってしまうのがこの画家の凄いところである。多分、今時の芸術家がこういう新しい手法を思いついたら、うれしそうにその手法だけを前面に誇示した作品を作ってしまうのが関の山だが(実際、現代芸術にはそのような一発芸的な作品が極めて多い)、そんなことはしないのは懐の深さとでもいうものか。ちなみに今まで私が見たことのあるフェルメールの作品は「青いターバンの少女」以外に「画家のアトリエ」と「窓辺で手紙を読む若い女」であるが、「画家のアトリエ」が一番強烈に印象に残っている。

 

4/22 世界美術館紀行「美の都フィレンツェを作ったコンクール バルジェッロ美術館」

 フィレンツェは多くの彫刻が街の風景に溶け合った、街全体が美術館のようなところである。ここにあるバルジェッロ美術館はルネサンス美術のコレクションでは世界有数のコレクションを誇る。

 1401年、サン・ジョヴァンニ洗礼堂の扉の彫刻の制作者を決めるコンクールが開催される。このコンクールの決勝に残ったのは、23才のギベルティと24才のブルネレスキだった。神に自分の息子を生け贄にすることを命じられたアブラハムが、息子のイサクを刺そうとしているシーン(狂信の愚かしさを語るエピソード・・・ではなくて、当然ながら信仰の強さの大切さを伝えるためのエピソードなのだが、私にはやっぱり「宗教なんかにかぶれたら、こんなアホなことをしてしまうんだ」という教訓にしか見えない)を刻んだ二人の彫刻が共にバルジェッロ美術館に残っている。

 彫刻としての構成のうまさはギベルティに、信仰を訴える構成の強さはブルネレスキにあるというのが、番組の解説。そしてこの二人の審査の結果なのだが、実は全く異なる二つの記録が残っているという。ブルネレスキの伝記では審査員は二人共に優勝との判定を下したとなっているが、ギベルティの自伝では満場一致で自分が勝利したとしているという。この結果については、まず最初は二人が選ばれてて共同で制作するよう命じられたが、共同作業を好まないブルネレスキが辞退し、結果としてギベルティが制作することになったと考えられているとのこと。

 1403年、ギベルティは扉の制作にかかり、20年の歳月を費やして見事な扉を制作したという。一方のブルネレスキは彫刻家の道を諦めて、10年をローマの地ですごす。彼はそこで古代建築の研究に没頭し、フィレンツェで建設が進んでいたサンタ・マリーア・デル・フィオーレ大聖堂の巨大ドーム建設に際し、画期的なアイディアを提供して建築家としての名声を博したという。

 結局のところ、人生どういうところでどんな分岐点があるか分からず、たとえその時は挫折に思えても、後になればそれが正解だったということもあるというエピソードか。確かに人生そんなもんだけどね。

 

4/15 世界美術館紀行「鉄腕館長 執念のコレクション ベルリン・絵画館」

 ベルリンにある絵画館は、東西ドイツが統一された折りに設立された施設である。ここのコレクションを充実させたのは、1872年にベルリン美術館で働き始めてから辣腕をふるい、美術館のビスマルクと呼ばれたヴィルヘルム・フォン・ボーゼである。美術館のコレクションの母体となったのは、かつてのプロイセン帝国時代のフリードリヒ大王などの個人コレクションだったのだが、これらはあくまで彼らの趣味を反映したもので、新しいドイツ国家の美術館には不十分であると考えたボーゼは、潤沢な資金をふんだんに投入してコレクションを増やしていった。

 ボーゼがこだわりをもって集めたのはレンブラントの作品などであるが、この中にはレンブラントの作品としては知られていなかった作品を、鑑識眼を持つ彼がレンブラントのものと見抜いて格安に買い取った例もあるという。

 しかし1929年にボーゼがこの世を去って間もなく、ベルリンは瓦礫と化す。美術品は疎開をしていたものの、戦後にドイツの東西分断と共に、美術品は東西両陣営に分散することになってしまった。

 東西ドイツが統一後、新規に建設された文化フォーラムが建設され、その一角で東西に分かれていた絵画コレクションが再会した。

 どうやらドイツ年に合わせた企画の第二弾の模様である。ベルリンの美術館はどこでもそうなのだが、ここの美術館にも戦争が影を落としている。しかしこうやってかつてのコレクションが再び集められたことを、あの世のボーゼは喜んでいるだろう。

 

4/8 世界美術館紀行「復元古代の大祭殿 ベルリン・ペルガモン博物館」

 ベルリンのペルガモン博物館には世界遺産にも登録されている博物館島に存在する。この博物館は古代オリエント芸術の展示などが行われており、人気を博している。ここの目玉と言える展示が、ペルガモン大祭壇の展示である。ペルガモン博物館ではこの祭壇を室内に再現しており、古代ギリシア神話の巨人と神々の戦いを扱った大彫刻が壁一面に並べられている。

 大祭壇が発見されたのはトルコのベルガマである。紀元前2世紀にここで繁栄したのがペルガモン王国だった。地中に埋もれた遺跡を発掘したのは、ドイツ人のカール・フーマンだった。道路建設の技師としてトルコで働いていた彼は、地中から発見された瓦礫の破片に注目し、直ちに発掘するべきだとベルリンに連絡をとったが、13年もの間無視され続けた。しかし彼の送った遺跡の断片に注目したベルリン王立博物館彫刻資料館長のアレクサンダー・コンツェによって、ついに大規模な調査団が派遣されることになり、フーマンが現場監督を務める元で発掘が行われ、貴重な遺跡が続々と発見される。

 発掘された大理石はベルリンに運ばれ、そこで修復をされる。しかしその作業は困難を極めるものであった。バラバラの破片は、軒下に刻まれた神々の名前などを手がかりに再構築された。修復された彫刻は「これはミケランジェロだ」と語った修復かがいたと言うほどの優れたものであった。

 1930年にペルガモン博物館が開館する。しかしその3年後、ヒトラーのナチスドイツが政権を握り、あの愚かな第二次世界大戦が勃発する。ベルリンは大空襲を受け、比較的被害が少なかったペルガモン博物館も、床に大穴が開くなどの被害を受ける。戦後にソ連に持ち出されていた作品などが戻って、博物館がようやくオープンできたのは1959年だったという。

 巨大な展示には驚くばかりである。それにしても立体ジグソーパズルのような遺跡の破片を組み合わせる作業はかなりのものだったろう。当時のドイツ帝国の威信をかけていたからできたようなものか。なおフーマンも素人発掘家だったが、このような素人発掘家によって発見された遺跡というのも実は結構ある。そういえば日本の吉野ヶ里遺跡発掘に貢献したのも素人発掘家だったはずである(プロジェクトX参照)。

 ただ現在では、発掘品はなるべく現地に近いところで保存するというのが原則になりつつあるから、この時みたいに国外に大規模に持ち出しということはしないだろう(するべきでもない)。この時代はヨーロッパ各国が博物館などの点でも張り合っていたというのが時代背景にありそうである(大英博物館などは、まさにイギリスの権威を見せつけるためのものだった)。

 

4/1 世界美術館紀行「フリーダ・カーロ 愛の館 メキシコ・オルメド美術館」

 メキシコシティのオルメド美術館は、メキシコの女性実業家オルメドが集めたコレクションを展示している美術館である。ここの収蔵品で特徴的なのはメキシコの女流画家フリーダ・カーロの作品である。さらにフリーダの夫はメキシコの巨匠と言われたディエゴ・リベラ。この美術館には彼の作品も多く収蔵されている。

 女好きのディエゴは、フリーダと結婚してからも多くの女性と関係を持っていたという。フリーダは常にそのことに嫉妬心を持っていたようだが、それにも関わらずこの夫婦には深い結びつきがあったという。

 フリーダは18歳の時に交通事故で瀕死の重傷を負ってから自由のきかない身体で絵画を始めたという。その後、彼女はディエゴの元に作品を持参、ディエゴは彼女の才能を見抜いたという。やがて二人は結婚、しかしディエゴの子が欲しいという彼女の意志に反して、彼女の身体は妊娠に耐えられないものになっていた。彼女は傷つくが、ディエゴは女性遍歴を繰り返し、彼女の妹とまで関係を持つ。彼女の絵画にはその心の痛みも表現されているという。なお番組によるとメキシコには自分の苦しい体験を絵にして教会に奉納するレタブロという風習があり、彼女の作品にもそのような伝統は影響しているという。

 フリーダは結婚10年後、ディエゴと離婚するが、彼女はその大きな喪失感に耐えられず、1年後にディエゴと再婚する。しかしその後、彼女は交通事故の後遺症に蝕まれていく。この頃の彼女の作品は苦しみを表現した自画像が増えていく。その中の一つが彼女の代表作である「折れた背骨」である。ひび割れた大理石の背骨と身体に刺された無数の釘は彼女の苦痛の表現である。ディエゴはそんなフリーダの傍らで彼女を励まし続けたという。彼女の絶筆となったスイカの絵には「人生万歳」と書かれている。またオルメド美術館に所蔵されているディエゴが最後に描いた作品もまたスイカである。彼はフリーダの死後、3年後に死亡している。

 何やら複雑な男と女の物語である。なお彼女のエピソードとインパクトが強すぎる「折れた背骨」の絵は「美の巨人たち」でも以前に登場しているので、かなり強烈な記憶が残っている。いかにも痛そうな雰囲気が印象的なのだが、個人的にはつながった眉毛が一番印象に残ってたんですよね・・・中山美穂?(笑)。

 

3/25 世界美術館紀行「森に実った夢の館 クレラー=ミュラー美術館」

 オランダのクレラー=ミュラー美術館は、世界有数のゴッホコレクションを誇る。この美術館を設立したのは、オランダの貿易商アントン・クレラーの妻、ヘレーネ・クレラー=ミュラーである。ヘレーネが美術品蒐集に乗り出したのは、38歳の時にゴッホの「四本のひまわり」の絵に遭遇してからだという。それ以来、彼女はゴッホの絵画を蒐集すると共に、美術コレクターとして名を上げていった。やがて彼女は単に気に入った作品を集めるだけでなく、近代美術史の方に興味が広がり、美術館の地下には彼女が集めた膨大な資料が収容されている。彼女は美術史の観点から、時代を代表する絵画を集めるようになり、またその興味は中近東や日本にまで広がっていた。

 やがて芸術家のパトロンとして有名になった彼女は、有望な画家の発掘にも乗り出す。彼女が目を付けたのが、抽象画家ピート・モンドリアンであり、彼はヘレーネと契約を交わしたことで、やがては現代芸術の巨匠と成長する(私は個人的には彼の作品には全く面白味は感じないが)。

 彼女は蒐集した絵画を自宅に展示し、週に二回公開していた。しかしそのような公開方法に不満を感じた彼女は、美術館の建設を考えるようになる。彼女が美術館建設の候補地に考えたのが、夫が狩猟場に使っていたホーヘ・フェルーウェの森である。ここに彼女は、壮大な美術館を建設する計画を立てる。

 しかし彼女のこの計画は実現しなかった。不況の影響で夫の貿易会社が打撃を受け、夫妻は破産の危機に直面し、不動産は売却を迫られた。コレクションだけは借金のかたに取られることなく守りたいと考えた彼女は、すべてのコレクションを国家に寄贈することを決める。その時に彼女が条件として出したのがホーヘ・フェルーウェの森に美術館を建設することである。こうして当初の彼女の計画と異なり、こじんまりとして機能的な美術館が建設されることとなった。これが今日のクレラー=ミュラー美術館である。彼女はこの初代館長に選ばれたが、美術館開館の翌年1939年12月、彼女は病に倒れ、70年の生涯を終える。彼女の棺は美術館の展示室に運ばれ、彼女が愛したゴッホの作品に囲まれて最後の一夜を過ごしたという。

 美術館の建設にかけるヘレーネの情熱が伝わってくるエピソードである。欧米ではこのように、金持ちのコレクターが自分の財力で作品を集め、その晩年や死後には美術館を建設したり寄贈したりする形で作品を公開する例が多い(だからこそ、日本のどこぞの成金社長がゴッホのひまわりを自分の棺に入れて欲しいと言ったら、世界中から非難が集中したのだ。)。美術品は、個人の所有物であっても人類共通の財産であるという認識がなされているからである。この辺りは日本とは文化的風土が違うようだ。

 ところで個人的に興味が湧いたのはヘレーネの夫に対してである。ヘレーネは美術品に相当散財していたと思うのだが、夫のアントン・クレラーはそれについてどう思っていたのか。彼自身も美術品に対して興味があったのか、その辺りのところに個人的に興味が湧く。もし彼が美術品に全く興味がなかったとしたら、ヘレーネは「役にも立たないところに無駄金をつぎ込むとんでもない嫁さん」になっちゃうもんな・・・。

 

3/18 世界美術館紀行「ゴッホ美術館 家族への贈りもの」

 オランダのアムステルダムに世界最大のゴッホコレクションが存在する。1973年に開館したファン・ゴッホ美術館は、ゴッホの家族によって設立されたゴッホ財団によって運営されている。ゴッホは10年という短い画家としての生涯の中、1600点の作品を残したが、そのうちの200点ほどがここに収蔵されているという。現在の理事長は4代目になるフィンセント・ファン・ゴッホ氏であるが、彼によると、ゴッホ家が最も大切にしていた作品が「花咲くアーモンドの枝」であるという。これはゴッホが亡くなる半年前に描いた作品だが、彼にしては珍しくさわやかな絵である。

 牧師の家に生まれたゴッホは、父にとっては待望の跡取りであって、勝利者を意味するフィンセントと名付けられる。しかし彼は直に親の期待を裏切ることになる。癇癪持ちで感情が不安定なゴッホは、地元の小学校を退学されるほどで、牧師になれずに職を転々とすることになる。そんな彼を支えたのが4才年下の弟のテオ・ファン・ゴッホであった。パリで画商を行っていたテオは、兄のフィンセントを経済的に援助し続けていたという。彼等の間では数百通の書簡が交わされている。

 やがてゴッホは絵の道で生きることを決心する。そんな彼が影響を受けたのが日本の浮世絵である。浮世絵の明るい色彩に魅了された彼は、光を求めて南仏に移り住む。彼はそこで創作を重ね、仲間のゴーギャンを呼んで共同生活を始めるが、すぐに考えの違いなどから衝突、精神的に不安定になったゴッホは、自分の耳を切り落とすという異常行動に出る。やがてゴーギャンはゴッホの元を去り、ゴッホも精神病院に送られるのだが、その時も彼を支えたのは弟のテオとテオの妻のヨハンナであったという。彼らの間に生まれた息子にはフィンセントの名が付けられ、そのフィンセントの誕生を祝ってゴッホが贈った絵画が「花咲くアーモンドの枝」だったのだという。しかしゴッホは半年後に自殺し37才の生涯を終える。またテオもまるで彼を追うかのようにその半年後に病気で死亡する。ゴッホの絵は生前にはたった1枚しか売れなかったのだが、彼らの遺志を継いだヨハンナが彼らの手紙を書簡集として出版すると共に、ゴッホの展覧会を開催、これがきっかけになってゴッホは世界的に認められることになった。その活動は息子のフィンセントに継がれ、彼は財団を設立して、83歳の時に美術館を設立するという夢を実現したのだという。

 ゴッホといえば、その激しくて狂気に満ちた生涯の方が注目されるが、その彼を支えた家族の愛の物語である。最初「ゴッホの家族」と言われた時に、確かにゴッホには妻はいなかったはずだがと戸惑ったのだが、弟の家族だと聞いて納得した。しかし弟だけでなく彼の妻までがゴッホが世に出ることにこれだけ協力したというのは、才能に魅入られただけではなく、あの難しく思えるゴッホにも、強力な人間的魅力のようなものがどこかにあったのだろう。取っつきにくいが、その壁を突き抜けた相手には細かな情愛を示すタイプの人間だったのだろうか?

 

2/11 世界美術館紀行「ボヘミアの女神に捧ぐ プラハ国立美術館」

 チェコのプラハ国立美術館の分館にはミュシャの作品が収蔵されている。スラブ人からなるチェコにおいてはミュシャは、かつてプラハが神聖ローマ帝国の首都であった証拠のプラハ城と並ぶ、郷土の誇りなのだという。

 彼はよく知られているように、アールヌーヴォーを代表するポスター画家である。パリで名声と財をなしたミュシャは、異国の地でスメタナの「わが祖国」を聞いて望郷の念に駆られてプラハに戻ったのだという。当時のチェコはオーストリアに支配され、スラブの独自文化は抑圧されていた。ミュシャはスラブの誇りを取り戻すことを願って「スラーヴィア」を作成、これを携えて帰国する。スラーヴィアとはスラブ人が信仰する美の女神であり、この絵はスラブ民族が団結して外国支配か立ち上がることを訴える作品であった。この年、ミュシャは50歳であった。

 帰国の翌年、ミュシャはプラハの市民会館の装飾の仕事を無償で引き受ける。ここで選んだ画題は働くスラブの民の姿であった。彼は1年をかけてこの大作を完成する。

 しかしスラブの独立は思いもかけない形で実現した。1914年、オーストリアは自ら引き起こした第一次大戦に敗北、ハプスブルク家の支配は崩壊する。そして大戦終了の年にチェコスロバギアが成立する。

 この年、ミュシャは大作「スラブ叙事詩」に取りかかっていた。完成したのは10年後で、プラハ国立美術館で公開された。しかしこのスラブの独立を祝う大作は、独立の熱気も冷めたこの頃には時代遅れの作品として全く評価されなかった。しかし、ミュシャは人々に忘れ去られた中で母と子を描いた連作を描き続けていた。この絵もまたチェコの将来を憂える絵画であった。この背景には隣国ドイツでのナチスの台頭があった。

 そして1939年、第二次大戦が勃発、チェコはドイツに併合され、ミュシャは愛国主義を煽動したとしてナチスに囚われ、その年に病死する。

 ミュシャの祖国に寄せる想いを伝えるエピソードである。ところでこのエピソードについて、以前に聞いたことがあるなと思っていたのだが、「美の巨人たち」のバックナンバーをチェックしたらやはり扱っていた。ミュシャの「スラブ叙事詩」の大作は、展示スペースもないまま最近までお蔵入りだったそうである。ミュシャはプラハ城と並ぶチェコの誇りなどと言っていたが、恐らくそれが公言できるようになったのは社会主義政権が転けてからなんだろう。

 ちなみにこの時の文章では私は「彼の名前も表題作も全く知らなかったが、確かにあのタッチのポスターは見たことがある」なんて書いている。素人丸出しである・・・おいおい。皮肉なことに最近の私はミュシャ展のチェックは欠かさない人間になってしまっており、まかり間違っても「彼の名前は全く知らない」なんてことは今は絶対に言わないのだが。人間、いろいろと変化するものである。あの文章を書いてからまだ丸1年も経っていないというのに。

 

2/4 世界美術館紀行「ウィーン世紀末 生と死の香り レオポルド美術館」

 ウィーンのレオポルド美術館はオーストリア近代絵画のコレクションを誇る。代表的な収蔵品はかつてのウィーンの享楽と退廃を象徴したクリムトの絵画であるが、この美術館の誇りであるのはクリムトと並ぶウィーン世紀末美術のスターであるエゴン・シーレの一大コレクションである。

 シーレはウィーン郊外のトゥルンの駅長の家に生まれた。しかし14歳の時に父が梅毒で無惨な死を遂げ、その時の苦しむ父の姿が彼の生涯に影を落としたと言われている。シーレは厳格な母親(街の人たちは不潔で病気の元だと考えて、彼が街の人とつき合うことを禁じたと言うから、これは厳格と言うよりも病的潔癖症であり、これも彼女の夫が梅毒で命を落としたこととと関係しているのではないか)から逃れるため、絵の勉強を口実にしてウィーンに飛び出したという。彼は16歳で史上最年少でウィーン美術アカデミーに合格し、17歳の時に28歳年上のクリムトと出会い、彼の絵画の手法を学んだという(この時期のシーレの作品には明確にクリムトの影響が見られる)。

 しかしシーレはやがてウィーンの享楽ではなく、その影に潜む死に心が向かっていく。当時のウィーンは人口の増大による環境の悪化により、疫病の流行など死が日常的に蔓延していた。やがてシーレはウィーンの画壇に背を向け、22歳からウィーンから30キロ離れた小さな村・ノイレングバッハですごすようになり、農村の素朴な人々の中で自身を見直そうとする。この頃からシーレは作品を量産し始める。彼の裸体画がエロチックにすぎるとして投獄されたことなどもあったが、もはや彼の姿勢は揺らぐことのないものになっていたという。やかで彼はウィーンに戻ってきたが、その時にはウィーンは第一次大戦の敗北によってかつての繁栄は失くしていた。彼はこの地で結婚し、その影響によって生命に満ちた画を描き始めるが、やがて彼の妻は疫病で死亡し、彼もその三日後に同じ病で死亡する。享年28歳だったという。

 典型的な早逝の芸術家であるが、このように生涯を概観すると、燃えつきてしまったというようにさえ見える。しかしそれはあくまで後世から見た感想であって、彼がこの時に疫病に倒れることがなかったら、この後の彼は全く新しい境地に突き抜けた可能性があったように思える。実際のところ、それは非常に残念であるところだ(その後に至る彼の境地が私の好むところと合致するかは別として)。

 

1/28 世界美術館紀行「ミュンヘン 愛と青春の芸術革命 レンバッハハウス美術館」

 ミュンヘンのレンバッハハウス美術館には、抽象画の始祖と言えるカンディンスキーの絵画の屈指のコレクションを誇る。これらの絵画はかつてカンディンスキーと同棲していた女流画家・ガブリエーレ・ミュンターによって寄贈されたものである。彼女は1902年、25歳の時にカンディンスキーに出会った。当時、ミュンヘンのシュヴァービングは最先端の芸術地区で、一旗揚げることを狙う芸術家が集まっていた。ベルリンから来たミュンターは絵画塾「ファーランクス」に入り、そこで教師をしていたカンディンスキーと出会ったのである。

 ミュンターの才能に刺激を受けたカンディンスキーは彼女と同棲を始める。二人はアルプスの麓のムルナウに住み着き、そこで農園生活を送りながら、地元の工芸であるガラス絵などを描いていた。必ずしも現実の色彩を使わない宗教画などの中から、カンディンスキーは抽象画のヒントを得たという。この家には多くの芸術家が出入りし、ミュンターも彼等と交流した。そしてカンディンスキーが非常に感銘を受けたのがシェーンベルクの無調性音楽であり、カンディンスキーはそれを視覚イメージにするべく抽象絵画を完成したのだという。

 しかし戦争が二人に影を投げかける。1914年、第一次世界大戦が勃発、カンディンスキーは多くの仲間を戦争で失い、国外退去を命じられてミュンターと別れて一人でモスクワに帰っていくこととなった。ミュンターはその後もカンディンスキーのことを待ち続けたようであるが、カンディンスキーが帰ってくることはなかった。

 その後、ミュンターはカンディンスキーが残していった作品を、それを奪おうとするナチスなどから守り続けた。そして1957年、80歳になった彼女は、それらの膨大なコレクションを美術館に寄贈したのである。こうしてレンバッハハウス美術館は世界的な美術館となったとのこと。

 ロシアに帰ったカンディンスキーはそこで再婚したそうだが、カンディンスキーがミュンターのことを忘れたのかどうかは定かではない。今回は男と女の複雑な物語といった味付けになっていた(完全にメロドラマですな)。もっとも私は個人的には抽象絵画は全く面白いとは感じない人間なので、カンディンスキーの絵画からはさほど感銘は受けない。ただカンディンスキーの絵画に関しては、この後に雨後のタケノコのようにやたらに出てきた他の抽象画家の作品よりは比較的マシだとは感じるが。やはり創業者と模倣者の違いというものか。

 

1/14 世界美術館紀行「王女の華麗な宮廷物語 スペイン プラド美術館2」

 スペインの首都マドリードにあるプラド美術館は、スペイン王室の所有していた美術品を納めており、かつてのスペインの栄光と没落を物語るような美術館である。

 スペインが最盛期を迎えたのはフェリペ2世の頃であり、この時のスペインは世界の海を支配する大帝国であった。このフェリペ2世が愛したのはネーデルラントのボスの絵画だったという。彼はしゃにむにボスの絵画を集めたので、プラド美術館は世界最大のボスのコレクションを誇る。

 しかしその後のスペインは、無敵艦隊がイギリスに敗れた頃から凋落を迎える。ボスが描く天国や地獄の光景に、フェリペ2世は没落を迎えつつある自国を見つめていたのではないかとしている。

 フェリペ2世の死後、スペインはさらに没落を続ける。そんな時、ベラスケスの絵画で有名なマルガリータ王女が生まれる。この頃になると宮廷には十分な食料を買うことが出来ないほどの危機的状態に陥っていたという。マルガリータも15歳でオーストリアの皇帝に嫁ぐが、病気で21歳でこの世を去る。その後、スペイン王室の男系は絶えてしまい、フランスのブルボン王家に受け継がれることになり、それが現在にまで続いているとのこと。プラド美術館は1819年にこのブルボン王家によって設立されたとのこと。

 ベラスケスのマルガリータ王女の肖像画は、随分昔に日本にやって来た時に見た記憶がある(中学生ぐらいだったような気がする)が、私は絵のことは全く分からなかったので、王女の顔を見て「典型的なハプスブルグ家の顔だな」と思った記憶だけが残っている。スペイン王家が途絶えて、フランスの王家が後を継いだといえば奇異に聞こえるが、この時代のヨーロッパの王家は大体は親戚関係があったので、こういうことはありがちなことだったようだ。ただそのように血が濃くなりすぎているがために、この時代ぐらいになると王家に体質的に弱い者が増加していたようである(王家の人間が若死にするといえば毒殺などを疑いがちだが、この時代の場合、血の問題の方が大分大きく、同様の現象は日本の天皇家でも発生している。)。

 無敵艦隊の敗北後、スペインは急速に凋落したことは知っているが、それが「宮廷に十分な食料を買う金がない」ほどまで落ちぶれたとは知らなかった。本当にそこまで落ちぶれていたのなら、これはほとんど破産状態である。はっきり言って、今回の内容でもっとも印象に残ったのがそれだったりする(笑)。 

 

12/10 世界美術館紀行「エル・グレコ 聖なる都の異邦人 スペイン サンタ・クルス美術館」

 スペインのトレドはキリスト教の遺跡が多く残る街である。ここにあるサンタ・クルス美術館はキリスト教の福祉施設を転用した建物であり、ここに所蔵されているのはキリスト教美術の作品である。その中で誇りと言えるのが、エル・グレコの作品である。エル・グレコとはスペイン語でギリシア人という意味であり、彼はギリシアのクレタ島に生まれ、イタリアで修業を積んだ後、三十代でスペインのトレドに移り住んできた画家である。彼の作品は明るい色遣いで華やかで劇的な表現を特徴としている。

 トレドに移り住んだ彼が手がけたのが、バチカンに次ぐ権威を持ったというトレド大聖堂を飾る大作であった。彼がここで手がけたのが「聖衣剥奪」である。このかつてない迫力を持つ絵画に教会側からクレームがつく、教会側は「群衆をキリストよりも上に描いているのは冒涜である」と言って修正を要求したのである(いかにもアホな宗教家が言いそうな戯言だ)。しかし彼は報酬を大幅にへずられながらも修正を拒み(もしかしたらこれが教会側の目的だったのではという気も私にはするのだが)、教会と対立した。

 しかし彼の元には中小の教会からの依頼が多く寄せられ、彼の作品がこの町に多く残ることになったという。また彼もこの地で結婚して住み着き、この町を愛した。エル・グレコという呼び名には、余所者を排斥するニュアンスではなく、街の人々の彼に対する愛着がこめられているのだという。

 後年、宗教改革によって教会の権威が低下すると共に、炎の揺らぎの中に神の導きを見るという神秘主義の信仰が広がり(炎には一種の催眠効果があるので、危ない感じがつきまとうが・・・)、エル・グレコの晩年の作品「聖母被昇天」などでの異常に引き延ばされた人体の表現などにその影響を見ることが出来るとのこと。

 私の個人的見解としては、一般に中世の宗教絵画には見るべきものがあまりないのだが(説教臭さが心理的嫌悪感を催すと言うこともあるが、それ以上にあまりに定型化しすぎていて作品として面白くない)、エル・グレコの作品はその中では異色のものである。彼の劇的表現には後年のロマン的な思想につながるものがあるのではないかなどと感じる次第。異国の人間がこの地の人々の誇りにまでなったのだから、この時代のトレドは国際都市だったんだなと妙なところで感心してしまった。 

 

11/26 世界美術館紀行「印象派の神髄はロンドンにあり コートールド美術館」

 イギリスのコートールド美術館は、イギリスの実業家サミエル・コートールドが寄贈した作品を元に1931年に設立された。小規模な美術館ながら、レベルの高い作品を所蔵しているので知られているという。

 この美術館はフランス印象派のコレクションで知られる。ルノワール「桟敷席」、ドガ「舞台の2人の踊り子」、モネ「アルジャントゥーユのセーヌ川・秋」、ゴーギャン「テ・レリオア(夢)」、ゴッホ「耳に包帯をした自画像」など、いずれも教科書や画集などで見たことがある超有名作品ばかりである。

 合成繊維で財をなしたコートールドは、印象派の作品を中心にコレクションした。印象派の作品を国で所蔵して欲しいと考えた彼は、コートールド基金を設立して、印象派の作品の収集を始めたのだという。彼が印象派の作品を集めたことは、印象派を支えることにもなったとのこと。特に当時のイギリスではセザンヌはほとんど評価されていなかったのにもかかわらず、セザンヌの絵を見込んだコートールドは、セザンヌの作品を買い集め、ナショナルギャラリーに貸し出したりしたという。彼は作品を手当たり次第に収集したのではなく、すべて吟味して選んでいるという。そのことが今日の粒ぞろいのコレクションにつながった。

 晩年、妻に先立たれた彼は、美術研究所を設立して、絵画の保存や展示と美術史の研究を一体化した専門家の育成を行っている。

 あまりに有名な作品ばかりが登場するので驚く次第。このコレクションを見ていると、コートールドという人物はかなり確実な鑑識眼を持っていたことが分かる。彼がコレクションを開始した当時は、まだ印象派に対する評価は固まっていなかったわけだから、一つ間違えば彼のコレクションはすべてガラクタになる危険性もあったわけである。彼の美術品に対する思い入れは、単なる金持ちの道楽というものではなかったようである。

 しかしそれにしても、やはり日本と違ってヨーロッパの文化のふところは深いなと思わせられる。どうしても日本の成金はこういう発想にはなりにくいんだな。

 

11/19 世界美術館紀行「ロックフェラーが愛した一角獣 メトロポリタン美術館5」

 メトロポリタン美術館の分館クロイスターズは中世美術の殿堂である。石造りのこの建物は、実は各地の中世の修道院などが移築されたものであり、この建物のシンボルであるクサの回廊は、12世紀の南フランスのサンミッシェルドクサ修道院にあったものが移築されたものである。

 この回廊を取り巻く形で配されている展示室にも各種の名品が展示されている。ロベール・カンバンの「<受胎告知>の三連祭壇画」(15世紀)やバリー・セント・エドマンズの十字架などの傑作が収蔵されているという。

 この美術館の設立に貢献したのはジョン・D・ロックフェラー・ジュニア(ロックフェラー財閥の二代目)である。大恐慌下のアメリカで、ロックフェラー・ジュニアは失業者を救済するための一大事業を行ったが、それがロックフェラーセンターの建設とクロイスターズの建設だったという。

 ビジネスのストレスにさらされるジュニアがもっとも愛した作品が、7枚の連作である「一角獣のタペストリー」だという。これは中世の一角獣伝説に基づく物語であり、捕らえられて殺された一角獣が復活するまでを描いており、キリスト復活の物語と対応しているという。散逸していたこのタペストリーをジュニアは買い集め、ここに揃えたのだという。彼は時々ここを訪れては、塔を上って風景を眺めたりしていたという。なお対岸の風景が変化しないように、彼は対岸の土地を買い求めてそこを公園にしたとのこと。

 金持ちが心の慰めに美術館を設立したという物語はさんざん今までに登場していたが、今回もそのパターンであった。ヨーロッパは貴族が美術館を作った例が多いが、貴族が存在しないアメリカでは金持ちがその役をなしたようである。日本でも美術館を作った金持ちはあるが、まだその数は少ない。意識の問題や税制の問題などがその理由にあるようであるが、もともと文化面は異様に貧しい国であるから。

 

10/15 世界美術館紀行「古城に眠る世界一美しい本 フランス・シャンティイ城」

 今は美術館となっているフランスの古城・シャンティイ城は、かつてこの地の領主だったオマール公 アンリ・オルレアンが集めたコレクションを展示している。

 19世紀に生まれた彼の生涯はフランス革命によって翻弄された。18世紀末のフランス革命以降、フランスでは貴族と民衆の対立が激化していた。そして1848年、民衆側が勝利したことでオマール公はイギリスに追放、城は破壊され、美術品は海外の美術商に売却される。この時にフランスの至宝と言える美術品の多くが海外に流出した。亡命先のイギリスにいたオマール公は、ここでフランスの宝を一人で買い集めていたのだという。

 そんなときに彼はフランスの宝石と言われた一冊の本が売りに出されることを知り、ジェノバへと出向く。その本は15世紀に書かれた「ベリー公のいとも豪華なる時祷書」である。時祷書とは一種のカレンダーであり、この本は国王の弟であるベリー公が莫大な財をつぎ込んで作られたものだという。青色顔料は外国から輸入したラピスラズリを、赤色顔料にはスペインの昆虫コチニールの色素を、黒はアフリカ象の象牙をやいたものを使うなど、宝石にも匹敵するような高価な顔料を使用したものである。

 永らく行方が分からなくなっていたこの書に、オマール公はイタリアで遭遇し、これを落札したのだという。そして1871年、帰国を許されたオマール公は22年ぶりにシャンティイ城に戻った彼は、領地の一部を売却して城を修復し、収拾したフランス貴族の遺品を展示したのだという。その後、この城に展示された美術品は一枚も損なうことなく今日に至っているとのこと。

 フランスの宝を私財を投じて集めようとしたオマール公は、良い意味での貴族的意識が強かったのだろう。彼は美術品は個人のものではなく、社会に託されたものというように考えていたという。オマール公に限らず、欧米人の上流階級にはこの意識が強いため、自分の死後はコレクションを美術館などの形で公開する者が多いのである。ゴッホのひまわりを自分の棺桶に入れて欲しいといった日本の成金などとはこの辺りが違うのだ。この時のオマール公の尽力がなければ、フランスの美術品のかなりの部分は海外に流れてしまっていただろう。こういう人物の功績というものは、1世紀以上後になって分かったりするものである。

 

10/8 世界美術館紀行「ニューヨーク奇想の館に美は花開く ソロモン・グッゲンハイム美術館」

 ニューヨークにあるグッゲンハイム美術館は独特の構造をした美術館である。ここの建物は回転するスロープの形式になっており、来館者はエレベータで最上階まで上った後、スロープを下りながら作品を鑑賞するのである(海遊館と似た構造だ)。作品はその壁に飾られ、ギャラリーを仕切る壁などはない。また中央の吹き抜けには天窓があり、そこから自然光がさすようになっている。

 この斬新な建物を建築したのは、アメリカ建築界の巨匠のフランク・ロイド・ライト。約1000の建物を設計した彼の傑作と言われている建物であるという。

 この美術館を建造する計画に関わったのは、後に美術館の初代館長になったヒラ・リーベイ。抽象絵画の信奉者であった彼女が出会ったスポンサーがソロモン・グッゲンハイムである。彼女の薦めで抽象絵画の魅力を教えられた彼はカンディンスキーなどの抽象絵画を集めるようになったという。二人は収拾したコレクションを公開するために非具象絵画美術館をオープンし、これがグッゲンハイム美術館の前身になる。

 最先端のコレクションを飾るための斬新な美術館を建てることを考えた彼等が白羽の矢を建てたのが、フランク・ロイド・ライトであった。リーベイの説得でこの仕事を受けたライトであるが、この美術館の建造は数々の困難に突き当たる。まず終戦に伴う建築ブームによる資材の高騰。これで建築予算は当初の数倍にまで増える羽目になってしまったという。さらに1949年、スポンサーのソロモン・グッゲンハイムが死亡、後ろ盾を失ったヒラ・リーベイの影響力も急速に衰え、1952年に美術館を去る。後に残されたライトはソロモンの遺産を引き継いだ甥のハリー・グッゲンハイムを7年にも渡って説得を続け、ようやく美術館の建設を決意させ、1956年に建設着工にこぎ着けたものの、今度はライトの建物自体が芸術家グループに「絵画や彫刻の展示にふさわしくない」と批判されることになる。高齢のライトはこれらの諸問題への対応で健康を蝕まれ、1959年4月に91才でこの世を去る。ソロモン・グッゲンハイム美術館が開館したのはその半年後であったという。計画の着手からは16年以上もの月日が流れていた。

 何やら作品ではなく、建物の方が主要な作品であった趣のある話。実際のところ収蔵品の方は私にとってはどうでも良いような作品ばかり(笑)であるので、やはり注目すべきは建物の方か。確かにあの建物はかなり斬新。ただ、ギャラリーに直射日光が当たる形になっているのは大丈夫なのだろうかということだけが気になったが。

 

9/25 世界美術館紀行「革命児マルセル・デュシャンの遺産 フィラデルフィア美術館」

 フィラデルフィア美術館は現代アートのコレクションが多い美術館である。その中でフィラデルフィア美術館はデュシャンのコレクションがある。

 デュシャンは子供の頃から画家を目指し、キュビズムなどの影響を受けたが、その後独自のアートの世界に入る。ヨーロッパではキュビズムと認められなかったのだが、アメリカで好評を博したことから、アメリカに渡って制作に励んだ。

 このデュシャンが物議を醸した作品が、泉という作品。これは市販の便器にサインして横倒しにしただけの代物である。デュシャンによると作品を作ることが重要なのではなく、作家が何を選ぶかもアートであるというのだ。

 デュシャンの作品は私も見たことがあるのだが、正直な感想は「アホらし」というものであった。彼はアートとは何かを突き詰めたようなのだが、私に言わせれば、その問いの行き着いた先は「芸術家なんて不要だ」ということである。TOTOの便器に私がサインを入れれば、それも芸術作品なんだろうか? 選ぶということが大事といっても、何をどう選ぶかの基準なんてないわけだから、要は誰が何を選んでも文句を言えないわけである。自然界に投影される作者の何らかの意識がないと、それは芸術とは言わないだろう。

 デュシャンがアメリカでもてはやされたのは、とにかく変わったものは何でも尊ぶアメリカの風土であったと見ており、彼は後世に残る芸術家ではないというのが、私の見解である。

 

9/17 世界美術館紀行「パリが愛した異境の楽園 オルセー美術館5」

 かつて鉄道の駅であったオルセー美術館の最上階には、共に異境に憧れた画家であるゴーギャンとアンリ・ルソーの展示室がある。しかしこの二人は対照的な生涯を送った。

 文明化するパリに嫌気がさしたゴーギャンは、最初は田舎へと移り住む。その後、パリの万国博覧会でタヒチの風物に見せられた彼は、楽園を求めてタヒチに渡り、そこで現地の女性と結婚する。

 これに対してルソーは、全く絵が売れない中で困窮にあえいでいた。正式に絵画を学んだことのない彼の作品は、展覧会においてもその奇妙なデッサンのせいで観客の笑いを誘うだけだった。そんな彼が見つけた楽園は、パリの中にあった無料で入場できる植物園だった。これはそこの植物に魅せられ、その風景の中に写真集から取ってきた生き物を配置し、想像によって南国の楽園を作り上げる。そんな中で描き上げた最高傑作が1907年の「蛇使いの女」である。独特の異国情緒漂う絵画に、今度は展覧会でも誰も笑う観客はいなかった。しかしその3年後、彼は破傷風を患ってこの世を去る。

 一方のゴーギャンは、文明化が進むタヒチを捨て、さらなる南海の孤島にアトリエを構える。しかしその時既に彼は病におかされていた。彼は1903年に病死する。彼のアトリエに最後に残っていたのは、雪に覆われたブルターニュの光景を描いた作品であったという。

 アンリ・ルソーの絵は私も以前に見たことがあるが、正直なところ「デッサンの下手くそな絵」という印象しかなかったのだが、どうやら当時から既にそういう評価であったらしい(笑)。ゴーギャンの絵にしても、私は個人的にはあまり面白いとは感じない。この辺りは私が南方系の風景にあまり魅力を感じないせいもあるだろう(私はどちらかと言えば、北方系の風景に惹かれる方)。ただゴーギャンにしてもルソーにしても、題材が良くてうけたという面は否定できないような気がしてならない。番組中でも言っていたが、この時代のパリは万国博覧会などがきっかけとなって、一種の異国ブームになっていたので、異国の風景を描いているというだけで客受けが良かったのではないだろうか。以前からそのような気がしていたのだが、今回のこの番組を見ていると、さらにそんな気がしてならない私はひねくれ者か。 

 

9/10 世界美術館紀行「ウィーン世紀末 クリムトの恋 オーストリア美術館」

 かつてのハプスブルク家の宮殿が、ハプスブルク帝国の崩壊後に美術館として開放されたのがオーストリア美術館である。そこの収蔵品で目を惹くのがクリムトの絵画である。

 1862年、ウィーンに生まれたクリムトは、ウィーンの都市改造に伴って建造されることになったブルク劇場の階段の間の天井画の制作に24才で抜擢され、歴史画を古典主義的な技法で描ききったことで高い評価を受け、富と栄誉を手にすることになる。

 その後、クリムトの元には多くの肖像画の依頼が殺到することになるが、ウィーンの保守的な芸術界のあり方に反発を感じた彼は、35才の時に分離派という革新芸術集団を結成する。「時代にはその芸術を、芸術にはその自由を」というのが彼等のスローガンであったという。

 この頃からの彼の肖像画は金箔を使用した装飾的なギラギラしたもの(我々が一般的にクリムトの絵画の特徴として記憶している画風)が登場する。彼は当時の時代風潮とも相まって工芸と芸術の統合を目指していたという(芸術と工芸の融合といえば、まさにアールヌーヴォなのだが)。

 さらにクリムトの絵画は官能的なエロスの世界に突入していく。このようなクリムト達に影響を与えたのはフロイトの心理学(人間の衝動の根本は性欲であるというあれ)であったという。

 彼の傍らに常にいた女性は義妹のエミーリエだったという。経済的にも裕福で完全に自立している彼女は、クリムトを常に精神的に支えながらも結婚は望まなかったとのこと。このエミーリエの存在がクリムトに描かせたと言われているのが、最高傑作とも言われている「接吻」であるという。55才で脳卒中で倒れたクリムトの最後の言葉は「エミーリエを呼んでくれ」だったという。

 クリムトと言えば耽美、耽美と言えばクリムトということで、誰でもその作品をどこかで目にしたことがあるのではと言う有名な画家である。もっとも個人的には、印象的ではあるが耽美的で装飾的(キンキラキンだ、まさに)な彼の絵画は、あまり作品として面白いとは感じなかったりするんだな・・・。アールヌーヴォの作品からは大体私は共通して一種の軽薄さのようなものを感じることが多いのだが、それと同じものをクリムトの絵画からも感じるのだろう。もっともこれは多分に個人の趣味の世界の話なのであるが。

 

9/3 世界美術館紀行「ニューヨークにエジプトの至宝あり メトロポリタン美術館4」

 アメリカのメトロポリタン美術館には、エジプトのデンドゥール神殿が収蔵されている。この神殿はかつてエジプトでアスワンハイダムの建設によって水底に沈む運命にあったところを、アメリカからの莫大な経済援助の見返りとしてメトロポリタンに送られたのだという。

 この時にメトロポリタンの対抗馬となったのがスミソニアン協会である。スミソニアン協会は、この神殿をアメリカの偉業をたたえるモニュメントとして展示しようとしていたと言う。

 そこで当時のメトロポリタンの館長トマス・ホーヴィングは巨大なガラス張りの展示室を作って、屋外あるように神殿を展示するという大胆な案を提案して、これによってメトロポリタンがこの神殿を獲得することに決定したのだという。そしてそのガラス張りの展示室を設計したのが建築家のケビン・ロシュ。彼はこの神殿がエジプトにあった時を再現するため、館内にナイル川をイメージした水路を造り、エジプトの時と同じ方向から日がさすようにしたという。

 これ以降、メトロポリタンは積極的にエジプト美術品を収集する。メトロポリタンでは独自の発掘隊を送り込み、発掘した美術品を次々と送り出したという。そしてメトロポリタン美術館は世界の美術館に匹敵するコレクションを誇るようになった。その過程で行われた世紀の大発見がメクトラの墓の発見だった。そこには当時のエジプト人の生活を描写した木像が大量に収蔵されていたのである。

 メトロポリタンのエジプト美術品収集に対する熱意を伝えるエピソード・・・というようにアメリカ側からはなるんだが、エジプト側は「美術品を略奪された」と言い出しているわけである。これは多分今後問題になっていくと思うのだが・・・。

 

7/30 世界美術館紀行「すべてはモナリザから始まった ルーヴル美術館1」

 夏休み特集か、アンコール放送のようである。ちなみに私はこの回は以前に見ていないのでコメントしておく。

 かつてルーヴルから盗難に遭い、大騒ぎになった名画モナリザ。この絵画は後にイタリアで発見されたが、犯人は「イタリアの絵画をイタリアに戻そうとした」と証言したという。そもそもレオナルド・ダ・ヴィンチはイタリアのフィレンツェの画家である。なぜそのレオナルドの絵画がフランスのルーヴルの看板となっているのか。

 ルーヴルは元来は12世紀にフランス王フィリップ2世によって、外敵の侵入を防ぐためのセーヌ川沿いの砦として建造された。その後、ルーヴルは拡張されて宮殿となる。16世紀のフランス国王・フランソワ1世は領土拡張のために攻め込んだイタリアで、そのルネサンス文化に心奪われる。21歳の若き王は精力的にイタリアから美術品を収集する。彼は文化的に遅れたフランスに優れた芸術家を招きたいと考え、当時63才のレオナルドに白羽の矢を立てる。フランソワ1世はレオナルドにフランス最高の芸術家の称号を与え、彼らは親子ほどの年の違いがあったが友人として親交する。

 フランソワ1世はレオナルドを父のように扱ったとのことである。レオナルドの深い見識は若きフランソワ1世にとっては精神的よりどころであったという。3年後の1519年、レオナルドは息を引き取る。フランソワ1世はレオナルドが亡くなった時に手元に残っていた3枚の絵を買い取り、これをパリに持ち帰ったという。その3枚の絵画は「聖アンナと聖母子」「洗礼者ヨハネ」そして「モナリザ」であった。そしてフランス革命以後、ルーヴルが美術館として公開されて以来、これらの絵画はルーヴルに展示され続けているのである。

 なお実は「モナリザ」は美術館にとっては厄介者だという。というのも、モナリザの前に多くの観客が殺到するため、館内の交通に支障が出るのだという。今日もモナリザはその謎の微笑によって多くの者達を魅了し続けているのである。

 

7/23 世界美術館紀行「アルプスの画家 ここに眠る セガンティーニ美術館」

 スイスのサンモリッツにあるセガンティーニ美術館は、アルプスに魅せられた画家セガンティーニの作品を収めた美術館である。アルプスに魅せられた画家は多くいるというが、セガンティーニはその中でも最上の者に属するという。

 7歳の時に父親とミラノにやって来たセガンティーニ、しかし彼の父親は彼を親戚に預けたまま行方不明となる。若くして画才を示し、18才で美術学校に入学したセガンティーニであるが、「生まれつきの芸術家にとって美術学校は役に立たない。ここは多くの画家を育てても、一人の芸術家も出さない。」と言い切って2年でここを止めてしまう。彼は最初はイタリアの風景を描いていたが、それに飽きたらずにアルプスを目指す。そしてスイスの山間の村、サヴォニンの風景に心惹かれてここに住み着く。

 そこで彼の画風は一変する。彼の絵は光にあふれたものとなる。彼は原色の線を重ねる画法によって(スーラの点描と対比している)、アルプスの光を表現したのである。

 しかし彼はやがてさらに高見を目指し、標高1815mの村、マロヤに到着する。ここで彼の絵はさらに精神的な高みに至る。そして彼の代表作とも言える自然の三部作が完成する。彼はここで自然と一体となった宗教的境地に至っていたのだという。しかし彼はこの村に来て5年後、デッサンのために登ったシャーフベルクの頂上で、急性腹膜炎によって山を下りることが出来ないまま41才の若さで息をひきとる。彼の最後の言葉は「私の山を見たい」だったという。

 イタリア時代の絵画と、スイスに来てからの絵画が一変しているのが驚き。これだけ画風の変わる画家も珍しいが、彼は周囲の環境の影響を受けやすい人間だったのか(笑)。惜しまれるのはあまりに若くして死んだこと。晩年の彼の作品を見ていると、もう少し生きていたらさらに凄まじい作品が見られたのではないかと、それが残念でならない。

 

7/16 世界美術館紀行「美と恋のベネチア 令嬢物語 ペギー・グッゲンハイム美術館」

 20世紀美術の最大のコレクターであるペギー・グッゲンハイムが、彼女のコレクションを元にして作ったのが、彼女の名を冠した美術館である。彼女はアメリカの富豪の家に生まれ、財産のすべてを芸術につぎ込んだという。

 ニューヨークに生まれ、タイタニックの事故で家族を失った彼女は、フランスに渡っていわゆる現代芸術家のパトロンとして、多くの芸術家を経済的に支援したという。彼女は作品に魅了されるとその作者をも愛してしまう習性があったので、多くの芸術家と浮き名を流したようである。彼女は芸術家のエルンストと結婚したが、その結婚生活は決して幸福ではなかったという。

 第二次大戦後、フランスに住みにくくなった彼女はアメリカに帰国、そこでヨーロッパの最新の芸術を紹介すると共に、ヨーロッパから亡命した芸術家やアメリカの芸術家を支援したという。その中には近代アメリカを代表する芸術家であるポロックなどもいたという。

 1948年、戦後に再開されたベネチアのビエンナーレに彼女のコレクションを展示したのをきっかけに、彼女はこの地に腰を下ろすことになり、そしてここに美術館を開いたのだという。

 家族を失った彼女は、自分の満たされないものを芸術に求めたという気がしてならない。古来より芸術家が生き残るには何らかのパトロンを必要としており、そういう点で彼女が現代芸術に果たした役割は大きいだろう。ただ正直なところ、私には彼女のコレクションの作品の大半は、全く面白味を感じないのだが・・・。

 

7/9 世界美術館紀行「修復師が支える美の殿堂 ロンドン・ナショナルギャラリー2」

 1987年、イギリス国民を震撼させる事件が発生した。ロンドン・ナショナルギャラリーを訪れた頭のいかれた馬鹿が、ダ・ヴィンチの名画をライフル銃で撃ったのである。この銃撃でダ・ヴィンチの絵画には強化ガラスの破片が食い込むなどの甚大な被害が生じた。そしてイギリスは国の威信を賭けて、この絵画の修復に取り組んだのである。

 この時に活躍したのが修復師達である。彼らは傷んだ絵画を、その絵画がどのようにして描かれたかを推理しながら修復に挑むのである。主任修復師のマーティン・ワイルド氏によると、修復師の仕事はまさに探偵のようなものであるという。彼らは絵の表面に塗られた傷んだニスを慎重に剥がし、後世の修正によって改変された絵画を、修復に使用された絵の具を慎重に削り取って元の絵を浮かび上がらせる。彼らの作業によって、その真の姿が明らかになった絵画は少なくない。

 彼らはダ・ヴィンチの絵画から、慎重にガラスの破片を除くと共に、剥がれ墜ちた破片は慎重に分類し、これらをジグソーパズルを組み合わせるかのように接着していき、わずかな隙間は木炭で埋めていくという神経を使う作業によって、2年半の歳月をかけて見事にこの絵画を修復したのである。

 ロンドン・ナショナルギャラリーの絵画は、このような修復師達によって支えられているのである。

 美術館の裏方に焦点を当てた興味深い内容。ところでこの絵画を撃った馬鹿だが、責任能力云々の問題を除いたとしても、罪状としてはせいぜい「器物損壊」なのだろうか? その後のこの馬鹿がどうなったかにも実は興味があったりする。なお日本でも、自分の絵画が全く売れないことに錯乱した三流画家(売れなくて当たり前のしょうもない絵を描いていたみたいだが)が、美術館で展示絵画に切りつけた事件があった。全く世間に認められなくて煮詰まってしまった自称芸術家の中には、「○○(有名芸術家の名前)が俺の才能を恐れて、俺が世間に出ることを裏で妨害しているんだ」という妄想を信じ込んでしまう例もあるようである。こういう馬鹿がいると、我々が絵画をガラス越しに見ないといけない羽目になるので、鬱陶しくて仕方がないのだが・・・。

 

7/2 世界美術館紀行「王妃マリー 栄華と孤独の肖像 ルーヴル美術館4」

 ルーヴルには肖像画の名手ルーベンスによる「マリー・ド・メディシスの生涯」という絵画が収蔵されている。これは縦4メートル横3メートルの巨大なカンバス24枚からなる連作である。王妃マリーはイタリアの名門メディチ家に産まれ、フランス王アンリ4世に嫁いだ。しかしアンリ4世は生涯に56人もの愛人を持ったという女たらしだったという。そしてこの結婚は彼女の持参金が目当ての政略結婚だった。

 フランス語が話せなかったために、彼女はフランスで孤独であったという。また彼女の並はずれた浪費は、フランスの国庫を傾けかねないことになる。しかし彼女はアンリの跡継ぎのルイ13世を産み、戦争のために国を空けるアンリの代わりに戴冠をする。しかしアンリが暴漢によって暗殺されたことで、彼女はまだ6才のルイ13世の摂政として国権を握ることになる。しかし7年後にクーデターが発生、彼女はパリを追われることになる。彼女を追放したのは他ならぬ彼女の息子であるルイ13世だった。その後、彼女は味方になっている貴族達によって幽閉先のブロワ城から救出される。その後、一端は息子と和解するが、やがて再び対立しパリを追われ、69才で亡命先のケルンで死亡したとのこと。

 美術ものというよりは歴史物といった傾向が強かった今回。どちらかと言えば美術ファンよりも歴史ファンである私には面白かった(笑)。なお私は「王妃マリー」と言われた時点でマリー・アントワネットのことだと思っていたのだが、その数台前の人物であった。恥ずかしながら世界史に疎い私は、マリー・アントワネット以前にもう一人不幸なマリー王妃がいたとは知らなかった。

 当時、彼女がアンリを殺したのではないかとの噂もあったと言うことだが、そうだろう。真偽のほどは分からないが、そのような噂が立つというのは、つまりフランス人にとってはいつまでも彼女がイタリア人であったということだろう。結局彼女は息子に国を追われるわけだが、それは多分イタリア人である彼女への反発を感じている貴族などが多かったのだろうと推測される。また彼女はメディチ家の人間であり、彼女を通してフランスに対してメディチ家の介入があったのかもしれない。まあ彼女も時代に翻弄された不幸な人物といえるのではあろうが。

 

6/25 世界美術館紀行「光琳の傑作 アメリカに渡る メトロポリタン美術館3」

 多くの観光客が訪れるアメリカのメトロポリタン美術館。ここには多くの日本の美術品が収集されている。武器・甲冑部門には日本にあれば国宝クラスの足利尊氏の鎧などがあり、アジア美術部門には仏像や陶磁器などの傑作が多く収蔵されている。その中でも最高傑作と言われるのは、尾形光琳の「八橋図」である。同時期に描かれた「杜若図」は国宝に指定されており、この作品も国宝級であるといえる。

 戦後、日本の敗戦で多くの資産家が没落する中、多くの美術品が市場に流出した。そしてその美術品を買い漁ったのがアメリカの美術商達である。そしてメトロポリタン美術館の学芸員のアラン・プリーストも、今こそが日本の美術品を入手するチャンスと考える。しかしまだ反日感情が強かったアメリカでは、日本美術購入のための予算が付かなかった。しかしその後の朝鮮戦争でアメリカ人の対日感情が変化、アメリカで「日本の国宝展」が開催される。その委員の一人として来日したプリーストは、この時に資産家や古美術商の間を転々としていた八橋図を見つけたのである。そして国宝展は大成功、プリーストは日本美術を購入する予算を獲得し、八橋図を購入する。当時、この作品は光琳の真筆ではないと考えられていたとのことで、これだけの名品にかかわらず、これが国外に流出することは全く問題にならなかったという(この辺りに日本の文化政策のお粗末さがうかがえるのだが)。この作品はメトロポリタンに到着してから、日本人研究者によって光琳の真筆と鑑定され、メトロポリタンの宝となった。

 プリーストは30点の日本美術品を購入、その後も収集家からの寄贈などによってメトロポリタンは世界有数の日本美術コレクションを保つことになったのである。1963年にメトロポリタン美術館を退職したプリーストは、京都に移り住んでそこで生涯を終えたという。プリーストの死後にメトロポリタンには日本ギャラリーが作られた。

 美しい表現をされているが、要は戦後の混乱の中でアメリカに日本美術品が流出したエピソードである。生活に困窮した持ち主が売り払った場合が多いが、中には略奪同然で持って行かれたものも多い。美術品の類は、常にその時の力のある国に集まってくるものである。メトロポリタン美術館が優れたコレクションを誇っているというのは、まさにアメリカが力を持っている証拠なのである。ただ、現代になって発展途上国を中心に「美術品を元来の持ち主である国に返還せよ」という運動も起こっており、そのあたりが注目されるところだ。もしこれが本当に実行されたら、メトロポリタン美術館や大英博物館などはスッカラカンになるだろうと思われる。それだけに実現はまずはないと思うのであるが。

 

6/18 世界美術館紀行「ルネサンスを伝えた男 ウフィッツィ美術館2」

 イタリアのフィレンツェにあるジョルジョ・ヴァザーリが設計した美術館がウフィッツィ美術館である。イタリアで美術館を1つしか選ぶとしたらここしかないと言われている美の殿堂である。この美術館はかつてこの地を支配したメディチ家のコレクションを元にしており、レオナルド・ダ・ヴィンチやミケランジェロなどのルネッサンスを代表する作品が収蔵されている。

 ジョルジョ・ヴァザーリはルネッサンス後期に活躍した画家であり建築家である。しかし彼の名を後世に残しているのは「芸術家列伝」というルネッサンス期に活躍した画家や彫刻家などを紹介した本であるという。彼の設計したこの美術館では、この本の順序に従って作品が展示されている。

 美術館ではまず、列伝でルネッサンスの創始者と言われているジョットの作品から始まる。13世紀末から14世にかけて活躍したこの画家の「荘厳の聖母」には陰影を巧みに利用した人物の立体的表現や後の遠近法につながると考えられる技法が見られる。さらに絵画の技術には卓越していたが、女癖の悪さで有名だったフィリッポ・リッピの「聖母戴冠」など作品も展示されている。さらに「その才能が巨大すぎるが故に彼の手がそれについて行けず、偉大な頭脳を満足させることが出来なかった」と、ヴァザーリがその未完成作品の多さを解説したダ・ヴィンチの作品も収蔵されている。そしてヴァザーリが最高の芸術家と称しているミケランジェロの作品も展示されている。

 ところでこの列伝は、芸術家達の芸術性が云々などということよりも、誰それは女癖が悪かっただのといった人間的側面に注目しているとのこと。今でいえば「有名画家こぼれ話」といった趣か。彼のこの書物のおかげで、現代の我々も当時の大芸術家達の素顔に迫ることが出来るのである。もしかして現代の週刊誌も、数百年後に残れば貴重な資料になる? だけど書いてあることの90%が嘘ではな・・・歴史を混乱させるだけ(笑)。

 

6/11 世界美術館紀行「募金箱が救った名画 ロンドン・ナショナル・ギャラリー1」

 ロンドン・ナショナル・ギャラリーには入場料がない。館内には募金箱が据え付けられており、来館者はこの募金箱に入場料代わりに寄付をするのである。ロンドン・ナショナル・ギャラリーで公開されている名画には3種類のものがある。1つは美術館が購入している作品であるが、多くは2つ目の貴族などに寄贈された作品、3つ目の貴族などから預かった作品を保管・展示している寄託である。しかしイギリスが凋落すると共に、絵画の流出が問題になっているという。特に20世紀になってアメリカが勃興するにつれて、没落したイギリス貴族からアメリカの新興成金に絵画が売却されるという例が急増しているのだという。かつてイギリスの肖像画の名手ゲインズバラの「ブルーボーイ」がアメリカの億万長者に売却された時などは、イギリスに大きな衝撃を与え、それを嘆く歌までが登場したという。

 しかしイギリス人も黙って絵画の流出を座視していたわけではない。ホルバイン作「ミラノ公妃クリスティーナ」が7万ポンド(当時の価値で10億円)でアメリカの富豪に売却されそうになった時は、これを阻止するために募金によって絵画を買い取るという運動が盛り上がったという。この音頭を取ったナショナル・アート・コレクション・ファンドは今でもイギリスからの文化財の流出阻止のための活動を行っている。この絵画の時も多くの市民からの寄付が寄せられたのだが、それでも1万5千ポンド(約2億円)しか直前までに集まらず、売却期限の日を迎える。しかし最終日、匿名の婦人から4万ポンドの寄付が寄せられ、クリスティーナの流出を阻止することに成功する。

 アートファンドはその後も多くの絵画の流出を阻止し、そして2002年にはラファエロ「聖母子」の流出騒動が発生する。アメリカの美術館が58億円でこの絵を買収しようとしたのである。ナショナルギャラリーもこの絵を同額で買い取ることを目指して募金活動をスタートし、連日様々なメディアを通じての運動が繰り広げられた。また美術館はインターネットを通じて世界中に寄付も呼びかける。そして2003年秋、ついにこの問題が国会でも取り上げられ、政府からの拠出金も得て、この絵の獲得に成功したという。

 内容的には先々週の回のちょうど裏返しのような関係で、非常に興味深かった。このように絵画の流出にこだわるのは、やはりかつての大英帝国の誇りであろう。彼らにとっては田舎ものと見下しているアメリカ人に自国の文化品が持って行かれることは、プライドが許さなかったのであろうことは容易に推察つく(「ブルーボーイ」の歌でも、「クリスティーナ」の時の漫画でも、アメリカ人に対する敵意がむき出しだった)。いつの時代でもその時代の強国に美術品が集まるのは常であり(イギリス自体もかつてそうやって美術品を集めたのだ)、時代の趨勢がアメリカの時代を迎えていた象徴なのだが、あくまでそれに抵抗したかったのだろう。ちなみに日本はこのようなプライドがなかったのと、文化というものを軽視していたのと、第二次大戦でアメリカに敗北したのとなどで、多くの美術品が海外に流出してしまった。悲しいことである。またあのバブル期には名画を高値で買い漁った連中もいたが、その絵画はまた海外に流れているとのこと。結局日本にいる金持ちはアメリカ以上にただの成金にすぎないということである。そう言えば、かつてゴッホのひまわりを「自分が死んだ時には棺桶に一緒に入れて欲しい」と発言して、世界中から「芸術作品の危機」とどひんしゅくを買ったどこぞの馬鹿がいたが、これなどは明らかに成金の発想である。なかなかこの国では、文化が本当に育つのは難しいのか。

 

6/4 世界美術館紀行「ミロのヴィーナス 究極の美の秘密 ルーヴル美術館3」

 以前にもあったルーヴルのシリーズで、今回のテーマはミロのヴィーナスである。

 古代ギリシア彫刻の傑作といわれているこの作品は、2000年以上前に作られた作品であるにもかかわらず、未だに人々の目を引きつけてやまない。ルーヴルではかつてこの作品を同時代に作られた他の作品と同じ部屋に置いたことがあるのだが、人々がミロのヴィーナスの方しか見ないので、今はこの作品を単独で展示しているあるという。

 フランスの北部の小さな町コンデ・シュール・ノワローには、この町で生まれた海軍士官デュモン・デュルビルの像がある。実は彼こそがミロのヴィーナスをルーヴルにもたらした人物である。ミロのヴィーナスはエーゲ海のミロス島で1820年に発見された。畑仕事をしていた一人の男が偶然に大理石を発見し、それをつなぎ合わせると一体の彫刻になったのである。たまたまその時、この島にデュルビルの軍艦が停泊しており、美術に造詣の深かった彼は即座にこの像の貴重さが分かったという。当時ギリシア時代の彫刻を完璧な形で手にいるのは難しく、今日に伝わるギリシア彫刻の大半はローマ時代に作られたコピーだという。彼はフランス大使に働きかけ、オスマントルコやバイエルンの機先を制してこの像を入手したのだという。

 ミロのヴィーナスの美しさの秘密として挙げられるのが、1.6:1の黄金比である。この比は人間にとってもっとも安定感を感じさせる比率だと言われており、ピラミッドの高さと底辺の比もこの数字になっていると言われている。ミロのヴィーナスの場合、バストとヒップの幅の比、顔の縦と横の比、左足の膝上と膝下の比、首からお尻までとお尻から足までの比、ヘソを境とした上半身と下半身の比などにすべてこの数字が当てはまるということである。古代ギリシアの彫刻は数学的に正確に設計されていたことが知られており、ヴィーナスのこのような造形も計算されたものであると考えられるという。そしてこれがこの像の美しさにつながっているのだろうという。

 黄金比という言葉はよく聞くが、なぜ1.6:1なのかは明らかではない。しかしこの比はあらゆるところで利用されており、確かに人間にとっては落ち着きのよい数字であるらしい。ちなみにこれとよく似た数字としては16:9というものがあるが、これはいわゆるハイビジョンの画面の縦横比である。この比が設定された根拠は、人間の視界がこの比になっているというものがあったはずであるが、黄金比にはこの辺りが関係しているのではという気もする。

 

5/28 世界美術館紀行「非情の経営者、名画との密会 フリック・コレクション」

 ニューヨーク5番街、かつて百万長者街と言われたこの地にあるのがフリック・コレクションである。ここは大富豪ヘンリー・クレイ・フリックが晩年の5年間をすごした屋敷である。この屋敷の一階部分が美術館として一般公開されており、美術館となっている。つまりこの美術館はフリックの個人コレクションを公開しているのである。この美術館では作品をガラスで覆ったり、プレートをつけたりしておらず、あくまで来客がフリックの屋敷を訪れてそのコレクションを鑑賞しているというスタイルをとっているとのこと。

 1849年、アメリカ・ピッツバーグの貧しい農家に生まれたフリックは、製鉄業に不可欠なコークスの製造業に目を付け、この分野によって百万長者へとなる。この頃から彼の絵画コレクションが始まったという。しかし彼は経営する鉄鋼会社のストライキに対する強圧的対応などから世間の批判を浴び、ついには暗殺未遂事件まで発生する。 この事件はフリックの心身を傷つけ、これからフリックは美術品収集に本格的に取り組んでいく。彼はピッツバーグの空気は美術品に悪いと、この地に屋敷を建てて美術品を収納したのだ。

 彼は美術品の収集に関しても仕事と同じようなスタイルであり、感情を示すことはなかったと言われている。しかしそのフリックも、レンブラント作「ポーランドの騎手」の入手に成功した時は、エージェントに対して「良かった」という感想を示したと言われている。

 各部屋は内装まで含めて彼の意図に基づいて設計されている。タフなビジネスマンと言われていたフリックは、夜になると一階に下りてきて、あかりを灯して美術品を見ながら心を癒していたという話である。フリックコレクションにはレンブラントなどの肖像画やフェルメールの貴重な作品も含まれている。彼は穏やかな肖像画や風景画を好み、いくら名画と言われても戦争を描いているものや裸体画などには手を出そうとしなかったという。こうして心のままに美術品を収集したフリックの行為は、フェルメール「婦人と召使い」で彼の命と共に最後になる。これが3点目のフェルメールだという。

 先週のボルゲーゼ美術館に続き、個人コレクションから発展した美術館の紹介である。先週のボルゲーゼは、美に対する強烈な執着と、美の守護者たらんという強烈な意識が見え、いわゆる「オタク色」が濃厚に現れていたが、それに比べると今回のフリックのコレクションは、明らかに「癒し系」である。彼のエピソードも物語るように、彼はシビアなビジネスの世界で傷ついた自分の心の癒しを美術品に求めたのだろう。ボルゲーゼのコレクションと違い、フリックのコレクションは明らかに穏やかで美しい絵画ばかりが揃っていることに、そのことが顕著に現れている。

 こういう番組を見ていると、海外での美術品愛好家がどういう意図で美術品を買い集めるかがうかがえて面白い。こうして考えると、バブル期に投資として美術品買いあさりに狂奔した日本人の浅ましさが情けなくなる。

  

5/21 世界美術館紀行「美に憑かれた枢機卿・至福の館〜ローマ ボルゲーゼ美術館〜」

 ローマのボルゲーゼ美術館はローマの貴族・ボルゲーゼ家の別荘を美術館としたものであり、多くの彫刻や絵画などのボルゲーゼ家が所有していた美術品が収蔵されている。ボルゲーゼ美術館はプライベートコレクションの女王と呼ばれているが、これだけのコレクションを成したのは、かつてのボルゲーゼ家の当主・シピオーネ・ボルゲーゼである。「美に憑かれた枢機卿」と呼ばれた彼は、叔父がローマ教皇であるという権勢を利用して、多くの美術品を集めた。中には教会から略奪したものや、他の枢機卿に頼まれて制作していた作品を手に入れるために画家を牢に捕らえたりなどのかなり強引な手法を用いたものもあるという。

 一方、彼は芸術家のパトロンとしても活動していたようである。特に彼が目をかけたのは天才彫刻家ベルニーニである。幼き頃から彼の才能に目を付けたシピオーネは、彼を一流の彫刻家として育てたのである。若き日のベルニーニの制作した「アポロンとダフネ」は当時大評判となり、多くのローマ市民がこの像を見ようと駆けつけたという。

 また彼は画家のカラヴァッジオにも目をかけ、彼の作品も多く集めたようである。カラヴァッジオは後に殺人を犯し、ローマを追われて放浪の果てに38才で世を去るが、シピオーネは彼が死ぬ前に描いた最後の作品も入手しているという。

 シピオーネのコレクションはその後ボルゲーゼ家に代々伝えられたが、20世紀に建物とコレクションをわずかな金額で国に譲り渡し、「美術品を散逸させてはならない」というシピオーネの遺言を守ったのだという。

 どうやらシピオーネはかなり人格的には問題のある人間だったように思われる。いわゆる典型的な「オタク」だったのではないか。今でも「オタク」と呼ばれる人種の中には、欲しいものを手に入れるためには手段を選ばない(時には法さえも破る)者もいるが、シピオーネはその典型であろう。ただそれだけに彼の美術品を見る目は確かであったと言わざるをえない。ベルニーニの「アポロンとダフネ」の像など、あまり彫刻を好むと言えない私でさえ、思わず息を呑んでしまいそうな作品であり、ベルニーニの天才を感じずにはいられない。シピオーネのような存在があったことは、果たして美術史にとって幸運なことだったのか、不運なことだったのかは私には分からない。

 

5/14 世界美術館紀行「ツタンカーメンの黄金 エジプト博物館」

 カイロに1863年に設立されたエジプト博物館。有名なツタンカーメン王の遺品はここの2階に納められている。金とブルーの色ガラスで作られたツタンカーメン王の仮面は、今でも鮮やかな輝きを見せている。

 王家の谷でツタンカーメンの墓を発見したのは、イギリスのハワード・カーターである。最後の発掘で彼は地下に続く通路を発見する。その先には部屋があり、門番の像などが発見された。さらにその部屋の壁の一部が後で塗り込められた跡があったことから、そこの壁を崩したところ、その中から4重の厨子が発見され、その4重目の扉の奥にツタンカーメン王の棺があった。その中には3重の棺桶があり、その中にマスクをつけたツタンカーメン王のミイラが存在したという。

 公式行事に用いられた玉座には王の名が刻まれているが、そこには「ツタンカーメン」ではなく、「ツタンカアテン」と書いてある。これは当時の宗教状況が反映しているとのことである。代々エジプトではアメン神が信仰されてきていたのだが、ツタンカーメンの先代であるアクエンアテン王が、アメン神を中心とする神々を否定し、太陽の円盤で現されるアテン神の信仰を行う宗教改革を実施したのだという。ツタンカーメンはアクエンアテンの三女・アンケセナーメンと結婚することで王位を正当化したのだが、彼は即位後に再びアメン王の信仰を復活させた。だからツタンカアテンという名前とツタンカーメンという名前があるようだ(つまりツタンカーメンという名はツタンカ・アメンで、後ろは神の名であるということらしい)。

 ツタンカーメンの死後、王妃アンケセナーメンは敵対していたヒッタイトから王子を迎えて、彼とエジプトを共同統治しようと考えるが、彼はエジプトに入国する際に国境付近で暗殺され、彼女の祖父にあたるアイが次の王に就任する。しかし彼も3年後になくなり、その後に王になったのはかつて軍司令官だったホルエムヘブである。大英博物館にある王の名を記した王名表ではアメンヘテプ3世の後にはすぐにホルエムヘブ王になっており、アクエンアテン、ツタンカーメン、アイの存在は歴史上から消されているという。これはアメン神を信仰したホルエムヘブの意図があるとのこと。このためにツタンカーメンはその墓が発見されるまで、その存在を知られていなかったのだという。

 ツタンカーメンの名ぐらいは知っていたが、その詳細までは全く知らなかったので実に勉強になった。ツタンカーメンの墓と言えば、石室の中に石棺が転がっていたイメージを持っていたのだが、4重の厨子に3重の棺桶とは、そこまで厳重に納められていたとは驚きである。

 またホルエムヘブ即位の経緯などを見ていると、古代の権力争いのようなものが垣間見え(ホルエムヘブの即位は一種の下克上のように見える)興味深い。恐らく親ヒッタイトと反ヒッタイトの2つの勢力がエジプト内で争っていたのではないかと考えられる。そうして考えると、ヒッタイトの王子を暗殺したのはホルエムヘブの手の者か。何やら陰謀の匂いがして歴史マニアには興味が尽きない。

 

5/7 世界美術館紀行「ナポレオンが築いた美の都 ルーヴル美術館2」

 ルーヴルの成立とナポレオンの存在は密接な関わりがある。絵画を自らの宣伝に利用した彼は、自らの肖像画についても計画的に作成させており、例えば有名な「ナポレオンのアルプス越え」の絵画など、自らが立派に見えるように意図して描かれている。

 またナポレオンが各地で勝利すると共に、彼はその地の絵画をルーヴルに納めさせた。特にその略奪を激しく受けたのがイタリアであった。フランスを世界の中心にしたいと考えていた彼は、パリを文化の中心にしようと考えていた。今日の形態のルーヴルを成立させたのはナポレオンであり、ルーヴルの各所にナポレオンを意味するNの頭文字が残されているという。

 ナポレオンとルーヴルの関わりを、ナポレオンの戴冠式を描いたダヴィッドの絵画を題材に解説している。ルーヴルの背景がよく分かる面白い内容であった。

  

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